Мигель Риос — простыми словами о непростой акварели
Его палитра – черный, белый, умбра и сепия, а его акварели так легки и наполнены жизнью! Как он это делает? Художник Мигель Риос рассказывает о работе с акварелью, обо всем, что так волнует начинающих художников: о своих любимых кистях и палитре, о красках и акварельной бумаге, о том, как найти свой стиль и добиться успеха.Творческая встреча с известным испанским художником Мигелем Риосом прошла недавно в Москве. Полностью наш видео-отчет об этом событии вы можете посмотреть здесь Творческая встреча с Miguel Linares Rios
А ниже мы публикуем самые интересные выдержки из почти двухчасовой беседы с художником! В этой печатной версии мы сохранили стиль и интонации Мигеля. Знакомьтесь – эмоциональный и искренний Мигель Риос.
Вот что рассказал Мигель Риос о себе и своей семье:
– Я из очень простой семьи. Родился я в Малаге в простом бедном районе.
С самого детства всегда рисовал. Даже в школьных учебниках я тоже рисовал и меня за это ругали. Я начинал как бедный художник. У меня не было денег на то, чтобы купить какие-то художественные материалы, и тем более на то, чтобы посещать занятия. Всему чему я научился, я научился сам. У меня никогда не было учителей, ни одного!
Об образовании:
– Я не получал никакого художественного образования. Где-то в 15 лет я стал ходить в библиотеку, брал там книги по искусству, читал о технике живописи. Купить книги я не мог, поэтому ходил также в книжные магазины (причем, в разные, чтобы никто не заподозрил) и там читал. Теперь у меня много книг – я купил все те книги, которые раньше видел в магазинах!
– Сначала я занимался графикой, рисовал карандашом, а в 20 лет начал писать маслом. Первые картины были маленькими, в них вкладывалось много усилий. А начинал я с гиперреализма, мои работы были похожи на фотографии. Это мне очень помогло делать рисунок, строить композицию и подбирать цвет.
Но испанский характер – эмоциональный, и через какое-то время мне стало не интересно и скучно работать в этой технике, и я стал упрощать и упрощать стиль.
Без учителей технике научиться сложно, нужно 3-4 года непрерывно практиковаться. Например, 3-4 года я занимался только пастелью. Пробовал разные виды бумаги, цвета – как они смешиваются. То же самое с акварелью, акрилом, маслом – со всеми техниками.
О работе:
– В Малаге у меня своя школа. Я даю уроки по всем техникам: графика, акварель, акрил, масло, пастель.
Прежде чем самостоятельно зарабатывать живописью, я работал в разных местах. Я всегда зарабатывал только для того, чтобы рисовать, мечтал, чтобы у меня была возможность заниматься только рисованием и никакой другой работой. Но прошло много лет, прежде чем так получилось. Нужно много работать, практиковаться, искать свой стиль, ведь художников очень много!
Несколько лет я работал в студии Disney, рисовал комиксы «Дональд Дак».
Об акварельной живописи Мигель говорил эмоционально и увлеченно:
– По прошествии времени я решил перейти к акварели. Если я выбираю какую-то технику, то занимаюсь только ею и уже не переключаюсь ни на что другое. Я пробую разную бумагу, кисточки, технику. Самое главное – это рисовать, рисовать и рисовать. С тех пор, как я начал заниматься акварелью, мне стали часто предлагать проводить курсы. Очень интересно, что это происходит именно с акварелью, у меня никогда такого не было, чтобы были так популярны курсы и картины!
Меня часто спрашивают: не хочу ли я снова заниматься маслом или акрилом? А я всегда говорю, что сейчас я занят акварелью. Но я человек свободный, не хочу, чтобы меня контролировала живопись, – это я ее контролирую! Живопись – это внутренний порыв, порыв сердца.
Акварель – это самая сложная техника, и ее нельзя покорить на 100 процентов. Для меня акварель – это всегда вызов, она непредсказуема. Те из вас, кто рисует акварелью, знают, что акварель сложно контролировать. Со всеми другими материалами – контроль 100 процентный, с акварелью – нет. Акварель – это самостоятельное существо, которое творит что-то свое на бумаге. Недавно в журнале опубликовали мое интервью, и статья называлась: «Miguel Linares Rios. Каждая акварель – это вызов». И эта фраза указана в моем каталоге к выставке.
Я думаю, самое худшее, что может случиться с художником – это, если он добьется того, чего ищет. Мы всегда ищем то, что нас идентифицирует, отличает от остальных, всегда находимся в поиске. Если ты нашел, то, что искал и успокоился, то на этом все заканчивается. Пабло Пикассо родился в тех же краях, что и я, и он тоже пробовал очень много стилей живописи в течение своей жизни. И я тоже так думаю: художник должен идти туда, куда его зовет сердце.
О выборе сюжетов:
– Я рисовал все. Когда хотел рисовать портреты, рисовал только портреты, чтобы научиться подбирать цвет кожи, передавать выражение лица. Рисовал также пейзажи, цветы, морскую тематику. Много лет я рисовал в точности то, что вижу, а теперь изображаю то, что чувствую, стараюсь передать в картинах что-то личное. Некоторые картины написаны по воображению. И еще одна черта, которая характеризует мои работы в последнее время – это то, что там обязательно что-то происходит (появляются кошки, собаки), и картина всегда кажется комиксом. Я стараюсь создать в картине историю, этому научила меня работа в Диснее. У меня есть интересные заголовки к картинам, в которые я добавляю немного юмора.
Например, вот эта картина называется «Четверо на один стул»:
А эта называется «Мы его обязательно найдем» (там спрятаны кошки):
Заголовок заставляет задуматься, что же происходит на картине? Я перерабатываю композицию, добавляю элементы, чтобы картина выглядела эффектней.
Все начинается с рисунка. Для меня карандашный рисунок – это самое главное.
О рисунках, которые «не получились»:
– Прежде чем начинать работу, я стараюсь четко представить то, что хочу получить в результате. Конечно акварель такая сложная, что порой у вас не получается то, чего вы хотите добиться, и тогда приходится картину рвать и выбрасывать.
Сколько времени занимает написание картины:
– Я не могу делать картину за несколько раз, всегда за один. Всегда, всегда, всегда за один раз! Обычно за 3-4 часа. Ведь те, чувства, которые есть сегодня, завтра могут поменяться. Увидишь свою незаконченную картину по-другому, и диалог, который ты задумал, не состоится. Я предпочитаю закончить этот диалог сразу.
О формате картин:
– Обычно я использую два формата: 38х52см и 27х75см. Мне больше нравятся большие форматы, тогда цена очень сильно возрастает. Здесь присутствует практический подход в выборе размера.
Мне нужно, чтобы работы продавались. Есть еще такая проблема: у покупателей картин столько картин, что их уже некуда вешать! Картина маленького размера и большого – это не одно и то же.
О выборе бумаги для рисования:
– Я работал на крупнозернистой бумаге ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY – но она слишком фактурная. Затем перешел на мелкозернистую бумагу тоже разных фирм ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Поскольку мелкозернистая бумага сохла очень долго, я перешел к сатину. А сатин очень сложный, очень! И это стало для меня еще большим вызовом. Я рисовал разные темы, используя разные материалы, и все они мне поддавались, а эта бумага никак не хотела поддаваться. Но я продолжал и продолжал с ней работать. Целые рулоны сатина улетали, пока я ее не покорил и не создал свой язык, который мне понравился. Пробовал сатин ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Сейчас я использую FABRIANO. Эта бумага никому не нравится, не знаю – почему.
В художественном магазине в Малаге, где я покупаю материалы, такой бумаги нет, и я заказываю рулон только для себя. Эта бумага дает интересные эффекты.
О смачивании бумаги для акварели:
– Поскольку я покупаю бумагу в рулонах, нельзя просто отрезать кусочек и просто так поставить, ведь бумага получается изогнутой. Я смачиваю ее в душе, чтобы она выпрямилась и натягиваю на основу. Но сатин впитывает мало воды, а для работы мне всегда нужно, чтобы бумага была влажная. Я смачиваю частями те участки, на которых работаю. Очень трудно контролировать степень влажности бумаги и воду, которая есть в кисточке. Если и бумага очень влажная, и в кисточке много воды, то при вертикальной работе все потечет вниз. Чтобы это контролировать, нужна практика. Можно рисовать по-всякому, главное практиковаться. Я бы сейчас не смог работать горизонтально. Я знаю, насколько растечется краска, знаю, насколько влажная бумага, сколько воды на кисточке. Важно практиковать свой метод работы и тогда вы достигнете успеха.
О цветах:
– Я использую мало цветов. Конечно, цветов существует много, но у меня никогда не было денег, чтобы купить их все. Я покупал основные цвета и еще 2-3 дополнительных (сиена жженая, охра жженая) и научился делать из них любые цвета. Я советую пробовать делать свои цвета из основных, – это отличное упражнение! В моей палитре сейчас: белый, черный, неаполитанский желтый, желтый кармин, желтая охра, немного красного, кармин, кобальт, прусский синий, сиена натуральная, сепия.
О палитре:
– Раньше я использовал металлические палитры с двумя поверхностями для смешивания, на которые краска из тюбиков выдавливается в центр. Теперь у меня палитра с баночками, в них никогда не сохнет краска. Баночки расположены на краях палитры, а в центре место для смешивания. Такую палитру очень сложно найти. Эту я нашел в Брюсселе, она продавалась в хозяйственном магазине и предназначалась для того, чтобы раскрашивать фигурки.
Как вы видите, мои работы не такие прозрачные. Мне не нравится многослойная акварель, я предпочитаю один слой. Это не одно и то же: сделать темный цвет сразу или несколькими слоями. Если сделать тон за 5-6 слоев, получится грязно и слишком густо. Поэтому я сразу стараюсь набрать такое количество цвета, которое мне нужно.
О кистях:
– Вот эти кисти из ушного волоса я купил в мой первый приезд в Москву. И всегда, когда приезжаю, покупаю несколько штук. Здесь очень дешевые кисти, хорошая экономия! Конечно, существуют очень хорошие кисточки, очень дорогие, но самое главное – это не кисточка, а рука, практика. Нет плохих материалов, вопрос в практике. Мои работы сделаны этими кистями.
Я вам советую попробовать разные-разные кисти, просто, чтобы узнать, какие они, сравнить.
Когда у меня появились деньги, я купил много кисточек. У меня в студии большая банка с большим количеством кистей: плоские, круглые, кошачий язык, щетина, из ушного волоса быка, колонок, белка, соболь. Но эффективнее та кисть, которой ты работаешь чаще всего. В моих кистях мне нравится, что их нельзя контролировать, линии нечеткие. Ими можно делать и линию, и форму. Это не просто, но меня как раз и привлекает эта сложность. И работы получаются танцующими, в движении. Картина выдает что-то свое, отличное от того, что я в нее вкладываю. Это диалог – диалог изображения, бумаги, красок, кистей и художника.
О производителях акварели:
– Я пробовал акварель разных фирм. Когда я только начинал рисовать акварелью, я не знал ни про SENNELIER, ни про WINSOR&NEWTON. Сейчас я использую REMBRANDT и уже привык к тому, какие тут цвета. У REMBRANDT такая сепия, которой нет у других производителей, ни у SCHMINCKE, ни WINSOR&NEWTON. Я не знаю, лучше это или хуже, а мне нравится.
Иногда мне дарят другие краски, но они у меня лежат в коробке, и я их не использую. По мере работы ты находишь свою собственную палитру. Сегодня мне не нравятся холодные серые оттенки, а что будет завтра – я не знаю. И я использую только определенные цвета – это тоже отличительная черта моих работ. Нужно работать, экспериментировать, пробовать один цвет, другой, смотреть, как он будет вписываться в палитру. Но самое главное – это практика. По крайней мере, у меня было так.
О набросках:
– Для меня самое главное во всех техниках – это набросок. Многие люди не придают значения наброску. Но набросок – это не только контуры, а еще и расположение объектов, тон композиции – это все я фиксирую в наброске. Я всегда-всегда делаю наброски. Хотя многие этого не делают.
Об использовании маскирующей жидкости:
– В первых картинах я ее использовал. Но вообще-то мне нравятся мягкие границы, а маскирующая жидкость дает очень четкие границы.
Если у вас такой стиль, когда все линии очень четкие, то это не проблема. Представьте, что в моей картине, где все такое мягкое и перетекающее, вдруг появятся четкие границы. Конечно, очень удобно закрыть это все маскирующей жидкостью. Но на этой картине сначала я нарисовал лодки, а потом воду. Это очень сложно.
Иногда закрываю участки бумажным скотчем. Но, когда я поверх него уже нарисовал, то сразу его снимаю, до того, как высохнет. Тогда не остается такая четкая граница.
Оставляете ли вы белую бумагу?
– Да, мне нравится оставлять белую бумагу – это классическая техника акварели. Но я также использую и белила, и неаполитанский желтый, это очень кроющие краски. Не вижу в этом никакой проблемы. Самое главное – это результат. Я не использую ни гуашь, ни акрил, только китайские акварельные белила. И не используйте слишком много краски, тогда это уже будет не акварель. Тогда нужно рисовать маслом, акрилом или темперой.
Акварель должна быть прозрачной, в этом ее отличие от других техник.
Когда вы учились, вы делали копии с картин великих художников?
– Копии делать интересно, это помогает понять, как сделана картина. 20 с лишним лет назад я копировал Моне пастелью. Еще копировал Веласкеса, мне нравятся его картины, они очень воздушные.
О поиске своего стиля:
– Как я уже сказал ранее, самое худшее – остановиться, когда ты нашел то, что искал. Я еще не нашел и никогда не прекращу поиск. Сейчас я делаю так, но может, через три месяца я все поменяю – и цвета, и технику, и сюжет. Ничего не определено. Я пробовал много техник, много стилей самыми разными материалами, и это сформировало меня как художника. Пикассо сказал, что художник никогда не находит, а всегда ищет. Когда ты что-то находишь, это не конец пути.
Три года я рисовал пастелью, но наступил такой момент, когда я понял, что копирую самого себя.
Тогда я перешел к другим материалам. Мои картины в стиле гиперреализма очень хорошо продавались, но все равно я перестал этим заниматься. Я могу все поменять, даже если нет денег, чтобы покупать материалы. Друзья говорили: «Как так можно? Картины хорошо продаются, зачем что-то менять?» Но важно быть честным самим с собой. Если мне не нравится то, что я делаю, то я не буду это делать.
О работе в студии и на пленэрах:
– Для своих работ я люблю использовать фото. Основная тема моих работ – городские пейзажи. Конечно, сейчас я могу и без фото нарисовать всю картину. Фото – это фиксированный образ, на фото сильно упрощаются тона, изменяются тени. Если конечно его сделал не профессиональный фотограф, который хорошо умеет работать с камерой. Но фото я могу преобразовать, сделать что-то более естественное, поскольку я уже много рисовал с натуры. Например, если сделать фото в солнечный день, тени на фото будут намного темнее, чем в реальности. Поэтому мой совет: если вы рисуете по фото, делайте тени светлее.
Мне нравится рисовать с натуры. Получается совсем другая работа, не такая как в студии. Я всегда стараюсь рисовать в студии так, как будто я рисую с натуры, чтобы работы были такими же свежими. Когда рисуешь на пленэре, времени мало, приходится все упрощать, нужно успеть выразить все, что ты хочешь за очень короткое время. Я рисую в студии точно так же, как, если бы рисовал на пленэре. Я не располагаюсь с комфортом, использую ту же палитру, работаю стоя.
Вообще, рисовать на пленэре мне нравится больше. Природа очень сильно влияет, когда рисуешь с натуры. И ты рисуешь то, что ты видишь. На природе я тоже всегда делаю наброски, пытаюсь создать свою собственную картину, немного отталкиваясь от того, что вижу. Рисунки на пленэрах более искренние. В студии конечно удобно, нет ветра, но я рисовал и под дождем, и в туман, – это сложно, это вызов.
Вам нравится в России?
– Я знаю только Москву.
Именно в Москве я почувствовал, что мои работы ценятся. Я вижу, что люди заинтересованы в моей работе, и все ученики, которые приходят на мастер-классы, очень старательные. Этой вашей чертой я восхищаюсь. Когда я провожу мастер-классы в других странах, во Франции, в Испании, проблема в том, что большинство не владеет техникой акварели. А здесь обычно приходят люди, которые владеют техникой. Когда я объясняю, что для рисования по влажной бумаге нужно взять много краски, чтобы было много воды, меня понимают. Этого нет на других мастер-классах. И самое главное – всем интересно, видно, что людям нравится учиться, узнавать, как сделать то или это. Я вижу, что многим не нравится делать наброски, но все стараются делать.
Вы в Москве были на пленэрах?
– Сегодня был отличный день для этого. Отличная погода. Были на Крутицком подворье. Отличный свет был, красивая церковь, цвет стен. Но, когда холодно и дождь, это сложно. Мне бы очень хотелось поставить мольберт на окно и рисовать город.
Сегодня я просто делал фото, как турист. Потом в студии посмотрю, что можно с этим сделать. Преимущество студии в том, что можно сесть и спокойно искать что-то свое.
Как в семье относятся к тому, что человек выбрал творческую профессию, стал художником, не критикуют ли?
– У моих родителей очень либеральное мышление. Они всегда уважали то, чем я хотел заниматься. Отец говорил, что всегда нужно работать без начальства. У него не было шефа, он работал на себя. Сложно, но зато у меня нет начальника. Отец никогда не рисовал, не занимался живописью, но он передал мне этот дух свободы, бунтарства. Моему дедушке очень нравилась музыка, он сочинял произведения на скрипке и на гитаре. К сожалению, я его не знал. У меня есть брат, и он тоже свободный творец, как я, но он музыкант. У него тоже не было денег на инструменты, на обучение, но он брал инструмент и за 10 минут его осваивал. Так же как я в живописи, – он в музыке.
А хотели бы вы съездить в какую-нибудь другую страну на пленэр?
– Новый город – это всегда новые впечатления, новый свет, новые изображения.
Для художника это всегда новый опыт и новые картины. Поэтому новое место для меня обогащает мой опыт. Путешествовать мне не очень нравится, но, когда путешествую, меня это всегда завораживает. Я вижу другие цвета. Посещение новых городов многое мне дает. Все в путь!
Вы пишете на заказ работы, которые вам не нравятся?
– Когда у меня не было денег, я ездил туда, где многие художники рисуют и продают свои работы. А сейчас, если клиенты приходят в мою студию, я показываю то, что уже есть. Если им что-то нравится, они покупают. Но, если бы мне понадобилось рисовать на улице портреты людей, я бы это сделал. Меня это никак не задевает. Я из очень простой семьи. Если мне нужно брать заказы, я буду это делать. Но сейчас мне это не нужно.
Мигель Линарес Риос (Miguel Linares Rios) — испанский художник из Малаги.
Член Ассоциации Художников Малаги (APLAMA)
Член группы «VIVELARTE», лауреат испанских и международных конкурсов и премий в области изобразительного искусства.
Участник многочисленных художественных ярмарок и выставок современной живописи. С 1995-го по 2001-й Мигель работал для компании Disney.
https://www.facebook.com/mlinaresrios.art/
Вернуться в «Обзоры, советы уроки»Музей Акварели
Музей АкварелиПостоянная экспозиция
Центром Музейно-выставочного комплекса можно назвать Музей акварели. Его экспозиция включает более 250 произведений акварельной живописи и графики западноевропейских и русских художников XVI – XX вв. Многие работы представлены широкому зрителю впервые: пейзажи признанного «поэта природы» Ивана Шишкина, акварель талантливого искусствоведа и критика А.Н. Бенуа, эскизы действительного члена Императорской Академии художеств П.А. Брюллова.
Гордостью музея является коллекция западноевропейской графики – картины выдающихся мастеров английской школы XIX-XX вв., среди которых особо известны имена основателей Старого общества акварелистов (с 1804 года).
Музей хранит в своем собрании акварель Роберта Хиллса, выпускника Королевской академии художеств, прекрасно владевшего акварельной техникой. Исключительное мастерство Р. Хиллса проявилось в кропотливом и реалистичном изображении его любимых сельских сюжетов. В одном из залов представлена акварельная гризайль «Скалы в Бримусе» английского графика первой половины XIX века, Джеймса Холверси, одного из основоположников Старого общества акварелистов. В общество входил и Эдвард Корбуд, почти три десятка лет занимавший должность преподавателя исторической живописи при королевской семье. Малоизвестны отечественному зрителю произведения других представителей блестящей английской школы XIX века, которые давно получили заслуженное признание на родине.
Украшение Музея акварели – коллекция живописи и графики Игнатия Игнатьевича Нивинского (1880–1933), непревзойденного мастера станковой композиции и офорта. Художник постоянно находился в поиске языка выразительности и пробовал себя в различных видах деятельности, экспериментировал художественными материалами и техниками.
Многие образы на картинах имеют отзвуки «сезаннизма», цветные графические работы отличаются яркостью, живостью и энергией.
Экспозиция Музея акварели содержит произведения разнообразных техник, художественных традиций и жанров – пейзаж, портрет, жанровая картина, натюрморт, интерьер и орнамент. Посетители также могут увидеть старинные или современные инструменты и материалы классической акварели, узнать о законах композиции и колористки, узнать секреты старых мастеров: что живописцы добавляли в акварель, чтобы добиться особых оттенков, какие материалы использовали, чтобы акварельная работа не потеряла сочности красок со временем, и другие факты из истории искусств. Музей предоставляет возможность ознакомиться с письмами и воспоминаниями о художниках, а также с результатами лабораторных исследований шедевров акварельной живописи в крупнейших реставрационных центрах мира. Вся информация и материалы располагаются на специальных стендах.
Академия акварели и изящных искусств видит важнейшей миссией – сохранение и возрождение забытых традиций классической школы живописи, систем обучения и воспитания высококлассных мастеров.
Поэтому появление подобного музея в стенах одного из крупнейших российских художественных вузов, совершенно закономерно.
Стоимость посещения
Билеты
Запись на экскурсии
В стоимость входного билета входит посещение всех выставок и постоянных экспозиций Музея Акварели.
Запись на экскурсии по телефону: +7 (495) 531-55-55.
Подробнее
Посетители о нас
Контакты
г. Москва, ул. Академика Варги, дом 15
Режим работы: среда-воскресенье с 11:00 до 19:00
+7 (495) 531-5555
[email protected]
Проезд на общественном транспорте:
Метро Тёплый Стан, последний вагон из центра, по переходу до конца, выход на улицу Тёплый Стан, далее автобусы е-10, 227, 553 до остановки: «Ул.
Академика Виноградова», 444, 281 до остановки «Академия акварели и изящных искусств».
Метро Тропарёво, далее автобусы 227, е-10, 553, 281 до остановки: «Ул. Академика Виноградова».
Художники-акварелисты: от эпохи Возрождения до 20-го века
Акварель — один из старейших и наиболее готовых к использованию материалов. Специалисты датируют его существование еще во времена палеолита. Тем не менее, акварель стала признаваться художественным средством до эпохи Возрождения, и с тех пор ее продолжали использовать некоторые из самых талантливых художников всех времен. В этом посте мы упомянем двадцать одного из самых талантливых художников-фигураторов, которые взяли кисть, лист бумаги, воду и растворимую краску, чтобы проложить себе путь в историю искусств.
- 1. Альбрехт Дюрер (1471-1528)
- 2. Адриан ван Остаде (1610-1685)
- 3. Уильям Блейк (1757-1827)
- 4. Каспар Давид Фридрих (1774-1840)
- 5.
Дж. М. У. Тернер (1775–1851) - 6. Джон Констебл (1776-1837)
- 7. Джон Джеймс Одюбон (1785-1851)
- 8. Элизабет Хифи Мюррей (1815-1882)
- 9. Фиделия Бриджес (1834-1923)
- 10. Джеймс Макнейл Уистлер (1834-1903)
- 11. Уинслоу Гомер (1836–1819 гг.)10)
- 12. Томас Моран (1837-1926)
- 13. Поль Сезанн (1839-1906)
- 14. Берта Моризо (1841-1895)
- 15. Винсент Ван Гог (1853-1890)
- 16. Рода Холмс Николлс (1854-1930)
- 17. Джон Сингер Сарджент (1856-1925)
- 18. Морис Прендергаст (1858-1924)
- 19. Элизабет Норс (1859-1938)
- 20. Андерс Цорн (1860-1920)
- 21. Эдвард Хоппер (1882-1967)
- Ключевые выводы
- Спасибо за прочтение!
1. Альбрехт Дюрер (1471-1528)
Помимо того, что он был известным гравером и теоретиком, Дюрер был пионером акварельной живописи, поскольку он экспериментировал с различными техниками и использовал ее выразительный потенциал.
На протяжении многих лет Дюрер рисовал чрезвычайно реалистичные акварели с топографическими сценами, растениями, пейзажами, обнаженными телами и животными, все из которых соответствовали морфологии выбранного объекта до последней детали. Одной из самых известных акварелей Дюрера 9 лет.0055 Молодой заяц, прославился своей впечатляющей детализацией каждой пряди меха млекопитающего и тем, как художник использовал цвета для создания контраста. Акварель впечатляюще включает в себя отражение того, что считается мастерской художника, в одном из глаз зайца.
2. Адриан ван Остаде (1610-1685)
Адриан ван Остаде считается одним из ведущих художников Голландии в жанровой живописи крестьян и бедняков. Следовательно, его наиболее частые сюжеты включали деревенские сцены, домашнюю и сельскохозяйственную работу. Ван Остаде был чрезвычайно плодовитым художником и создал более 800 картин, 50 офортов и большое количество акварелей. При жизни работы Ван Остаде были популярны, и его акварели, половина из которых были сделаны после 1670 года, пытались воспроизвести эффект его картин маслом.
Акварель под названием Сцена в Таверне отражает выразительный стиль художника. Черты предметов построены с помощью жестовых следов пера, которые наполняют композицию движением и чистыми эмоциями.
3. Уильям Блейк (1757-1827)
Считающийся одним из величайших англоязычных поэтов, Блейк был также непревзойденным гравером и акварелистом. Чтобы создать большую часть своих акварелей, Блейк начал с предварительного рисунка графитом или пером и тушью, а затем наложил слои цвета. Однако со временем Блейк экспериментировал с акварелью и смешивал ее с разными средами, чтобы повысить статус среды. Например, он изобрел технику, известную как «переносная фреска», описываемую как «стена» из gessoed или предварительно загрунтованное полотно или панель, расписанная акварелью. Среди наиболее интересных акварелей художника — более 100 акварелей, которые он создал для иллюстрации «Божественной комедии» Данте , из которых мы видим здесь с изображением двух демонов.
4. Каспар Давид Фридрих (1774-1840)
Акварели Фридриха полностью отличаются от его знаменитых аллегорических пейзажей, поскольку они фиксируют все детали конкретного места с подробным стиль. Отличительный подход Фридриха к акварельной живописи связан с его предыдущим опытом работы художником-пейзажистом, запечатлевшим виды Германии и Швейцарии. Реалистический стиль художника просматривается, например, в акварели Руины монастыря Эльдена, , на котором изображено то, что осталось от этого монастыря, когда его посетил Фридрих. Примечательно, что сухие ветки, расположенные на первой плоскости, словно движутся под действием ветра, а сухое дерево на заднем плане придает картине оттенок романтического стиля художника.
Каспар Давид Фридрих, Руины монастыря Эльдена, ок. 1824 г.5. Дж. М. У. Тернер (1775-1851)
Тернер — один из самых значительных художников английского романтического движения, оставивший после себя множество картин, написанных маслом.
более 2000 акварелей. Акварели художника отражают «дух» мест, которые он посетил, начиная от английской сельской местности и заканчивая пейзажами Италии, и обладают редкой яркостью наряду с эффектами прозрачности. Последнее можно увидеть на акварели под названием Клэр-Холл и Вест-Энд часовни Королевского колледжа , где выразительные размытые мазки, присутствующие на небе, деревьях и воде, контрастируют с подробным изображением моста. Важно отметить, что при жизни Тернера его акварели пользовались популярностью и использовались как основа для гравюр английских пейзажей и как иллюстрации в различных изданиях.
6. Джон Констебл (1776–1837)
После 1829 года всемирно известный художник Джон Констебл использовал акварель в качестве своего любимого материала. Небо было наиболее частой темой Констебла, и он рисовал его непрозрачными пигментами и энергичными следами, сделанными более толстыми кистями, возможно, чтобы передать более темную среду и уловить изменения атмосферы.
Стиль Констебля проявляется, например, в работе Water Street, Hampstead, , где художник создал непрозрачный акварельный пейзаж с изображением облачного неба на вершине коттеджа и зеленого поля. В частности, деревья раскрывают следы его жестов и экспериментальный подход к этой среде.
7. Джон Джеймс Одюбон (1785-1851)
Одюбон широко известен своей книгой «Птицы Америки », новаторской серией из 435 ручных гравюр в натуральную величину. цветные пластины с изображением орнитофауны континента, взятые из его реалистичных акварельных рисунков. Примечательно, что художник использовал настоящие экземпляры, многие из которых он собирал, чтобы точно передать все их особенности. Этот процесс часто включал убийство его объектов, чтобы расположить их в реалистичных позах с помощью системы проводов и булавок. Работы Одюбона — это не акварели в традиционном смысле, а сложные работы, сделанные из самых разных материалов, глазури, бумаги и клея, которые со временем переделывались.
К счастью, они пережили течение времени и в настоящее время принадлежат Историческому обществу Нью-Йорка.
8. Элизабет Хифи Мюррей (1815-1882)
Элизабет Хифи Мюррей считается самой известной художницей-акварелистом своего поколения. Она научилась акварельной живописи у своего отца, Томаса Хифи, который также был художником. За свою жизнь Мюррей запечатлела места, которые посещала рядом с отцом или где жила, в основном Рим, Марокко и Канарские острова. Стиль Мюррей характеризуется ее выбором цвета с использованием палитры коричневых, фиолетовых, синих, черных, красных и золотых цветов рядом с оливковыми и коричневыми цветами, которые придавали ее работам теплые тона. Мюррей часто работала на открытом воздухе, но заканчивала свои работы в своей студии. Примечательно, что она была признана еще при жизни. В доказательство этого она была членом Королевского института художников-акварелистов и основала Общество женщин-художников в Лондоне.
9. Фиделия Бриджес (1834-1923)
Бриджес была опытным специалистом по очерчению местной флоры и фауны недалеко от своего летнего дома в Коннектикуте. В 1860 году на реалистический стиль Бриджеса сильно повлияла работа Уильяма Троста Ричардса, который был его учителем живописи в Пенсильванской академии изящных искусств в Филадельфии. Чрезвычайно подробные репродукции природы Фиделии можно увидеть в таких работах, как апреля года, в котором художник реалистично и детально изобразил птиц, отдыхающих на цветущих ветвях деревьев. Интересно, что при жизни она была одной из очень немногих женщин-художниц, которые могли обеспечить себя своей работой.
Fidelia Bridges, апрель 1876 г.10. Джеймс Макнил Уистлер (1834-1903)
Широко известный своими картинами маслом, начиная с 1881 г. Уистлер начал лихорадочно выпускать небольшие акварели, пользующиеся спросом. Художник обычно работал сериями, вращающимися вокруг одной обстановки или темы.
Например, он написал много морских пейзажей и сцен из повседневной жизни. Представленные художником морские пейзажи Саутенда, популярного приморского курорта к югу от Лондона, выполнены в простом стиле и основаны на широко сбалансированных оттенках с редкими деталями. Акварель под названием Southend Pier представляет этот регион и намекает на присутствие людей и лодок скудными и густыми следами. Напротив, фон состоит из полупрозрачных и текучих областей цвета, которые дают жизнь песку, морю и небу.
11. Уинслоу Гомер (1836–1910)
Гомер был гравером-самоучкой и художником-пейзажистом, известным своими морскими акварельными сценами. Художник начал свою карьеру в качестве художника-документалиста во время Гражданской войны, а после визита во Францию попал в Пленэр Работа Барбизонской школы художников. Этот опыт вдохновил его на развитие своего особого стиля, характеризующегося изображением морских сцен.
Например, он создал много сцен рыбацкой деревни из Cullercoats, Англия, где он прожил почти два года, а также других мест, таких как Флорида, Багамы и Куба. Акварель, которую мы здесь видим, дает нам представление о выразительном изобразительном языке Гомера, поскольку она прекрасно передает движение волн и любопытство женщины, столкнувшейся с чем-то на пляже.
12. Томас Моран (1837-1926)
Моран известен своими пейзажными акварелями, особенно пейзажами Йеллоустонского национального парка. Мечтательные изображения этого парка, сделанные художником, помогли убедить Конгресс США официально объявить его национальным парком в 1892 году и вдохновили туристов посетить этот район. Его практика соответствовала эстетике художников с восточного побережья реки Гудзон, которые изображали природу американского Запада. В то же время работы Морана олицетворяют качество Возвышенного в искусстве, где величественные природные зрелища вызывают у зрителя чувство ужаса и благоговения.
13. Поль Сезанн (1839-1906)
Акварель сыграла важную роль в стремлении Поля Сезанна исследовать возможности цвета. Часто его акварели изучались для написания картин маслом. Однако они также раскрывают его особый стиль. Таким образом, большинство из них включают ограниченную палитру зеленых, синих и некоторых теплых земляных цветов, которые придают форму сбалансированным композициям. Среди наиболее заметных примеров акварелей Сезанна — акварели Мон-Сент-Виктуар, недалеко от Экс-ан-Прованса, сцена, с которой он также создавал картины маслом. Акварель La Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves , который мы видим здесь, представляет собой этот прекрасный пейзаж с редкими, но выразительными следами.
Поль Сезанн, La Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves, c.190214. Берта Моризо (1841-1895)
Известная как художница-импрессионистка, Моризо создала множество картин маслом, изображающих сцены повседневной жизни и пейзажи.
Однако после того, как она открыла для себя картину Plein-air через Камиля Коро, она также создала акварели, в которых отразилось воздействие света на ее предметы и была полупрозрачная атмосфера. Многие из небольших акварелей художницы были подготовительными этюдами к ее картинам маслом, но они сами по себе являются произведениями искусства. Подход Моризо к медиуму проявляется в Paysage , акварель, изображающая сельскую местность всего несколькими зелеными и коричневыми мазками. Интересно, что некоторые участки композиции остались незакрашенными, а бумага сама по себе завершает картину.
15. Винсент Ван Гог (1853-1890)
Помимо множества картин маслом, Ван Гог за свою жизнь создал 150 акварелей. Антон Мауве, двоюродный брат, познакомил его с этим средством, которое художник использовал как средство для совершенствования своих живописных техник и навыков. Таким образом, большинство из них использовались в качестве полевых исследований для своих нефтяных коллег или для практики.
Однако по мере того, как Ван Гог продолжал совершенствовать свою технику, он использовал все больше и больше ярких цветов в своих акварелях и создавал более впечатляющие работы. Примером этой выполненной работы является Лодки на пляже Сент-Мари-де-ла-Мер , где художник использовал палитру смелых и красочных цветов вместе с жестовыми мазками для создания выразительного прибрежного пейзажа.
Рода Холмс Николлс, Сбор полевых цветов, около 1900 г.17. Джон Сингер Сарджент (1856-1925)
Сарджент – всемирно известный художник, прославившийся своими характерными портретами. Однако он также создал более 2000 акварелей. Подобно другим художникам, его акварели задокументировали его путешествия по местам, начиная от английской сельской местности и заканчивая Тиролем, Венецией, Корфу, Монтаной, Ближним Востоком, Флоридой и Мэн. Примечательно, что Сарджент считал свои акварельные картины своим «хобби» и наполнял их плавным и импрессионистским стилем, который контрастировал с более подробным подходом его картин маслом. Например, в акварели Лодки. Венеция Сарджент использовал длинные размашистые мазки для воды и неба, а цвета сливались с иллюзией движения. Чтобы узнать больше об акварелях Зингера, см. наш предыдущий пост .
Джон Сингер Сарджент, Лодки, Венеция, 1903 г.18. Морис Прендергаст (1858-1924)
Прендергаст был американским художником, известным своими акварельными пейзажами и городскими пейзажами.
Благодаря длительному пребыванию во Франции на протяжении всей своей карьеры художник испытал на себе множество европейских влияний, в основном от таких художников, как Мане или Сезанн, которые копировали их следы и сюжеты. В конце концов художница поселилась в Нью-Йорке, где ее приветствовали как коллеги, так и коллекционеры. Ярким примером стиля Прендергаста является акварель «9».0055 Воскресный променад , который напоминает композиционные макеты сцен городского парка Мане и его цветовую палитру.
19. Элизабет Норс (1859-1938)
Элизабет Норс была художником-пейзажистом и портретистом в стиле реализма. Художница приобрела значительную репутацию художника Парижского салона и была известна своими техническими навыками, а также эмоциональным видением, которое она привнесла в свой предмет. Нурс писала акварели на крестьянские темы, особенно женщин за работой, матерей и детей, а также портреты и натюрморты, а также пейзажи Бретани и леса Рамбуйе.
Например, в работе под названием Breton Girl, мы видим работающую женщину, которая дышит свежим воздухом, вероятно, в перерыве между тяжелым рабочим днем. Эта акварель дает нам интимный и подробный взгляд на сцену повседневной жизни, наполняя ее романтической аурой.
20. Андерс Цорн (1860-1920)
Цорна часто называют «шведским импрессионистом». палитра». Первоначально художник привлек внимание своими изображениями лошадей и человеческих фигур, а также вдохновленными импрессионистами портретами ведущих деятелей общества, включая короля Швеции Оскара II, Теодора Рузвельта, Гровера Кливленда и Уильяма Х. Тафта. Однако он также создавал акварели либо с рыхлой кистью, либо с чрезвычайной детализацией. Например, в акварели под названием Хлеб Наш Насущный , художник изобразил свою мать, сидящую на краю канавы и готовящую картошку для комбайнов на фоне чрезвычайно реалистичного пейзажа.
Андерс Цорн, Хлеб Наш Насущный, 188621.
Эдвард Хоппер (1882-1967)Эдвард Хоппер известен своими картинами маслом, изображающими американский образ жизни в реалистическом и повествовательном стиле. Однако он также создал много акварелей. Как и многие другие художники, работающие с этим материалом, акварели Хоппера более спонтанны и плавны, чем его картины маслом. При рисовании акварелью художник использовал визуально сложные объекты, такие как маяки на берегу моря, сельские пейзажи или викторианские дома, чтобы создать изображения, характерные для реальных мест, которые отражали тонкие условия освещения в определенный момент. Последний контрастировал с придуманными им декорациями офортов и картин его городских произведений. Например, в работе Коттеджи в Северном Труро, он случайно захватил пару домов, расположенных рядом с железнодорожной линией. Что привлекает наше внимание в этом изображении, так это выразительность и движение листвы.
Эдвард Хоппер, Коттеджи в Северном Труро, 1938 г.Key Takeaways
- Большинство художников в этом списке относятся к концу 18-го и 19-го веков, что можно объяснить тем, что подготовленные акварельные краски были доступны до 1780 года, а также из-за рост популярности средства массовой информации.
- Акварель предоставила художникам более спонтанный, непосредственный, выразительный и плавный подход к живописи, чем тот, который был получен с помощью картин маслом.
- Самые популярные акварелисты в этом списке были вдохновлены художниками-импрессионистами и романтиками.
- В 19 веке акварель процветала как самостоятельное средство и больше не рассматривалась как средство для создания картин маслом.
- Из-за стереотипов, окружающих женщин-художников, и множества ограничений, с которыми они сталкивались, в основном художники-акварелисты-мужчины получили международную известность. Это не означает, что женщины-художницы не создавали новаторских акварелей; это только отражает социальные предубеждения истории искусства.
Спасибо за прочтение!
Спасибо, что нашли время прочитать этот пост. Я ценю это! Не стесняйтесь поделиться с друзьями. Если вам нужны дополнительные советы по рисованию, ознакомьтесь с моим курсом Академии живописи.
Приятного рисования!
Дэн Скотт
Draw Paint Academy
Понравился этот пост? Присоединяйтесь к более чем 123 000 художников , которые подписываются на информационный бюллетень Draw Paint Academy.
7 самых известных художников-акварелистов
Известные художники-акварелисты не только оказали влияние на современное искусство, но некоторые из этих имен также оказали значительное влияние на современные культуры.
До изобретения фотоаппарата люди использовали акварель для документирования мира. На протяжении веков художники — как профессионалы, так и любители — создавали сотни тысяч изображений, запечатлевших жизнь такой, какой они были ее свидетелями.
1. Винсент Ван Гог
Художник из Голландии Винсент Ван Гог был художником, чьи работы оказали одно из самых важных влияний на искусство 20-го века и чья депрессия была хорошо известна. Хотя он был наиболее известен своими картинами маслом, у него до сих пор есть коллекция из более чем 150 акварельных рисунков.
Все слышали о Ван Гоге!
Знаменитые акварельные картины Ван Гога Включают:
Воскресенье в Эйндховене — Винсента Ван Гога
Вход в Мулен де ла Галетт — Винсента Ван Гога
2. Пол Клее 9021 4
Пауль Клее был немцем художник швейцарского происхождения. На его индивидуальность повлияли художественные направления, такие как экспрессионизм, кубизм и сюрреализм.
Знаменитые акварельные картины Пауля Клее Включает:
Побережье под дождем Пола Клее
Хаммамет с его мечетью Пола Клее
3. Джорджия О’Киф
Джорджия О’Киф, одна из самых влиятельных женщин в среде, была одной из первых американских модернисток. Она была первой женщиной, получившей известность благодаря этому стилю. Она хорошо известна своими юго-западными пейзажами и изображениями.
На протяжении всей своей жизни и карьеры Джорджия О’Киф практиковалась в работе с разными материалами, от масляных красок до углей и пастели.
Первоначально она создавала весьма абстрактные произведения искусства, но в конечном итоге стала известна своими изображениями американских небоскребов, цветов и горных пейзажей, таких как гора Фудзи.
Она также овладела искусством акварельной живописи, создав 51 произведение акварельного искусства в период с 1916 по 1918 год. Эти экспериментальные абстрактные картины не имеют ничего общего с изысканными картинами маслом, которыми она известна; однако они представляют собой период в ее жизни, когда она искала свой голос и стиль.
Известные акварельные картины Джорджии О’Киф включают:
Каньон с воронами , 1917 год, акварель и графит на бумаге Джорджия О’Киф
Вечерняя звезда № VI , бумага, акварель Джорджии О’Киф
4. Василий Кандинский
Василий Васильевич Кандинский, живописец и теоретик русского искусства, прославившийся десятилетия назад. Общепризнано, что Кандинский является пионером абстрактного искусства.
Знаменитые картины Василия Кандинского, выполненные акварелью. Анри Матисс и Пабло Пикассо называл его «отцом всех нас». В своих работах Сезанн стремился упростить естественные формы до максимально простых геометрических форм. Например, он мог нарисовать ствол дерева в виде цилиндра или яблоко в виде сферы.
Первоначально Сезанн использовал акварель в основном в первоначальных набросках, но со временем она стала его предпочтительным средством. Обычно он сосредотачивался на натюрмортах, портретах, пейзажах (особенно в месте своего рождения на юге Франции) и сценах купания.
Знаменитые акварели Поля Сезанна. Watercolor over graphite.jpg
6. Дж. М. У. Тернер
Джозеф Мэллорд Уильям Тернер Р.А., известный в свое время как Уильям Тернер, был английским художником-романтиком, гравером и акварелистом. Он известен своим выразительным колоритом, образными пейзажами и бурными, часто жестокими морскими картинами. Тернер выставлялся в Королевской академии с 179 г.
0 с изображением акварелей до 1796 года.
Известные картины Джозефа Мэллорда Уильяма Тернера, выполненные акварелью. 18:30-40, via Tate Britain, Лондон
7. Джон Сингер Сарджент
Американец Джон Сингер Сарджент известен во всем мире как человек, оказавший наибольшее положительное влияние на медиум, а также один из самых вдохновляющих и самых важных художников художники-эмигранты 19-начала 20 веков.
Известные акварельные картины Джона Сингера Сарджента включают:
Грязные аллигаторы Джона Сингера Сарджента, 1917, акварель
Испанский фонтан Джон Сингер Сарджент, 1902 год, акварель
Мы не могли закрыть глава без Леонардо да Винчи.
Леонардо да Винчи
Леонардо да Винчи был ученым итальянского Возрождения, которого считали одним из величайших художников всех времен. Мона Лиза — самая известная работа Леонардо и самый известный портрет, когда-либо созданный.