Как надо рисовать и как не надо: Как не надо рисовать портрет! Крутая неправильная техника. — YouTube

Как не надо рисовать глаза и рты

Как не надо рисовать глаза и рты	[Mar. 1st, 2019|11:30 pm] Alika
Поговорим опять про простые правила, которые знают люди с правильным образованием? В предыдущем посте в этой серии я говорила, что есть вещи, которые неумелого человека выдают с первого взгляда, хотя ему самому может казаться, что у него все нарисовано не хуже, чем у профессионалов. Одна из таких простых вещей, которую учителя реалистического рисования говорят  с самого начала — никогда не обводите глаза и рты жесткой замкнутой линией. Мне было 12 лет, я нарисовала портрет папы, очень была довольна сходством — и принесла его в художественную школу в числе первых отчетов по домашней работе. И первое, что мне сказала моя преподавательница — никогда не обводи вот так глаза и рот. Художники так не делают. И я больше никогда так не делала. Глаза и рот на лице не нарисованы на плоской бумажке, а потом вырезаны и приклеены. Они сложные объемные  детали. Глаз, собственно, это шар, прикрытый кожными складками. Рот и того сложнее. Поэтому при рисовании нужно вглядываться в это пространственное расположение и рисовать эти объемы. Различимые линии, строго говоря, будут только на краю верхнего века и посередине рта. Все остальное — тени, углубления, затемнения в углах — но вовсе не жесткая черная линия. Непрофессионала по этим линиям видно сразу, даже если ему и другим неопытным кажется, что это прямо настоящий портрет. Под катом много примеров и подрообных объяснений — что такое хорошо и что такое плохо:) Это идет из опыта детского рисования, когда на блинчике лица ребенок обводил круги или овалы глаз и очерченный рот. Это главные детали — и неопытный рисовальщик продолжает выдавливать их угольно-черной линией. Вот эта черная угольность — второй признак. Человек не может увидеть, как тон  в районе глаз или рта соотносится со всем остальным лицом — тон под подбородком может быть намного темнее, чем край верхней губы — но угольная обводка ляжет именно на губы. И сравните с автопортретом Рембрандта:  Перед ним задача сложнее — у него нет растяжки тонов графитного карандаша, когда можно наметить и черный и легчайший серый. Это офорт — на практике можно посчитать за рисунок тушью. И вот градациями штриха и ровных или прерывистых линий создается все, что нужно. Мы видим, что глаза не нарисованные плоские листики — а шарики, углубленные в лицо. Рот делает гримасу — но не обведен угольным айлайнером. И если мы посмотрим на лицо целиком — мы увидим полную градацию тонов, показывающую освещенность — свет падает на середину лица, под беретом сгущается тень. Ни одна линия не вырывается из этой жизненной градации тонов, ни одна черта лица не выглядит намазанной углем. И сравниваем неумельца. Правая половина лица не равна левой, глаза не одного размера, рот и глаза расходятся (еще один признак неумелого рисовальщика-срисовщика, про это было в одном из предыдущих постов). Но при этом и рот и глаза жестко обведены «листиками». Многие к этому добавляют ресницы — нарисованные просто растопыренным забором — пересчитанными жесткими линиями. Ресницы пересчитывать, кстати, тоже запрещалось правилами грамотного рисования. Затенение, утолщение темноты века — да, забор из растопырок — категорически нет! Еще листики:) Если вам очень трудно отрешиться от девочкиного рисования принцесс и вы искренне не видите, где в губах и глазах есть темные линии, а где слабые тени — возьмите любой портрет фотографический и переверните. Только не берите отретушированных красоток в полной покраске — на них реально тушью линии нарисованы там, где в природе их нет:) Возьмите обычное лицо без косметики и с обычным светом. И вы увидите, что есть темная линия по верхнему веку —  потому что там край века, толщиной в кожу, и этот торец кожи отвернут от верхнего света — значит и сам он теневой и под ним лежит падающая тень. Все остальное  — это разнообразные тени, обрисовывающие шарик глаза — они темнее на белках, в каждом углу, темнее на нижних веках, в противоположной от света стороне и почти всегда прерываются  в центре глаза — там самое выпуклое и самое освещенное место. Если вы посмотрите на губы, то скорее всего увидите, что самое темное место находится между губами — там все уходит в глубину, в щель рта, куда свет вообще не попадает. И вы увидите, что вся верхняя губа темнее нижней. И это логично! она идет под углом внутрь, свет сверху не попадает на нее. А вот на нижнюю губу, наоборот, попадает — потому что она идет под углом к свету. И вы увидите, что нет никакой черной линии у этой губы, а есть тень между нижней губой и подбородком. Почему? да потому что там опять отвернуто от света, плоскость смотрит вниз, от края нижней кубы падает тень. А люди «знают», что рот весь красный — поэтому рисуют обе губы одного тона — оба темнее кожи. Хотя освещенная нижняя губа может быть практически «белой» — гораздо светлее тени на щеке. Вот еще дивный красавчик. Глаза и губы нарисованы листиками — им, как и обычно у таких рисовальщиков, достаются гораздо более темные линии, чем бедняге носу. Что касается наложенных тонов — это опять незнание, что именно мы рисуем, в полном расцвете. Знающий человек кладет тон — потому что тут плоскость, которая отвернута от света, ее форма и место определены костями и мышцами под кожей. Не знающий — просто срисовывает серые пятнышки. Где-то примерно в районе щеки есть серое пятно на фотографии? ну примерно где-то там и напачкаем произвольное пятно. Что получается в результате? Не объем лица, а будто человека в разных местах испачкали сажей и он еще не умылся. В данном случае все еще хуже — из-за наддатости темных пятен и контраста с белыми, это выглядит не лицом, а куском слегка смятой фольги Сравним с головкой Жана-Батиста Греза. Все линии лепят форму. Яркий свет дает четкие тени и на глазах и в районе рта — и носа! Нос тут не становится невидимкой как на любительских портретах. Глаз мы видим как шар, он выпуклый, каждая тень в его области осмыслена. от брови до верхнего века плоскость идет под углом вниз? Она в тени. Верхнее веко идет под углом наружу по верхней выпуклости глазного яблока? — оно светлое. Край века отвернут от света и весь глаз в тени его? там общее темное место. Ресницы прорисованы деликатно — массами теневыми, а не проволочным забором. Самый край, срез кожи нижнего века идет горизонтально? — на него падает сверху свет — и эта линия светлая. Само нижнее веко уходит вниз-вглубь, потому что на нижней поверхности шарика глазного — оно в тени. Никаких произвольных пятен на лице. От света под глазами щека круглится как любая округлость — как яблоко, например —  и штриховка идет по этой круглой форме, постепенно сгущаясь книзу. А  по линии границы лица и низа лица по подбородку и скуле проходит более темная тень. Почему? потому что кончилось вертикальное лицо, по которому свет скользил — и началась подлицовая часть, которая отвернута от света. Линии к тому же не одинаково-проволочные по всему рисунку. Лицо нарисовано нежными и скользящими штрихами, передавая нежность и прозрачность кожи. Белый чепчик — четкими, видимыми линиями, обрисовывая складки. Одежда еще более широкими  я яркими линиями — там лен, шерсть, более грубая фактура, чем нежное личико. Обратите внимание еще на интенсивность линий —  у этой интенсивности две задачи — отражать освещение и передавать перспективу, взаимное расположение деталей в пространстве. Близкие к нам линии оборок нарисованы более ярко и контрастно. оборка за лицом нарисована гораздо более нежными линиями и  с меньшим контрастом. То же самое с линиями одежды. А в другой параллели, посмотрите — линии  чепчика на свету, в верхней части головы нежные, почти исчезающие — а с противоположной теневой стороны интенсивные и толстые. То же и на личике — на лбу и носу линии почти невидимые, туда падает свет и контур практически растворяется, мы его видим не линией, а за счет серого фона на оборках. но внизу носа, нижней губы и подбородка линия вполне видна, она четкая и упругая. Перекиньтесь по контрасту на самодеятельный рисунок. Неуместно черные обводки глаз-листочков, одинаково серый рот с темной обводкой. На то, что глаза это объемные шарики наплевать до такой степени, что  и радужки не круглые, а какие-то неровно четырехугольные. Тени — просто серые пятнышки, невнятные и везде одинаковые, как и монотонно серые волосы. У передней тетеньки снесено полчерепа с правой стороны. И что нам бросается в первую очередь в этой равномерной серизне? Обведенные глаза и губы. И бонусом — паучьи реснички:) Хорошо, это были зарисовки голов, а что у нас с набросками в полный рост? Самодеятельные художники делат там то же самое. Фигуры нет, она кривая и невыразительная, но для чего-то он прорисовывает мелкие черты лица — глаза листиками, кривой обведенный рот, непременно складочки у рта, если есть время — вокруг мелких и не на том месте глаз еще непременно прорисует частокол проволочных палочек-ресниц. Причем глаза и губы, будут как у дедсадовской девочки — с нажимом самыми черными местами во всем рисунке. Примера наброска фигуры у меня нет, но вы легко и сами такое найдете. А вот что правильно делать в таком случае? Что не поставит вам в укор тренированный глаз? Первое — помнить, что в таком наброске детальность должна проявляться постепенно по всему рисунку. Если вы не прорисовываете каждый волос на волосатых пальцах, не нужно прорисовывать и каждую ресницу. Если не прорисовываете каждую пуговицу и  строчку — не обязательно прорисовывать глаза и рты. Если вашей задачей является общая поза, пропорции человека, движение его, глаза и линию носа можно обозначить только вспомогательными линиями. Вот так на рисунке Леонида Сойфертиса. Линия глаз показывает нам, что голова наклонена — просто само место этих глаз — намного ниже середины головы — сразу обозначает наклон вперед, перспективное удаление — большая часть лба и шапки — и совсем маленькая узкая часть с нижней половиной лица и подбородком. Даже в таком с виду небрежном рисунке две черточки глаз идут не прямыми линиями в струнку, как сделал бы не знающий человек — они и сами округлы и лежат на общей округлой дуге. И понятно, что автор понимает, что лицо круглое в объеме, а не плоской лопатой висит прикрепленное к верхнему краю шапки. а линия носа — одна черточка — показывает нам направление срединной линии лица — и мы без прорисованных пятнышек и ресничек видим, что девочка наклонила голову ровно вниз, а мама склонила набок слегка. Вот еще более общая прорисовка. Показана только линия бровей-глаз, та дуга, по которой они расположены, и край носа. Этого вполне достаточно, чтобы представить, как расположено лицо, куда повернуто — и это совершенно соответствует уровню прорисованности всего остального. Мы видим позу, соотношение масс, пропорции фигуры — и никакие листики вырисованных губок  и волосатых глазок не отвлекают нас от этого. e.utkangorguc В наброске верхней части фигуры, когда вы хотите передать возраст, характер человека ( таких рисунков большинство в  поезде, например — все головы с плечами) — можно прорисовать лицо подробнее. Но опять же — посмотрите. Первое! — никаких обведенных листиков. Второе — проработанность лица соответствует уровню проработанности остальных частей. Более ярко и отчетливо — но не намного. С сохранением той же легкости, прерывистости линий, «набросочности» в прямом смысле слова. Вот это правильные хорошие наброски. В них есть задача, в них есть то, чему учащийся стремится научиться, а умеющий стремиться выразить и сохранить. Без этой задачи ваше шарашенье каракулей на количество — бессмысленно. И не только не даст вам «небывалого прорыва», а еще и закрепит умение рисовать неправильные  карябки. У Сойфертиса задача — передать движение. Люди идут — и мы видим, что идут! — и одновременно делают жесты.  У e.utkangorguc — задача анатомическая — передать пропорции, позу и соотношение анатомических частей. У Николая Жукова — набросок-иллюстрация, материал для иллюстрации, картины, истории — уловить настроение и характер. У людей без цели нет и результата  — они автоматически царапают линии и срисовывают пятнышки. Вот вам еще Энгр. Очень характерные для него  наброски-портреты. Очень реалистично, но практически без тона прорисованные фигуры, очень легкими свободными линиями — и очень миниатюрно, аккуратным нежным штрихом — сами лица. Можете теперь сами себе рассказать, чем хорош его рисунок в области глаз, рта и носа. И по контрасту описать, чем плохо вот тут все. P. S. Заметьте, что мы говорим тут о правильных реалистических набросках и зарисовках — и об учебных умениях. Не о «картинках» для инстаграма, не о концептуальных художественных работах, не о «я так вижу», не об «Авиньонских девушках» Пикассо. А о начальных умениях и знаниях для тех, кто хочет научиться грамотно рисовать.

Рисовать не надо уметь

8 декабря 2021

7298 просмотров

Марина Лысяная

Дизайнер, скульптор, живописец. Автор блога https://gretthen.com.

gretthen.com

Если вы мечтаете рисовать, но боитесь сделать первый шаг к своей мечте, попробуйте выполнить небольшой практикум.

Для начала – немного вдохновляющей теории. Я преподаю живопись студентам, детям, взрослым – всем желающим. Могу зарядить годовой курс с углубленным изучением рисунка и перспективы, могу преподать «курсик» на тему рисования чего–то конкретного. Например, цветов или пейзажа.

Знали бы мои профессора, чем я занимаюсь, их возмущению не было бы предела 🙂

Даже не возмущению, а молчаливому презрению: «Как так можно?! Что значит: «Курсик по рисованию пейзажа»? Можно только так, как мы вас учили, как учили нас – и никак иначе».

Сначала кубик, потом шар, потом натюрморт из простых предметов. Потом части лица, голова и только потом фигура. Одной только живописи натюрморта нужно уделить не меньше года, чтобы перейти к пейзажу. Акварелью тоже нужно заниматься не меньше года, чтобы перейти к маслу. Так учит нас старая школа, отработанная годами, десятилетиями, если не столетиями.

До конца доходят не все. Многие заканчивают институт и больше никогда не берутся за кисть. Ну так что же? Не всем дано. Тем более, сейчас в моду все больше входят новые веяния: дизайн, веб–дизайн – все туда идут. А старая школа забывается. Обидно, когда талантливый человек – и не художник, но рынок диктует свои условия.

Рынок диктует свое. Эта фраза из уст наших профессоров звучала безнадежно, как приговор. Так ли это плохо? Рынок – это люди. Их что-то цепляет, а что-то перестает быть актуальным. Может быть, стоит прислушаться: что же он диктует на самом деле? И обнулить настройки, перевернуть песочные часы, чтобы узреть клад под вековыми догмами.

Высокий уровень традиционной школы живописи не вызывает у меня сомнений. Но если попробовать оттолкнуться не от старых традиций, а от жажды человеческой души?

Я стала задумываться об этом, когда начала преподавать детям. Своих студентов я тоже называю детьми. Велика ли разница между ними? Тем не менее, она есть. Причем, не столько в возрасте, сколько в самой системе, которая предлагает детям одно, а студентам – другое.

Основные отличия

• С желанием ребенка рисовать нужно обращаться как с хрупким предметом. И чем сильнее желание, тем бережней нужно его нести. Не вести ребенка за собой, а ходить за ним. Это не значит, что учитель должен идти на поводу у ребенка. Просто он должен быть хвостом корабля, а не носом.
  Его задача заключается в том, чтобы ребенок удивлялся тому, что он может сделать, а не с пиететом смотрел на недосягаемого учителя, осознавая отделяющую их дистанцию. Ребенку не нужны звезды с неба, он сам хочет быть звездочкой.
  Студенту академическая школа предлагает именно ведение за собой. По другому и быть не может, потому что она транслирует многовековой опыт в весьма сжатые сроки, чтобы человеку не приходилось изобретать велосипед. Ни профессор, ни студент не хотят ждать, пока оно само дойдет. Как в школе учат формулы, открытые состоявшимися учеными, так и тут – студенту сообщают знание, открытое маститыми художниками.

• Дети занимаются рисованием как хобби. Они сами попросили родителей привести их в кружок рисования. Если им что–то не понравится, они просто расхотят заниматься в этом кружке.
  Студент выбрал рисование как профессию. Он «попал» на ближайшие пять лет и никуда от вас не денется (если его, не дай Бог, не выгоняет за неуспеваемость). Студента можно прессовать двойками, угрозами пересдачи и отчисления. Выбрав институт, учителей он уже не выбирает. Хорошо, если с этим повезет, но так бывает не всегда. Таким образом, вся ответственность за результат институтского обучения – только на нем.

Поэтому…

С детьми нянчатся не только из любви к ним, но и потому, что дети ежедневно сами принимают решение рисовать или не рисовать. Их не заставишь, чаще наоборот. Родитель видит, что его ребенок далек от Микеланджело, и опускает руки, не хочет возиться с «безнадежным». Даже коммерческая сторона вопроса не способна его мотивировать.

В искусстве, как в спорте: либо ты олимпийский чемпион, либо учитель физкультуры в школе. Либо ты Херст, Ротко или Бенкси, либо школьный учитель рисования. Золотая середина в нашем деле – не факт. Можно, конечно, заниматься росписями храмов, ресторанов и общественных зданий, иллюстрацией, графикой и портретами, но все эти искусства постепенно отписываются веку минувшему. Им на смену приходят высокие технологии, автоматически выдающие весьма достойные результаты. Значит, не стоит и вкладываться в ремесло, которое стоит на грани вымирания.

Студент может изменить это решение только с ущербом для себя. Он может бунтовать, но цена этого бунта – отсутствие высшего образования.

– Может быть, это правильно? – скажет кто–то. – Институт – это путевка во взрослую жизнь. Да, ответственность, стресс, но ведь в жизни почти всегда так. Взрослым быть еще труднее. Потом будет семья, дети, придется брать ответственность не только за себя, но и за них.

Конечно, все так. Но до каких пор мы будем отождествлять опыт с количеством синяков? Не затем ли человечество эволюционировало, чтобы нашим детям не пришлось изобретать колесо? Может быть, взрослея, мы по этой причине боимся признаться в своем незнании каких-то вопросов?

Зачастую, когда нужно нарисовать что-нибудь простое, схему проезда или фасон платья, мы первым делом начинаем оправдываться: мол, я не художник, последний раз рисовал в школе, и оценки у меня были не очень. Однако, подсчитывая сдачу в магазине, мы не переживаем, что мы – не математики. И школьные оценки не дают продавцу права обсчитать нас. Когда мы учим уроки с детьми, не говорим: я – не учитель. Когда готовим еду, не говорим: я – не повар. Почему же так страшно рисовать?

Потому что рисование – это всегда личное. Ошибиться в математическом примере тоже неприятно, но рисование – это всегда автопортрет. Человек понимает, что нарисованное им дерево – его собственное. Он сам – это дерево, и несовершенство рисунка его пугает.

В этом случае главным показателем профессионализма педагога должна быть эмпатия. В системе образования ставка делается на дисциплину. Она тоже важна, но надо  правильно расставить приоритеты. Дисциплина не должна становиться самоцелью. Она может быть полезной для достижения результата, но по возможности лучше заменить ее на личную мотивацию.

Не существует жестких требований «как надо рисовать». Рынок не жалует вниманием Шишкина, Айвазовского и сюжетные картины вроде «Бурлаки на Волге» или «Сватовство майора», написанные тем способом, которому нас учат в институтах.

Современный художник выражается не в технике. Владение ею сделает вам честь, но она вторична. Куда важнее смотреть на мир так, будто живешь однажды. Видеть в нем парадоксы и делиться впечатлениями.

Не обязательно ограничивать себя плоскостью бумаги, можно выходить за рамки – делать декупажи, аппликации, оригами, лепить скульптуры, рисовать мультики, устраивать акции. В конце концов, писать сценарии. Все тоже самое можно делать на холсте.

Процитировать в Твиттере

Рисование – это не штрихование, это жизнь в отдельно взятой двухмерной плоскости.

Для художника НЕ обязательно:

• рисовать кувшин;
• с раннего детства ходить в художественную студию;
• заканчивать художественный институт;
• родиться в семье художников;
• рисовать каждый день, ни дня без строчки;
• быть странным;
• пить, курить, питаться кофе, не спать по ночам и вести богемный образ жизни.

Чтобы стать художником, важно делать следующее:

• не бойтесь, просто начните;
• интересуйтесь творчеством и биографиями успешных художников, но не сравнивайте себя с ними;
• знайте, что рисовать умеют все, кто имеет желание;
• ничего не происходит по взмаху волшебной палочки, талант нужно взращивать, как росток, который лишь спустя годы превращается в могучее дерево;
• даже росток прекрасен;
• не ставьте себя в зависимость от мнения зевак – в отличие от вас, они даже не попробовали;
• рисуйте для себя, а не ради чужой похвалы;
• учитесь, берите мастер–классы, экспериментируйте, фиксируйте приобретенный опыт и не останавливайтесь на достигнутом.

Как выбрать учителя?

Помню ироничное утверждение наших профессоров: «Вкус нужно прививать насильственно». Я и сейчас готова с ним согласиться. Знаете, почему? Потому что плохое всегда легче выбрать. Оно всегда под рукой.

Легче написать или нарисовать что–то вульгарное и примитивное, чем что–то со вкусом. Скульптор должен отсечь от мраморной глыбы все лишнее, чтобы «достать» оттуда скульптуру. Перед художником – белый лист, и он должен себя ограничить, чтобы не нарисовать лишнего.

Бумага не все стерпит. Нужно определиться с рисунком и композицией, расставить смысловые приоритеты, определить камертоны светов, теней и цветовой палитры. И только после этого приступать к работе.

Только в процессе постижения ремесла можно обнаружить талант. Это как в музыке: никто не узнает есть ли у тебя музыкальный слух, если ты не поешь и не играешь.

Искусство учителя в том, чтобы преподнести материал тем способом, который позволит взять из него хорошее. И как же я ликую, когда мои ученицы просят своих родителей, Деда Мороза и св. Николая дарить им краски на День рожденья, на Новый год и на Рождество!

Кстати, о некоторых новых художественных материалах я узнаю только от своих студентов. И при этом не боюсь признать, что я чего–то не знаю. Мы все чего–то не знаем, затем мы и нужны друг другу.

Продолжение

Прошли те времена, когда учитель = авторитет, а ученик = последователь. Эффективное обучение возможно только во взаимодействии. Я постоянно видоизменяю курс, прислушиваюсь к своим студентам и формирую продолжение курса, принимая во внимание их отзывы.

Это не означает идти на поводу у аудитории и удовлетворять ее капризы. Это значит, давать те знания, которые дадут плоды. Не всегда плодами является победа на живописном конкурсе. Иногда это необходимая релаксация, поиски ответов не только живописных, но и психологических.

Вот отзывы некоторых моих учеников:

***
Если я не уверена, что сделаю что–то отлично, я не делаю это вовсе. Знаю заранее, что не умею рисовать, а еще знаю, что мой рисунок никто не увидит и не осудит и прочее. Значит, я могу отбросить все свои страхи и комплексы и сделать как получится – это знание будто освобождает меня.

***
Рисование  – это единственное занятие, во время которого я не думаю ни о чем, кроме процесса. Голова отдыхает от больных мыслей, будто выздоравливаешь.

***
Процесс раскрашивания как будто вводит в транс, и ты, сфокусировавшись на какой–то пришедшей в голову мысли, сама того не осознавая, находишь ответ. Или начинаешь по–другому смотреть на что–то. Можно параллельно слушать какую–то лекцию – так она хорошо воспринимается и запоминается.

Процесс раскрашивания – каким презренным считался он в наших профессиональных кругах. В детской студии не поощрялись «разукрашки», потому что это не творчество.

В институте, на занятиях станковой живописью, раскрашивание было ругательным словом. Нужно было, чтобы читалась форма, было внимание к освещению, глубокие тени, сияющие блики и звенящие рефлексы. Декоративный (плоский) подход считался лубочным и низкопробным.

Может быть, с точки зрения реалистической живописи, так оно и есть. Отчасти, я даже согласна с тем, что детям лучше рисовать от себя, чем копировать мультипликационных героев, но нельзя же мерить все одной меркой.

Это пример академической живописи (бумага, акварель 40/50).

Это более декоративный подход:

Это пастель, но то же самое можно выполнить и акварелью, и маслом. Может быть, натюрморт с чайником более правильный, но в этой работе больше настроения.

Человек, который любит разукрашивать, талантливо и усидчиво выполнит перегородчатую эмаль, финифть, аппликацию, декупаж и декоративную роспись. Художников-примитивистов и мастеров народных помыслов тоже можно уличить в страсти к разукрашиванию.

Человеку, любящему плоские изображения легче развить в себе графика, чем живописца. Что в этом плохого? И это я перечислила только профессиональные выходы данного стиля. А где же психологические – спросите вы? А вот!

Декоративный подход проще реалистичного, он не может не получиться. Изобилие народных промыслов у всех национальностей доказывает: для такого подхода не нужно специальное образования – это медитация. Ты настраиваешься на определенный ритм и планомерно рисуешь орнамент. Иногда очень важно сделать что–то такое, что на сто процентов получится. Когда ты сам о себе можешь сказать: «Я могу! Я умею!»

Порой мы сталкиваемся с проигрышными ситуациями, которые заставляют нас фиксировать поражения. Бывают периоды, когда поражения следуют одно за другим, воспитывая в нас комплекс неудачника. Какое–то время мы им сопротивляемся, потом стараемся смириться и умерить ожидания. Потом и вовсе учимся ожидать худшего, ошибочно полагая, что таким способом защитим себя от разочарований.

Хорошо, если получится умерить ожидания от жизни. Плохо, когда мы снижаем планку ожиданий от себя и говорим: «У меня все равно не получится, не стоит и браться».

Здесь нам на помощь приходит искусство маленьких шагов: нарисовать птичку, цветочек или пейзажик. Ты делаешь это впервые в жизни, еще не придумав уровень соответствия и планку, ниже которой не опускаются. Значит, твой результат превзойдет твои ожидания. И это не будет иметь никакого отношения к твоему бизнесу или проблемам с окружающими.

Процитировать в Твиттере

Творчество – твое автономное пространство. Твоя альтернативная реальность, из которой ты выходишь с новым дыханием.

Один мой наставник говорил: «Сначала ты делаешь картину, а потом картина делает тебя». Это утверждение на сто процентов правильное. И я предлагаю вам попробовать это на себе.

Облака и одуванчики

Предлагаю поэкспериментировать с акварелью и понять, на какие эффекты она способна. Акварель наиболее доступна из профессиональных живописных техник. Тем более, что для пробы пера нам понадобится всего лишь две краски, лист акварельной бумаги, кисть для акварели и капля шампуня, разведенная в ста граммах воды.

Смачиваем водой приклеенный/приколотый к планшету лист акварельной бумаги. Выбираем любой понравившийся цвет. Я выберу синий или зеленый. Выкрашиваем его акварелью так, чтобы сверху был более светлый цвет, сгущающийся к низу. Должна получиться растяжка от светлого к темному. Используем только один цвет. В светлые оттенки добавляем больше воды, в темные – меньше.

Как закончили, берем чистую сухую кисть или отжимаем от воды ту, которой только что пользовались. Макаем ее в шампунь и капаем на наш лист. Заметили эффект? Сделайте несколько таких капель.

Теперь немного посыпьте солью в некоторых местах. Дождитесь, пока бумага высохнет. Смахните соль. Смотрите, что получилось!

На что это похоже? Может быть, это похоже на облака или облетающие одуванчики? Если увидели облака, можете дорисовать в них птичек. Тогда все остальные тоже увидят облака на вашем рисунке. Если увидели одуванчики, дорисуйте им стебли и травинки, тогда одуванчики на листе увидите не только вы.

Такого эффекта не добьешься кистью. Его качество зависит от концентрации шампуня, которую вы можете регулировать. Теперь вы знаете при помощи какого эффекта можно нарисовать фейерверк, пух, свечение, размытие, мех.

Можете попробовать капнуть на мокрую акварель каплю спирта при помощи пипетки или кисточки. Спирт тоже создает свой неповторимый эффект. На что это похоже? Луна? Звезда? Медуза?

Пейзаж с рекой и лесом

Язык акварели – это метафоры. Помните?

Луга мутило жаром лиловатым,
В лесу клубился кафедральный мрак.
Что оставалось в мире целовать им?
Он весь был их, как воск на пальцах мяк.
Борис Пастернак

Сразу чувствуется палящий зной, стоящий на лугах. Прохлада, которая окутывает тебя, когда попадаешь в лес. «В лесу клубился кафедральный мрак» – и мы сразу представляем себе лучи солнца, пробивающиеся в храм из окон под куполом, в них клубится пыль.

Текли лучи. Текли жуки с отливом,
Стекло стрекоз сновало по щекам.
Был полон лес мерцаньем кропотливым,
Как под щипцами у часовщика.

А ведь можно было бы написать так: «Была страшная жара, солнце жгло луговую траву. В лесу было прохладней, солнце пробивалось сквозь листву лучами, в которых летала пыль. Всюду стрекотали насекомые». Это вполне правдивое описание, но непонятно – зачем оно? В нем нет отношения автора к происходящему. Нет интерпретации.

Я хочу показать вам, как метафора может быть применена в живописи. Например, мы говорим: «стена леса», «стекло реки» или «полоса неба». Стена возвышается, стекло блестит, полоса виднеется, именно эти слова являются ключевыми. Чтобы показать стену леса, не нужно прорисовывать в нем все деревья с ветками и листьями. Чтобы показать блеск стекла, не нужно использовать блестки.

Здесь я предложу использовать синие цвета. Пусть это будет голубой и темно–синий. Из материалов, кроме необходимых, нам понадобится шампунь и две кисти: одна для шампуня, другая для акварели. Их не следует мыть в одной банке.

Смачиваем водой верхние 2/3 бумаги. Вверху рисуем светло–голубым полоску неба, затем берем темно–синий и густо закрашиваем им более широкую полосу до того места, где мы закончили смачивать бумагу. Это и будет стена леса.

Подбираем отжатой от воды кистью капли акварели, чтобы они не засохли, и капаем небольшую капельку шампуня на пересечение неба и леса. Это будет солнце, заходящее за эту стену. Еще пару крошечных капелек мы ставим внутри синей полосы. Это солнце, которое пробивается сквозь гущу леса.

Чтобы шампунь не стекал, планшет можно на время положить горизонтально. Чистой, отжатой от воды кистью, протираем облака в небе, придаем им силуэт.

Тем временем вода и шампунь немного размыли нам верхушку леса. В этих местах мы тонкой кисточкой рисуем верхушки деревьев, не более трех или пяти. Пусть это будут ели. В этот момент становиться понятно, что это именно лес, а не просто выкраска. А голубая полоска над ним – не что иное как небо. Размытия – это солнце и облака. Верхушки елей стали тем условным обозначением, которое наполнило смыслом нашу картину.

Теперь светло–синим цветом проводим полосу под лесом. Потом ниже еще одну, более светлую полосу. На полосе под лесом рисуем домик, который превращает полосу в берег. На нижней полосе рисуем лодку с лодочником, которая превращает полосу в реку.

На берегу реки можно нарисовать камыши и их отражение в воде. У лодки тоже есть отражение. Рябь можно изобразить горизонтальными штрихами. Отражения на воде сделают реку блестящей.

Вы можете взять большой лист и большой планшет и экспериментировать с отражением: лес и солнце тоже могут отражаться в воде, а технически это все те же полосы, штрихи и шампунь.

Можно добавлять другие цвета, можно размывать границу леса и неба шампунем. Аккуратность и твердость рук придут с опытом.

Саморазвитие #рисование 

Художник указывает на ошибки, которые совершают начинающие художники, потому что рисуют головой, а не глазами

Рисование — это вид искусства, которому люди посвящают всю свою жизнь. Но когда их красивые рисунки вдохновляют вас взяться за карандаш, вы можете получить отвратительный рисунок, который больше похож на графитовую блевотину, чем на попытку что-то изобразить. Но не волнуйтесь. Пользователь Imgur omgrun создал учебник по рисованию для начинающих художников, показывающий, почему большинство новичков терпят неудачу. И да, они добавили соус, которого не хватает большинству школ — неформальный язык, который так хорошо дополняет информацию, что пошаговое руководство по технике рисования становится легко усваиваемым.

Как рисовать своими [чертовыми] глазами, а не вашими [чертовыми] мозгами: [вещи], которым ваши учителя рисования пытались научить вас, но совершенно не смогли (вероятно)

1. Хорошо, поздравляю! Вы учитесь рисовать! Вы сделали первый большой шаг к обучению! Я действительно горжусь тобой, потому что я знаю, что долго сосать что-то, прежде чем ты станешь хорошим, нелегко, но ты смелый и все равно сделал это. НЕ БОЙСЯ!!! Я здесь, чтобы научить вас тому, что я считаю одним из самых ценных навыков… КАК РИСОВАТЬ ГЛАЗАМИ, А НЕ МОЗГОМ.

jpg»>

2. Если вы пытаетесь нарисовать, например, лицо с картинки, вас совершенно [облажало] способность вашего мозга распознавать символы. Что я часто вижу в работах начинающих художников, так это то, что люди рисуют НЕ то, что видят, а вместо того, чтобы рисовать СИМВОЛ того, что видят. Что это… какая-то философия?? Нет, позвольте мне объяснить.

3. Вот крайний пример. Художник видит глаз…. поэтому они рисуют то, что их мозг говорит им о глазе. Что-то вроде этого, да??

Художник видит ресницы. Поэтому они рисуют ресницы так, как им подсказывает их мозг.

jpg»>

4. Однако они ПОЛНОСТЬЮ не обращают внимания на то, что говорят им их ГЛАЗА. ВСЯ информация тут же!

5. Если мы используем наш глаз, чтобы мысленно проследить форму глазного яблока, мы увидим, что оно совсем не овулярное, на самом деле… немного угловатое. Его радужная оболочка не представляет собой идеальный круг, и его веко закрывает часть его. И вы едва можете ВИДЕТЬ ресницы на половине его глаза! НЕ игнорируйте то, что говорит вам ваш глаз! Форма этого белого пространства соответствует форме, которую я нарисовал!

6. Если вы скажете… [черт]… Я все время рисовал символами! ЗАМЕДЛЕНИЕ. Давайте разберем это. Когда вы рисуете, вы не рисуете лицо. Вы не рисуете нос. Вы не рисуете ГЛАЗА ИЛИ ВОЛОСЫ ИЛИ ЧТО-ТО ТАКОЕ. Вы рисуете ФОРМЫ. «Привет! Это очередная философская чушь?» ты говоришь. Нет. Каждый рисунок на планете Земля представляет собой сочетание светлых и темных ФОРМ. Каждый рисунок — иллюзия. Итак, для примера предположим, что вы пытаетесь нарисовать этого парня. Я получил это эталонное изображение из изображений Google и выбрал его, потому что оно имеет очень определенные области света и тени. Чем более определенные ФОРМЫ у вас есть в вашем референсе, тем ЛЕГЧЕ вам будет рисовать.

Давайте посмотрим на это ТОЛЬКО как на световые значения, пока полностью забывая о цвете.

7. Таким образом, самый простой способ заставить ваш мозг перестать видеть символы — это ЗАСТАВИТЬ его перестать видеть символы. Это становится проще, когда вы переворачиваете свое изображение вверх ногами! Вы уже начали замечать формы? В этом вам поможет рисование слепых контурных рисунков!!!

Вот некоторые из них, которые легко заметить. Физический объект… воротник… легко становится формой. мысленно обведите форму. Обратите внимание на каждую кривую и угол. Примечание: обычно я не так начинаю рисовать. Я просто указываю формы, чтобы заставить ваш мозг в нужном месте. Вы не будете хороши в этом, когда вы только начнете. В этом вам поможет рисование слепых контурных рисунков!!!

Но как мы на самом деле используем это, чтобы нарисовать лицо? ВАЖНО: НЕ позволяйте себе отвлекаться на мелкие детали! Сначала сосредоточьтесь на больших областях, а затем начните добавлять детали! Мой учитель всегда учил меня СКВИНТУ, так что давай размоем! ПОСМОТРИТЕ НА ВСЕ ЭТИ ФОРМЫ

boredpanda.com/how-to-draw-with-eyes-not-brain/?image_id=how-to-draw-with-eyes-not-brain-10-5ca355aa9b458__605.jpg»>

Давайте начнем рисовать! Мне нравится начинать с самых темных значений в первую очередь. Если вы используете свои глаза, вы должны смотреть на эталонное изображение столько же или БОЛЬШЕ, чем на свой рисунок.
Отнеситесь к своему рисунку как к игре «найди отличия». Фигура, которую вы только что нарисовали, похожа на ту, что на картинке? Нет? Найти различия!

НЕТОЧНОСТИ ВЕЗДЕ. Пока я рисую, я также оцениваю или сравниваю фигуры, которые рисую, с фигурами на эталонном изображении. Я оцениваю их -ЗНАЧЕНИЕ (насколько они темные/светлые) -ПОЗИЦИЮ по отношению к другим формам -саму ФОРМУ. Это должно происходить ПОСТОЯННО. ЭТА форма выглядит странно…

jpg»>

Я представляю край своей области рисования как линейку и перерисовываю фигуру, чтобы она соответствовала той, которую видят мои ГЛАЗА. Делая это, я вижу, что линия подбородка, которую я нарисовал, слишком далеко зашла. НАЙТИ РАЗЛИЧИЯ!!!

Я продолжаю улучшать свой образ. Я даже использовал инструмент преобразования в некоторых моментах, чтобы исправить мой эскиз. НЕ БОЙТЕСЬ стирать, даже если это большая часть. Благодаря этому ваш образ будет выглядеть лучше. Всегда можно перерисовать.

Ого… это было много работы, правда? Я имею в виду, ДЭНГ. Много деталей. Но переверните эту штуку…

jpg»>

СВЯТАЯ КОРОВА! На самом деле неплохое начало! ХОРОШИЕ НОВОСТИ: чем больше вы будете это делать, тем лучше у вас будет получаться!

ВОТ, ПОЗДРАВЛЯЕМ, ТЕПЕРЬ ВЫ МОЖЕТЕ ИСПОЛЬЗОВАТЬ СВОИ [черт возьми] ГЛАЗА, А НЕ СВОИ [черт возьми] МОЗГ, ЧТОБЫ РЕШИТЬ ЛЮБУЮ АРТ-ПРОБЛЕМУ. Так что, может быть, я преувеличиваю, но какая разница

И помните, дамы и господа, в МУДРЫХ СЛОВАХ БОБА РОССА… ТАЛАНТ ЭТО ЛОЖЬ. Никто никогда не преуспевал в чем-то, высовываясь из влагалища своей мамы. Талант означает, что вы усердно тренируетесь и рисуете каждый день и гордитесь КАЖДОЙ ЕДИНСТВЕННОЙ ВЕЩЬЮ, которую вы рисуете, и даже вещами, в которых вы НЕ ПРОДАЕТЕСЬ, потому что это означает, что вы НА ОДИН ШАГ БЛИЖЕ к тому, чтобы стать ЭКСПЕРТОМ!

jpg»>

Человек, которые считали, что было много, чтобы сказать, что об этом учебном пособии

boredpanda.com/how-to-draw-with-eyes-not-brain/?image_id=how-to-draw-with-eyes-not-brain-28-5ca359d2867cc__605.jpg»>

Время. Возможно, это может быть может. Може может быть. Studios

Это третья часть серии из трех статей о том, как найти время для своего искусства. Прочитайте часть 1, часть 2 и часть 3. Эта серия также была превращена в класс Skillshare, который вы можете посмотреть здесь!

Возможно, вы пробовали некоторые из этих методов управления временем. Вы прочитали бесчисленное количество статей о продуктивности, книг по управлению своим временем и снова и снова пытались внести изменения и создать последовательную процедуру рисования. И все же что-то цепляет. Что-то удерживает вас. Что бы вы ни пытались, это просто не работает.

Не ты один! В течение многих лет я думал, что последовательное рисование — это всего лишь вопрос силы воли и дисциплины, и я корил себя за то, что не могу делать это так, как это делают другие художники. Но с годами я понял, что это неправда. Это гораздо больше, и чаще всего борьба происходит из-за проблем, гораздо более глубоких, чем сила воли.

Не сбиться с пути

Очень часто мы думаем внешне, обвиняя внешние обстоятельства в своих проблемах. Мы виним нашу работу, наших детей, нашего супруга, всех вокруг нас за то, что они отнимают у нас время и мешают нашему творчеству. Но чаще всего это мы. МЫ сдерживаем себя. МЫ идем по-своему.

Это может показаться ужасной новостью, но на самом деле это хорошая новость. Потому что мы не можем изменить других людей или внешние источники. Но мы можем измениться сами. Мы можем обнаружить и узнать, что у нас в голове, и усердно работать, чтобы изменить свое мышление. Мы можем научиться не мешать себе, чтобы творить больше искусства.

Задавать неправильные вопросы

Если вы здесь, значит, вы задаете себе неправильные вопросы. Вам не нужно спрашивать «как мне найти больше времени для моего искусства». Здесь можно задать более глубокие и важные вопросы.

Вместо этого нам нужно задаться вопросом: «ПОЧЕМУ я не уделяю время своему творчеству?

Почему я выбираю не рисовать прямо сейчас? Если вы решаете не рисовать из-за глубоких внутренних проблем, попытки использовать стратегии тайм-менеджмента могут стать просто еще одним методом прокрастинации. Мы тратим время на установку своего стола, организацию инструментов, поиск вдохновения, поиск новых занятий… что угодно, но только не рисование.

Так ПОЧЕМУ? Зачем мы это делаем? Ради всего святого, почему мы не можем просто сесть и порисовать?!

Страх

Если мы проследим эту нить до конца, мы обнаружим, что ее корень — это страх. Каким бы ни был наш метод прокрастинации, на что бы мы ни ругали свою нехватку времени, все это ведет к страху. Страх — это то, что удерживает нас от создания нашего искусства.

«Для художника все проблемы искусства кажутся исключительно личными. Что ж, это вполне понятно, учитывая, что не многие другие виды деятельности обычно ставят под сомнение базовую самооценку».

― Дэвид Бейлс, фотограф + автор книги «Искусство и страх»

Итак, теперь вопрос, который мы должны задать себе, снова изменился. Мы сможем найти время для нашего искусства только тогда, когда найдем ответ на главный глубинный вопрос: Чего я боюсь?

Страх является естественной частью творческого процесса, и у всех нас есть схожие художественные страхи: страх оказаться недостаточно хорошим, страх неудачи, страх ошибок и страх того, что подумают другие.

Обусловлено страхом

Но откуда берется этот страх? Как мы стали бояться такой глупой вещи, как искусство? Это вопрос кондиционирования. Этот страх и негативное мышление — приобретенное мышление.

Благодаря нашему опыту, , мы были вынуждены верить в определенные вещи об искусстве. Через учителей, родителей, одноклассников, друзей, книги и все остальное мы узнаем, что такое художник, кто может быть художником, что значит заниматься искусством, что такое хорошо или плохо.

Многие из этих убеждений являются негативными, деморализующими и безумно контрпродуктивными для создания искусства: «Я ужасно рисую», «Мое искусство никому не нравится», «Я никогда не буду художником». Через повторение мы усваиваем эти идеи как свои собственные, и эти негативные мысли становятся автоматическими мыслями, которые затем развиваются в наши основные убеждения о самих себе.

Но эти мысли не являются фактами — они неверны, недоказуемы и бесполезны. Они ведут только к тревоге, самобичеванию, творческому блоку и, в конечном счете, к уходу из искусства.

Все это мрачно и угнетающе, я знаю. Но и здесь есть хорошие новости. Мы научились думать о нашем искусстве таким образом. А если чему-то научиться, то можно и разучиться. Мы можем изучить новые способы мышления об искусстве, которые приведут нас к созданию большего количества произведений искусства.

Нам не нужно больше методов тайм-менеджмента и лайфхаков для повышения производительности — нам нужны новые базовые убеждения.

Основные убеждения

Поскольку мы узнаём о наших убеждениях от общества и окружающих нас людей, мы, как правило, разделяем схожие основные убеждения о том, что значит заниматься искусством и быть художником, особенно в начале нашего творческого пути. Как художники, мы либо учимся справляться со страхом и негативными мыслями, которые впитали в себя, либо страх побеждает, и мы сдаемся.

Художники, у которых «нет времени рисовать», винят себя в лени или плохом тайм-менеджменте. Но это не всегда так. Чаще дело в том, что их блокирует их негативное мышление. Вместо того, чтобы тратить свое время и энергию на рисование, они тратят их на размышления о своих основных убеждениях: «Я ужасно рисую», «К настоящему времени я должен стать лучше», «Хотелось бы мне рисовать так же хорошо, как и так-и -так», «Я никогда не буду художником».

Вместо того, чтобы создавать больше искусства, они создают больше неуверенности в себе.

Именно эти внутренние блоки мешают созданию нашего искусства. Это эмоциональные и психические проблемы, которые проявляются в саморазрушающем поведении, например, в том, что мы не уделяем время своему искусству.

Я не хочу, чтобы это случилось с тобой. И если это уже произошло, я хочу помочь вам отучиться от этих автоматических негативных мыслей и вернуться к рисованию. Сначала мы должны осознать, какие основные убеждения у нас есть, а затем мы можем работать над тем, чтобы заменить эти негативные мысли более полезными мыслями.

Распространенные основные убеждения + заменяющие мысли

Ниже приведены некоторые из наиболее распространенных основных убеждений художников, которые приводят к страху и неуверенности в себе, а также встречная мысль, которая поможет нам изменить эти автоматические мысли.

Этот рисунок ужасен.
Некоторые рисунки мне понравятся, а некоторые нет — это творческий процесс.

Мне нужно быть автором бестселлеров, отмеченным наградами иллюстратором, художником, выставляющим галереи и т. д., чтобы быть «настоящим художником».
Я художник, если я занимаюсь искусством. Мне нравится заниматься искусством, и я хочу создавать и делиться своим искусством независимо от результата.

Я просто самозванец/любитель/подражатель, пока кто-нибудь не заплатит за мои работы.
Я могу идти маленькими шажками к своим целям и получать удовольствие от всего процесса, а не только от конечного результата.

Я должен улучшать свои навыки рисования быстрее, чем я.
Прогресс редко бывает линейным. Улучшение гарантировано, если я буду терпелив и просто продолжу рисовать.

Мне нужно стать великим художником.
Трудно быть художником, если я заставляю себя быть великим художником. Я просто хочу заниматься искусством.

Я должен рисовать каждый божий день.
Мне нужно восстановление и перерыв даже от вещей, которые я люблю.

Мне нужно, чтобы все, что я делаю, было великолепным произведением искусства.
Идеального не бывает. Мое искусство всегда будет несовершенным, и именно это делает его уникальным и особенным.

Мне приходится рисовать часами, чтобы оно того стоило.
Иногда я много рисую, а иногда нет. Маленькие кусочки рисунка складываются со временем.

Если я собираюсь рисовать, это должен быть большой, особенный художественный проект.
Иногда у меня будет долгосрочный страстный проект, а иногда я буду между идеями. Это нормально, и я все еще могу рисовать в любом случае.

Заниматься искусством — это эгоистичная деятельность.
Занимаясь искусством, я становлюсь лучше, больше присутствую в своей жизни с другими и нахожусь в мире с самим собой. Я заслуживаю заботы о себе.

Меня не вдохновляет рисовать.
Мне не нужно ждать вдохновения — оно найдет меня, когда я начну творить.

Хотел бы я рисовать так-то и так-то.
Я сам себе уникальный художник, и я создаю свое собственное уникальное искусство.

У меня нет хороших идей — я застрял и всегда буду застревать!
Взлеты и падения — нормальная часть творческого процесса — я пройду через это.

Я никогда не могу нарисовать то, что у меня в голове, и это делает меня ужасным художником.
Я могу принять неопределенность и чувствовать себя комфортно, не зная, каким будет результат.

Ух, я просто полностью испортил этот рисунок.
Единственный способ избежать ошибок — вообще ничего не делать. Я могу учиться на своих ошибках и принимать несовершенство.

Самосострадание

В этом списке общих основных убеждений есть две общие темы. Наши автоматические негативные мысли основаны на страхе и неуверенности в себе. Наши мысли о замещении основаны на терпении и сострадании к себе.

Наши негативные мысли предполагают, что они знают, что готовит будущее, и имеют тенденцию к катастрофе, воображая, что ситуация хуже, чем она есть на самом деле. Наши замещающие мысли стремятся отразить реальность и увидеть ситуацию такой, какая она есть на самом деле.

Сострадание к себе позволяет нам быть терпеливыми по отношению к себе, творческому процессу и нашему творческому путешествию. Мы можем видеть и принимать себя как людей с несовершенствами вместо того, чтобы корить себя за то, что мы не совершенные художники-машины.

Сострадание к себе ведет к принятию нашего искусства таким, какое оно есть сегодня. И это принятие позволяет нам перестать размышлять о наших предполагаемых неудачах и вместо этого сосредоточиться на нашей способности к росту. Это побуждает нас продолжать и продолжать рисовать, что в конечном итоге приводит к гораздо большему улучшению, чем запугивание самих себя.

Страх говорит нам остановиться. Самосострадание говорит нам продолжать идти.

Быть самосострадательным художником не значит быть ленивым или пассивным. Это быть добрым, терпеливым и настойчивым. Речь идет о том, чтобы присутствовать в момент создания, а не зацикливаться на будущем. Речь идет о том, чтобы быть добрым и поощрять себя, а не ругать и запугивать себя. Речь идет о принятии нашего уникального пути, а не правильного или неправильного пути.

Речь идет о том, чтобы отдаться творческому процессу и позволить нашей любви к рисованию провести нас через вершины и долины творчества. Дело не в том, чтобы думать и беспокоиться, а в том, чтобы творить искусство.

Борьба со страхом с помощью сострадания к себе

Страх и негативное мышление являются естественной частью творчества и, к сожалению, никогда полностью не исчезают. Даже известные, отмеченные наградами художники все еще испытывают страх и неуверенность в себе. Дэн Сантат, получивший в 2015 году медаль Калдекотта (высшая награда в области детской книжной иллюстрации), сказал: «Я постоянно беспокоился, что меня разоблачат как самозванца и что все развалится».

Невозможно полностью избавиться от этого страха и неуверенности в себе. Но мы можем научиться с этим бороться. Мы можем отучиться от наших бесполезных автоматических негативных убеждений.

Мы можем научиться переформулировать основные негативные убеждения, которые отбрасывают нас назад, в полезные убеждения, которые продвигают нас вперед.

И есть только одно, что может сделать все это: сострадание к себе.

Стратегии тайм-менеджмента и лайфхаки для повышения продуктивности — это краткосрочные решения долгосрочных проблем. Единственный способ по-настоящему найти время для творчества в нашем художественном путешествии длиною в жизнь — это побороть страх и неуверенность в себе.

Мы должны перестать быть такими строгими к себе и вместо этого попытаться быть добрыми.