Рисунки дизайнеров: Рисунок для дизайнера одежды. Правила рисования эскиза. Фигура человека. Изучение пропорций. Позы.

Должен ли дизайнер уметь рисовать?

Поговорим о роли рисования в работе графических дизайнеров, модельеров и дизайнеров среды.

Вопрос, нужно ли дизайнеру уметь рисовать – один из самых дискуссионных в этой сфере деятельности. Многие ведущие дизайнеры – например, Артемий Лебедев или Ив Сен-Лоран – не имели художественного образования. Более того, существуют дизайнеры, которые не способны нарисовать эскиз от руки или набросать скетч, но при этом создают оригинальные и качественные проекты. О том, в каких сферах дизайна необходимо владеть приёмами живописи на профессиональном уровне, а в каких можно обойтись без навыков рисунка, рассказываем в нашем материале.

Рисование для графических дизайнеров

В сфере графического дизайна уметь рисовать не обязательно. Достаточно понимать базовые принципы композиции, уметь работать с цветом и средствами выразительности.

Однако дизайнер, обладающий навыками рисунка, имеет преимущества перед конкурентами: 

• Повышение качества ретуши и обработки изображений. Знание приёмов живописи поможет при работе со светом и тенью, при наложении цветных бликов и т. д.

• Доработка или создание иллюстраций. Дизайнер, умеющий рисовать, может выполнять обязанности иллюстратора.

• Разработка фирменных стилей. Для создания визуальной айдентики бренда компании чаще выбирают дизайнеров, способных с нуля нарисовать сложные элементы оформления.

• Умение быстро визуализировать идею. Дизайнер может помочь клиенту сформулировать требования, если прямо во время встречи нарисует несколько вариантов будущего логотипа. 

• Владение техниками рисунка открывает дизайнерам новые возможности. Общаясь с заказчиками, вы сможете предлагать дополнительные услуги (например, создание рекламных комиксов). Также умение рисовать повысит доверие клиентов.

Рисование для дизайнеров среды

Дизайнерам интерьера и ландшафтным дизайнерам пригодятся навыки создания реалистичной графики. Вы должны уметь рисовать эскизы, которые помогут визуализировать идею и представить клиенту несколько вариантов будущего интерьера или благоустройства сада. Чтобы повысить лояльность заказчиков, желательно выработать свой стиль рисунка, научиться передавать настроение своих проектов.

При рисовании ландшафтных и интерьерных эскизов нужно:

• изображать объект в перспективе, работать со светом и тенью;

• строго соблюдать пропорции;

• с помощью средств выразительности передавать настроение;

• уметь строить человеческую фигуру. Для передачи масштабов помещения дизайнеры интерьера рисуют эргономов – схематические человеческие фигурки.

Также дизайнер среды должен уметь рисовать в графических редакторах и знать основы цифровой графики. В работе часто используются мудборды – коллажи, которые отражают идею и стиль будущего проекта. Основной редактор для создания мудбордов – Adobe Photoshop.

Рисование для модельеров

Дизайнеру одежды необходимо уметь рисовать как художественные, так и технические эскизы. Первые служат для передачи образа или настроения одежды. Например, чтобы нарисовать костюм молодой и романтичной девушки, можно использовать светлые тона, плавные линии, акварельные пятна. Для создания образа деловой и уверенной женщины в ход идут другие приёмы: чёткие контуры, резкие углы, нижний ракурс (вид на фигуру снизу вверх).

Технические эскизы – схематизированное изображение будущей одежды. Они более реалистичны, чем художественные, в них строже соблюдаются пропорции. В технических эскизах акцент делается не на образе, а на самой одежде: линиях, формах, элементах декора и т. д.

Для работы модельеру нужно:

• знать построение фигуры человека;

• иметь базовые навыки академического рисунка;

• уметь работать с цветом, передавать текстуру материалов с помощью художественных средств;

• владеть приёмами живописи;

• освоить рисование в стиле fashion.

В высших учебных заведениях модельеры проходят полный курс живописи и рисунка. Но для работы погружаться в теорию искусства не обязательно – достаточно знать основы и уметь применять художественные приёмы на практике.

Как научиться рисовать?

Изучить основы графики и живописи можно за несколько месяцев. На начальном этапе вы должны научиться рисовать геометрические фигуры – шар, куб, конус. Со временем усложняйте задачу, пробуйте с помощью штриховки передавать объём, светотень, перспективу, переходите к живописи. Для обучения можете использовать книги для студентов художественных училищ – «Основы академического рисунка» Николая Ли, «Рисование» Джованни Чиварди.

В рисовании большую роль играет оценка преподавателей и советы, которые могут дать опытные художники. Если вы хотите овладеть навыками рисунка и живописи под руководством профессионалов, обратите внимание на наши курсы для дизайнеров:

•  «Академический рисунок». Два месяца практики и интенсивного изучения графики. Вы пройдёте путь от геометрических фигур до рисования человека, изучите различные виды штриховки и сможете создавать реалистичные изображения различных объектов.

•  «Акварель. Основы живописи». Двухмесячный курс по акварели, на котором вы научитесь рисовать в основных техниках (а-ля прима, многослойность, гризайль). Вы создадите натюрморты, этюды и пейзажи, разовьёте чувство цвета, научитесь подбирать материалы для работы.

• «Рисование для графического дизайнера». Программа разработана специально для дизайнеров, которые хотят развить навык рисования. За 3 месяца вы научитесь создавать эскизы от руки, освоите базовые техники цифровой иллюстрации и пополните портфолио реалистичными рисунками.

На протяжении всего обучения у вас будет возможность консультироваться с преподавателями и задавать интересующие вопросы экспертам. Наши слушатели получают бессрочный доступ к материалам, поэтому вы сможете в любое время пересмотреть записи уроков или вернуться к учебным статьям. Вы также получите сертификат, подтверждающий успешное освоение курса.

Конкурсы рисунка 2021 для художников и дизайнеров

5 июня, 2021

 Автор: Editor · Published 5 июня, 2021 · Last modified 4 июня, 2021

Объявлен творческий конкурс «Открытка-поздравление медицинскому работнику», приуроченный ко Дню медицинского работника. Дедлайн 15 июня 2021 года.

4 июня, 2021

 Автор: Editor · Published 4 июня, 2021 · Last modified 3 июня, 2021

Объявлен международный конкурс постеров «Posterheroes». Дедлайн 25 июня 2021 года.

3 июня, 2021

 Автор: Editor · Published 3 июня, 2021 · Last modified 2 июня, 2021

Объявлен международный конкурс дизайна BraunPrize. Дедлайн 31 августа 2021 года.

2 июня, 2021

 Автор: admin · Published 2 июня, 2021

Конкурсы в которых вы можете принять участие в этом июне!

2 июня, 2021

 Автор: Editor · Published 2 июня, 2021 · Last modified 1 июня, 2021

Объявлен архитектурный конкурс на разработку концепции летнего кинотеатра Garage Screen. Дедлайн 4 июля 2021 года.

29 мая, 2021

 Автор: Editor · Published 29 мая, 2021 · Last modified 28 мая, 2021

Объявлена Премия текстильных дизайнеров и декораторов. Дедлайн 30 июля 2021 года.

27 мая, 2021

 Автор: Editor · Published 27 мая, 2021 · Last modified 26 мая, 2021

Объявлена международная премия в области графики имени Хесуса Нуньеса. Дедлайн 30 июля 2021 года.

26 мая, 2021

 Автор: Editor · Published 26 мая, 2021 · Last modified 25 мая, 2021

Объявлен международный конкурс Toyota Logistic Design Competition 2022, посвященный городской микрологистике. Дедлайн 19 октября 2021 года.

24 мая, 2021

 Автор: Editor · Published 24 мая, 2021 · Last modified 25 мая, 2021

Объявлен международный конкурс плаката для нового фильма Resident Evil. Дедлайн 14 июня 2021 года.

23 мая, 2021

 Автор: Editor · Published 23 мая, 2021 · Last modified 21 мая, 2021

Объявлен конкурс комиксов о Корее. Дедлайн 13 июня 2021 года.

Должен ли дизайнер уметь рисовать | GeekBrains

Нужно ли дизайнеру уметь рисовать — вопрос, который вызывает такие же «баттлы», как обсуждение преимуществ iOS и Android.

https://d2xzmw6cctk25h.cloudfront.net/post/1787/og_cover_image/ecb790a37a67b14333d64c6a9c5b4e36

Нужно ли дизайнеру уметь рисовать — вопрос, который вызывает такие же «баттлы», как обсуждение преимуществ iOS и Android. При этом он беспокоит практически каждого, кто хочет стать дизайнером — ведь нет мотивации учиться профессии, если без навыков рисунка не стать крутым спецом. Но и отказываться от мечты из-за предрассудка не хочется. Попробуем разобраться с этим вопросом раз и навсегда.

Зависит от того, о каком дизайнере речь

Нет «дизайнера в вакууме»: есть UX-дизайнер, ландшафтный дизайнер, дизайнер персонажей, модельер. Это самостоятельные профессии, для которых важны совершенно разные навыки. Для некоторых направлений дизайна уметь рисовать от руки — важно, для других — нет.

Юрий Панасюк, ведущий проектировщик интерфейсов в Kupibilet.ru, поддерживает этот тезис: «Дизайн — это всегда решение задач, которые могут быть разными: разработка интерфейса, визуализация данных и процессов, привлечение внимания, создание и поддержание имиджа. Дизайнер, который совместно с веб-аналитиками работает над увеличением конверсии сайта или мобильных приложений, совсем не обязан уметь рисовать. Перед дизайнером персонажей или иллюстратором стоят другие задачи, и тут эти навыки обязательны». Юрий считает, что вне зависимости от специализации важны только образное мышление и развитая эмпатия.

Кому точно важно уметь рисовать, так это дизайнерам одежды. Профессор моды в Университете Монтеррея Игорь Стар, у которого 15 лет опыта в дизайне одежды, объясняет: «Мода построена на нюансах: пропорции форм и детали кроя, отделка, декор, — все эти компоненты особенно важны на объемной фигуре человека, в движении и с разных ракурсов: фас, профиль, спина. Поэтому лучший способ для дизайнера и стилиста — делать регулярные наброски фигуры человека в разных позах и нарядах. Так приходит автоматизм: учишься определять форму одежды, распознавать марки и выявлять подделки. Человек, который этого не умеет и выдает себя за дизайнера или стилиста, легко может “лажать”, принимая фейк за оригинал, игнорируя диспропорции шрифтов в логотипе марки, некачественные строчки, принты и фурнитуру».

Эскизы Saint Laurent 1970-х годов, которые помогают «чувствовать» одежду

Обязательно ли графическому дизайнеру уметь рисовать

Зависит от того, что вкладывать в словосочетание «уметь рисовать». Писать реалистичные пейзажи и портреты с натуры — совсем не обязательно. Набросать на бумаге идею так, чтобы донести ее другому — да, необходимо. Развить этот навык может каждый — для этого не нужно быть одаренным художником.

Поэтому мастерски рисовать от руки не требуется. Зачем, если графические редакторы позволяют делать это быстрее и лучше, а чтобы наскоро набросать идею, достаточно минимальных навыков?

Дизайн — это не рисование

Вот неполный список того, что действительно важно знать, по мнению Калины Ивановой, продуктового дизайнера из Болгарии:

• теория цвета;
• визуальная иерархия;
• визуальный ритм;
• перспектива;
• история искусства.

Почему многие говорят, что надо уметь рисовать

Даже Сергей Попков, дизайнер из AIC — лидера среди веб-студий премиум-сегмента в «Рейтинге Рунета» — с задором говорит: «Я не умею рисовать». Если и без этого можно достичь успеха, то почему многие продолжают настаивать, что навык рисунка очень важен?

Причины такие:

1. Возможность выполнять заказы «под ключ». Бывает, что клиенту надо изобразить что-то эдакое, чего нельзя сделать только средствами графического редактора. Умея рисовать, вы сможете сделать это самостоятельно.
2. Ведущий иллюстратор в BANG! BANG! Илья Митрошин считает, что умение рисовать помогает быстро набросать разные идеи, чтобы потом отсеять ерунду от стоящего. Он сравнивает это с техникой фрирайтинга, когда автор пишет все, что приходит на ум, а потом выбирает действительно крутые мысли.
3. Чем лучше рисуешь, тем доходчивее и быстрее можешь показать идею на бумаге клиенту, коллеге или арт-директору.

Как быстро научиться рисовать

Это просто. Попробуйте рисовать каждый день по 20 минут в течение месяца — все, что попадается на глаза. К практике добавьте теорию — читайте книги и статьи о рисовании, смотрите видео на YouTube и крутые иллюстрации. Если научиться надо срочно, запишитесь на курсы или возьмите уроки у специалиста.

Главное — без крайностей. Просмотрев 10 видеокурсов по рисунку, вы не станете художником. Рисуя, но не понимая теории, вы рискуете допустить дилетантские ошибки, которых можно избежать, если понимать принципы рисунка. Занимаясь с преподавателем, нельзя «забивать» на самостоятельную практику.

Поначалу при взгляде на свои «детские» рисунки у вас может появиться желание бросить занятия. Не поддавайтесь слабости, здесь главное — регулярность. Сами увидите прогресс, когда сравните нарисованное в первые дни с тем, что получается к концу месяца. Кроме того, вы станете намного лучше чувствовать пространство, запоминать детали и прокачаете воображение.

Рисунки до и после занятий по рисованию с сайта Art-matita

Главное — понимать, что умение рисовать — не дар свыше. Это просто навык, который можно развить — как ездить на велосипеде или складывать в уме четырехзначные числа.

А вы умеете рисовать? Хотите научиться? Или вы дизайнер, который уверен, что рисование — совершенно бесполезный навык?
 

Петлевые рисунки в дизайне интерьера – фото и примеры

Если вы любите всё необычное, то вашим выбором наверняка станут проекты, включающие кудри и завитки.

Считается, что в природе нет абсолютно прямых линий. Так почему же мы должны придумывать их в своих интерьерах? Подобные пересечения гипербол и парабол способны добавить вашему декору элегантность, уникальность и некоторую причудливость.

Подобный стиль подразумевает украшение петляющим рисунком всех возможных поверхностей, светильников и мебели.

В результате взгляд не может сосредоточиться на какой-то одной точке и почувствовать грань между искусством и фантазией, что многим приносит чувство удовлетворённости.

Вам понравится такой ход, если запутанные и закрученные наброски отражают суть вашего характера и помогают выразить отношение к жизни.

Секретный метод: дизайн в стиле детских калябушек

Роспись стен в этой комнате, выполненная Кристиной Джеффри, выглядит так весело и неформально, что вызывает улыбку и повышает настроение. Облицовка поверхностей довольно причудлива и напоминает переплетение веточек. Придумайте собственную каллиграфию или напишите на обоях письмо с помощью настоящего пера и чернил.

А такая завитая фигура из металла оживляет кирпичную стену над камином, являясь как бы персональной подписью строителей данного коттеджа.

Зачем проявлять сдержанность при наличии такого количества свободной площади? Так решили архитекторы компании «Ла Патра» и оснастили придомовую территорию особняка декоративной зеленью, по которой, благодаря жёсткой пластиковой сетке, даже могут ездить автомобили, в то время как и трава там отлично уживается. Для выполнения причудливого узора трафарет вырезали из сетки и заполнили песчаником.

Ещё один совет: как сделать водоворот

Когда дизайнер интерьера Раджи Радхакришнан ремонтировала свой дом, благодаря её прихоти вокруг простого светильника в библиотеке появились ручные расписные круги.

Вдохновением послужила живопись Ричарда Серра, а мотивацией стало желание, чтобы белый светильник выделился на потолке того же цвета. Таким образом, кружащиеся кольца мгновенно привлекают внимание в попытке сфокусировать взгляд.

Более смелая идея: когда подобные окружности обводятся жирными линиями, как на картине художника Аманды Фулька из Хьюстона, это производит ещё более мощное впечатление. Все остальные предметы как будто теряют своё значение на фоне подобного смелого заявления.

Ещё более необычный подход был использован Кэти Лайдон при оформлении столовой: двухцветное тонированное пространство имеет тематическое завершение в качестве круглого обеденного стола.

Как научиться вязать

Хотите создать ощущение движения в интерьере? Попробуйте нарисовать петли, как будто вы размотали клубок с нитками, чтобы приступить к вязанию. Согласитесь, что в данной кухне без узора плитка смотрелась бы скучновато?

А вот и ажурное украшение террасы, как будто обвитой белоснежными лозами винограда. Это уникальное оформление привносит очарование восточного колорита, добавляет интереса к внешнему виду дома, но и обеспечивает конфиденциальность, не препятствуя при этом проникновению во внутренние помещения солнечных лучей.

Преимущество в том, что, когда солнце пробивается внутрь, потрясающий по красоте шаблон отпечатывается на противоположной стене.

Улитка тоже вдохновляет

Ещё одно природное изобретение радует глаз и вызывает удивление – раковина улитки. Дизайнер интерьеров Скотт Каннингем и шеф-повар Дуглас Лич заимствовали данную модель для своего ресторана, расположив по спирали обычные окрашенные прищепки на одной из горизонтальных поверхностей.

В этом же стиле выполнена книжная полка в доме дизайнера Де Хассе, который использовал для её изготовления гибкие разноцветные полоски их ПВХ.

Подобная спиральная тематика часто используется ландшафтными специалистами для вертикального и горизонтального озеленения.

Автором изящной зелёной дорожки в маленьком дворике стала Кэтлин Шеффер.

Спец рисунок для дизайнеров, освоить навык специального рисунка на обучающих курсах для дизайнеров

Модельерский рисунок, или спец рисунок для дизайнеров – это базовый этап с которого начинается любая работа по созданию одежды. Этими навыками необходимо овладеть каждому, кто так или иначе собрался связать свою жизнь с дизайном, моделированием или конструированием одежды. Ведь даже качественно сшитая вещь никогда не будет смотреться гармонично и изысканно, если выполнена без учета пропорций, цветовой гаммы и стиля. Центр творчества «ФОРТУНА» проводит курс обучающих занятий, посвященных данному ремеслу.

Основные плюсы обучения у нас:

• материал построен по ступеням и дается по принципу возрастания сложности;
• специальный рисунок могут изучать как дизайнеры, так и люди без специальной подготовки;
• занятия проводит опытный педагог, член Союза Дизайнеров России;
• после окончания курсов есть возможность поступить в специальные вузы без вступительных экзаменов.

Посетив курс спец рисунка вы приобретете навыки создания целостного образа с учетом всех композиционных особенностей и условностей рисования фигуры. В нашем центре вы также можете обучиться дизайну и декорированию помещений (техника Терра), освоить безлекальный метод кроя или художественную обработку кожи.

Записаться на курсы, а также получить более подробную информацию об услугах нашего центра вы можете по телефонам: +7 (495) 947-70-86, +7 (903) 798-51-55. Освоив спец рисунок для дизайнеров вы сможете успешно развиваться дальше в этой профессии и даже открыть свое дело, связанное с изготовлением одежды.

Обучение построено по ступеням:

Черчение и основы композиции — 15 ч

1. Основы композиции предметной среды — 3 ч
2. Основы геометрического черчения при создании мотивов ткани. Графическая импровизация — 7 ч
3. Орнаментация ткани. Закономерности построения орнамента — 4 ч
4. Лабораторно – практическая работа на тему: «Оформление плоскости листа по законам композиции» — 1 ч
5. Лабораторно – практическая работа по теме: «Построение графических импровизаций с использованием цвета» — 4 ч
6. Лабораторно – практическая работа по теме: «Орнаментация ткани, закономерности построения орнамента» — 2 ч

Стилизация и условности в рисовании фигуры — 14 ч

1. Приемы построения фигуры по схемам. Пропорционально — конструктивные пояса, пластика фигуры — 2 ч
2. Построение силуэтных форм костюма — 2 ч
3. Лабораторно – практические работы по теме: «Приемы построения фигуры по схеме» — 5 ч
4. Лабораторно — практические работы по теме: Построение силуэтных форм костюма» -5ч

ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ПРОЕКТИРОВАНИЕ ОДЕЖДЫ — 45 ч

1. Вычерчивание деталей одежды с приемами геометрического черчения. Макетирование.- 4 ч
2. Прорисовка пластических свойств ткани на фигуре — 4 ч
3. Детали одежды в художественном проектировании костюма — 3 ч
4. Конструктивность и декоративность в проектирование костюма — 1 ч
5. Проектирование целостного образа костюма — 2 ч.
6. Лабораторно — практическая работа по теме: «Вычерчивание и макетирование отделок к изделиям» — 8 ч.
7. Лабораторно — практическая работа по теме: «Прорисовка пластических свойств ткани на фигуре — 5 ч.
8. Лабораторно — практическая работа по теме: «Детали одежды вxудожественном проектирование костюма» — 9 ч.
9. Лабораторно- практические работы по теме: «Конструктивность и декоративность в проектирование костюма» — 4 ч
10. Лабораторно практические работы по теме: «Проектирование целостного образа костюма» — 5 ч

Всего 74 часа

Курс ведет член Союза Дизайнеров России — Смольская Диана Владимировна

Роль и значение рисунка в профессиональной деятельности дизайнера Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

на уроках физики по школьному курсу физики, где предлагается иллюстрированный словарь физических терминов с использованием программной среды Adobe Dreamweaver. Разработанный ЭОР имеет следующую структуру:

• Титульный лист дисциплины

• Рабочая программа

• Техническая карта

• Конспект лекций

• Практические занятия

• Иллюстрированный словарь физических терминов

Библиографический список

• Контролирующий материал

• Список литературы

Наш иллюстрированный словарь физических терминов имеет не только текстовое представление терминов, но и графическую форму и элементы мультимедиа.

Использование авторского ЭОР позволяет повысить эффективность усвоения основного материала школьного курса физики для 7 — 11 классов, о чём свидетельствуют результаты опытно-экспериментальной работы в Республиканском центре дистанционного обучения детей-инвалидов.

1. Панюкова С.В. Использование информационных и коммуникационных технологий в образовании: учебное пособие для студентов высших учебных заведений Москва, 2010.

2. Поппер К.Р. Логика и рост научного знания. Составитель, общая редакция и вступительная статья В.Н. Садовского. Москва, 1983.

3. Волошина Т.П., Кашицин В.П., Молчанова О.П. Образование в эпоху новых информационных технологий. Москва, 1995.

4. Панкова Е.В. Использование электронных образовательных ресурсов (ЭОР) в образовательном процессе. Библиотеки и информационные ресурсы в современном мире науки, культуры, образования и бизнеса. Available at: http://www.gpntb.ru/win/inter-events/ crimea2013/disk/012.pdf

5. Земсков А.И. Электронные библиотеки: учебное пособие для студентов университетов культуры и искусств. Москва, 2004.

6. Листопад Н.И. Электронные средства обучения: состояние, проблемы и перспективы. Высшая школа. 2008; 6: 6 — 14.

7. Бородина Т.Ф. Применение электронных образовательных ресурсов в образовательном процессе вуза и определение их эффективности. Молодой учёный. 2014; 13: 241 — 243.

References

1. Panyukova S.V. Ispol’zovanie informacionnyh i kommunikacionnyh tehnologij v obrazovanii: uchebnoe posobie dlya studentov vysshih uchebnyh zavedenij Moskva, 2010.

2. Popper K.R. Logika irostnauchnogo znaniya. Sostavitel’, obschaya redakciya i vstupitel’naya stat’ya V.N. Sadovskogo. Moskva, 1983.

3. Voloshina T.P., Kashicin V.P., Molchanova O.P. Obrazovanie v ‘epohu novyh informacionnyh tehnologij. Moskva, 1995.

4. Pankova E.V. Ispol’zovanie ‘elektronnyh obrazovatel’nyh resursov (‘EOR) v obrazovatel’nom processe. Biblioteki i informacionnye resursy v sovremennom mire nauki, kul’tury, obrazovaniya ibiznesa. Available at: http://www.gpntb.ru/win/inter-events/crimea2013/disk/012.pdf

5. Zemskov A.I. ‘Elektronnye biblioteki: uchebnoe posobie dlya studentov universitetov kul’tury i iskusstv. Moskva, 2004.

6. Listopad N.I. ‘Elektronnye sredstva obucheniya: sostoyanie, problemy i perspektivy. Vysshaya shkola. 2008; 6: 6 — 14.

7. Borodina T.F. Primenenie ‘elektronnyh obrazovatel’nyh resursov v obrazovatel’nom processe vuza i opredelenie ih ‘effektivnosti. Molodoj uchenyj. 2014; 13: 241 — 243.

Статья поступила в редакцию 21.01.16

УДК 37.05

Kiselyova N.E., Cand. of Art Criticism, senior lecturer, Department of History of Russian and Foreign Arts, Altai State University

(Barnaul, Russia), E-mail: [email protected]

ROLE AND VALUE OF DRAWING IN PROFESSIONAL ACTIVITY OF THE DESIGNER. In the article art concepts, techniques and creative methods of famous masters of the fine arts in the context of historical development are considered. The basics of a concept «drawing» is defined. The technique of training in drawing in Ancient Greece, Renaissance is characterized. Specific techniques used in the Russian school of realistic drawing in XVIII-XIX centuries are revealed. The research reveals a role of drawing as technical training to professional activity of future graphic designers and stylists. Value of graphic disciplines for formation of the informative abilities of the designer inducing pupils to creative creation and an embodiment of deep ideas by disclosure and realization of a plan means of realistic drawing is defined. Training in drawing of art specialties fixes and develops volume and spatial vision of natural motive, understanding of any model as an integral and diverse form, ability to transfer a line, a stroke, tone on paper.

Key words: fine arts, drawing, techniques, history, creativity, design.

Н.Е. Киселева, канд. искусств., доц. каф. истории отечественного и зарубежного искусства Алтайского

государственного университета, г. Барнаул, E-mail: [email protected]

РОЛЬ И ЗНАЧЕНИЕ РИСУНКА В ПРОФЕССИОНАЛЬНОЙ ДЕЯТЕЛЬНОСТИ ДИЗАЙНЕРА

В данной статье рассматриваются художественные концепции, технические приёмы и творческие методы известных мастеров изобразительного искусства в контексте исторического развития. Определяется сущность понятия «рисунок». Охарактеризована методика обучения рисунку в Древней Греции, эпоху Возрождения. Выявлены специфические приёмы русской школы реалистического рисунка xVlII- XIX вв. Раскрываются роль рисунка как технической подготовки к профессиональной деятельности художника-дизайнера и стилиста. Определено значение графических дисциплин для формирования познавательных способностей дизайнера, побуждающих учащихся к творческому созиданию и воплощению глубоких идей путем раскрытия и реализации замысла средствами реалистического рисунка. Обучение рисунку художественных специальностей закрепляет и развивает объёмно-пространственное видение натурного мотива, понимание устройства любой модели как цельной и многообразной формы, умение передавать линией, штрихом, тоном, пятном на бумаге свое восприятие действительности.

Ключевые слова: изобразительное искусство, рисунок, технические приёмы, история, творчество, дизайн.

В настоящее время дизайн представляет собой особую сферу деятельности, связанную с формированием эстетически выразительной предметно-пространственной среды, обогащённой художественными приёмами, заимствованными из других сфер искусства. Рисунок, имея немаловажное значение в дизайне, довольно часто недооценивается в связи с компьютеризацией тех-

нологического процесса. Развивая целый пласт знаний, умений и навыков, занятия рисунком незаменимы в профессиональной деятельности дизайнера и имеют неограниченные возможности для развития творческих способностей студентов, для формирования художественного вкуса и художественных потребностей [1, с. 206]. Рисунок связывает академическое изобразительное

искусство и дизайна такими категориями как форма, пластика и пространство. Убедительное творчество, грамотное владение формой, понимание закономерностей пространства, профессиональное использование средств изобразительной выразительности и принципов создания композиции возможно лишь при вдумчивом и последовательном подходе к разработке любых видов дизайна, знании исторического аспекта становления и развития рисунка. Следовательно, возникает необходимость анализа исторического аспекта развития и становления рисунка и выявления специфики его применения в дизайнерской деятельности.

Рисунок — это изображение, нарисованное при помощи графических средств — точки, линии, штриха, прямой. Своё начало искусство рисунка берёт ещё со времён палеолита, с первых изображений животных, высеченных на камнях, костях, нарисованных в пещерах. Из истории известно, что рисунок появился как средство общения между людьми задолго до письменности, в дальнейшем на его основе развивалось рисунчатое письмо. От искусства древних цивилизаций и до нашего времени учеба изобразительному искусству всегда начинается с рисунка. Рисунок является основой не только графики, но и других видов изобразительного искусства.

Начало теоретического обоснования правил рисования принадлежит египтянам, установивших определенные каноны в изобразительном искусстве. Обучение технике рисования в Древнем Египте осуществлялось по двум направлениям. С одной стороны, вырабатывалось свободное движение руки, чтобы ученик мог легко наносить кистью главные контурные линии на поверхность доски или папируса. С другой — ученик должен был иметь крепкую и твёрдую руку, чтобы уверенно выцарапать контур рисунка на стене для фрески, на камне для барельефа и др.

Древнегреческие художники при разработке своих канонов исследовали человеческое тело. Они утверждали, что сущность прекрасного заключается в стройном порядке, симметрии, в гармонии частей и целого. Художники Греции старались изобразить реальный мир как можно точнее, поэтому в основу метода обучения рисунку было положено рисование с натуры. В эпоху Римской империи само изобразительное искусство, а значит и рисунок, приняло как бы прикладной характер. Поэтому при обучении рисованию преобладало копирование образцов, повторение приемов работы древних греков. Средневековое изобразительное искусство отвергало реалистические тенденции, если они не отвечали религиозному сюжету. Рисунок был направлен не на точность передачи натуры, а на её эмоциональное, духовное состояние [2, с. 14].

Все разновидности технических приемов рисунка, дошедшие до нашего времени в основном сложились в эпоху Возрождения в Италии. Уже тогда в рисунке применялись свинцовые, серебряные и другие металлические грифели (штифты), графит, итальянский карандаш, сангина, уголь, мел, пастель, а также акварель и белила. Рисовали гусиными и тростниковыми перьями, кистями на белой бумаге и бумаге разнообразных цветов тонированной и грунтованной. Всё это привело к исключительному богатству художественных и технических приёмов.

Техника рисунка, сложившаяся в эпоху Возрождения, оказала сильнейшее влияние на последующие поколения художников и стала основой для многих художественных школ, которые выработали свои технические и художественные приемы работы теми же материалами. Строгую, линейную манеру рисунка вырабатывали художники Возрождения, принадлежавшие к флорентийской и римской школам: А. Матеньи, Леонардо да Винчи, Микеланджело.

В эпоху Возрождения открывались законы перспективы, закладывались практические основы отображения технической информации новыми графическими способами. Великим Леонардо да Винчи в наследство потомкам были оставлены графические изображения летательного аппарата, метательных машин. Они были выполнены особым способом, который его современники называли «конической перспективой». Этот способ не потерял свою актуальность и по сей день. В настоящее время он называется «линейной перспективой» и используется в архитектуре, рисунке, живописи, дизайне. Венецианские художники, напротив, рисовали в свободной манере, например Тициан, Паоло Вероне-зе, Якопо Тинторетто предпочитали использовать легкий живописный штрих и пятно. Великими мастерами линейного рисунка, выполненного серебряным штифтом, были Ян ван Эйк, Альбрехт Дюрер, Рафаэль и другие. Художником, блестяще владеющим графитным карандашом, в первой половине XIX века был французский художник Жан Огюст Доминик Энгр [3, с. 28].

Русская школа XVIII и XIX веков также внесла много нового в технику рисунка. Виртуозно владели рисунком О. Кипренский, К. Брюллов и ряд других учеников Академии художеств. Они часто выполняли работы на слегка желтой или голубой бумаге с использованием её тона, что избавляло рисунок от излишней перегруженности листа. Учебные рисунки этих художников украшают в настоящее время крупные музеи изобразительного искусства.

Рисунки русских мастеров А. Лосенко, А. Иванова, И. Репина и многих других дают прекрасные примеры различных приёмов использования материала. И. Репин любил выполнять остропсихологические рисунки графитным карандашом и использовать в них растушку. Из рисунков углем на холсте интересен «Портрет Элеоноры Дузе». Художник применил в нем разнообразные технические приёмы: то уголь кладётся плашмя, особенно при изображении одежды и фона, и слегка растирается, то работа ведется свободным, широким штрихом. Репин очень умело передаёт фактуру платья, кресла, волос с помощью угля и шероховатой поверхности холста [4, с. 31].

Русские художники второй половины XIX века развили и широко использовали в своем искусстве технику соуса как сухого, так и мокрого, когда он разводится водой, подобно акварели. Рисунки В. Серова, Б. Кустодиева, В. Борисова-Мусатова, М. Врубеля представляют собой образцы мастерского сочетания разнообразных рисовальных материалов в одном листе. В. Серов, работая над «Портретом О.К. Орловой», применил уголь, сангину и цветные карандаши. Художник использовал почти все употреблявшиеся в его время художественные материалы, извлекая из них максимальные возможности, необходимые для создания произведения. Ему удалось добиваться простоты и общей гармонии тона, несмотря на сложную технику исполнения. Обладавший высоким мастерством, виртуозной техникой и тонким вкусом, Серов создал немало великолепных рисунков. Особую манеру наложения штрихов М. Врубелем невозможно спутать с почерком другого художника. Чтобы он не изображал -розу в стакане, пейзаж, ребёнка в кроватке — нервные, угловатые, перекрещивающиеся врубелевские штрихи безошибочно узнаются.

Пером, как инструментом рисования, охотно пользовались великие мастера всех поколений Леонардо да Винчи, Микелан-джело, Тициан, Дюрер, Рембранд, Доре, И. Репин, В. Серов, М. Врубель и многие другие. Они оставили нам неповторимые и бесконечно разнообразные перовые рисунки. Обычно рисовали чернилами, тушью, сепией (краской коричневого цвета) на гладкой плотной белой или тонированной бумаге. Часто сочетали технику работы пером и кистью. Приёмы перового рисунка разнообразны, их создавали выдающиеся мастера западноевропейского и русского искусства. Рисунок пером требует от художника точности и уверенности, так как почти невозможно внести исправления.

Таким образом, у каждой эпохи и каждого художника был свой излюбленный инструмент и материал для рисования, который более всего соответствовал его художественному мировосприятию. Так, поздней готике и раннему Ренессансу свойственны чисто линейные инструменты: металлический грифель и перо. В эпоху Высокого Возрождения перо продолжает играть важную роль, но не столько для выделения контура, сколько для штриховки, лепки формы. Вместе с тем происходит обращение рисовальщиков к итальянскому карандашу и сангине (то есть к светотени), а во второй половине XVI века увлечение сочетанием пера и кисти (лавис) свидетельствует о том, что линия и лепка формы в рисунке начинают уступать место пятну, тону. Может показаться, что для рисовальщиков XVII века нет излюбленной техники — всеми они владеют с одинаковой охотой и совершенством. Но если присмотреться поближе, то станет ясно, что всеми техниками рисунка они владеют так, как будто рисуют кистью. Наконец, в XVIII веке явно преобладает многокрасочная техника, и чаще всего в «три карандаша». Таким образом, ясно намечается развитие от линии к пятну и тону [5, с. 204].

Это свидетельствует о том, что у рисунка есть все неисчерпаемые стилистические и тематические возможности. Рисунок, с одной стороны, есть вспомогательное средство живописца, скульптора, дизайнера, с другой стороны — совершенно самостоятельное средство выражения, могущее воплощать глубокие идеи и тончайшие нюансы чувств. Быстрая и послушная техника рисования выявляет органическое сотрудничество руки художника и его фантазии. Ни одна художественная техника не способна воплотить столь непосредственно свежесть и интенсивность выдумки или мимолетность впечатления, как рисунок.

Богатый материал для изучения техники рисунка мировой и русской школ находится в крупнейших художественных музеях. Художники XX и XXI века продолжают развивать традиции русской школы реалистического рисунка и создают много нового в области свободного, островыразительного, экспрессивного, нарушающего традиционные нормы рисунка авангардных направлений.

В настоящее время профессия «дизайнер» интегрирует в себе научное и инженерно-техническое знание со способностью художественно-образной интерпретации проектных ситуаций. Это своеобразный сплав искусства и инженерных знаний. «Сегодня российскому рынку нужны не просто дизайнеры интерьеров или графические дизайнеры, а, прежде всего — конкурентоспособные, социально и профессионально мобильные личности, готовые и способные мыслить проектно, ориентироваться в информационных потоках, решать концептуальные задачи, иметь осознанные цели и ценности» [6, с. 82].

Рассматривая роль и значение рисунка в дизайнерской деятельности, следует отметить, что рисунок для дизайнера является основным средством выражения замысла, первым и начальным этапом в создании проекта или вещи. Являясь путем раскрытия и реализации замысла, процесс рисования является генератором профессиональной культуры дизайнера. Освоение графических дисциплин определяет положительное влияние на процесс формирования познавательных способностей дизайне-

Библиографический список

ра, расширяя круг используемых мыслительных средств и умственных операций, что, в свою очередь, повышает адаптивные профессиональные возможности будущего специалиста.

Таким образом, рисунок служит технической подготовкой специалиста художественной профессии к творческому созиданию. Обучение рисунку художественных специальностей закрепляет и развивает образное видение натурного мотива, умение воспринимать и изображать конструктивную основу, форму предметов, головы и фигуры человека. Студенты должны обладать объемно-пространственным видением натурного мотива, пониманием устройства любой модели как цельной и многообразной формы, умением передавать линией, штрихом, тоном, пятном на бумаге свое восприятие характерного, впечатляющего, эстетически совершенного явления [7, с. 68].

В результате освоения основ рисунка студенты овладевают методами аналитического рисунка в мастерской и приёмами коротких зарисовок, набросков, эскизов от общего к определению частностей, от частностей через изучение деталей к освоению законченного рисунка, обладающего художественными достоинствами. В процессе систематического освоения художественных приёмов, совершенствования своего образного видения окружающего мира, в процессе преодоления трудностей с воплощением своих эмоциональных впечатлений и размышлений на плоскости бумажного листа формируется мировоззрение, мироощущение художника-дизайнера, дизайнера-стилиста.

1. Свиридов Д.А. Развитие у будущих дизайнеров интереса к пластическому решению формы на занятиях по рисунку. Омский научный вестник. 2011; Выпуск № 4-99: 205 — 207.

2. Ростовцев Н.Н. Академический рисунок. Москва: Книга по требованию, 2012.

3. Серов А.М. Рисунок: учебное пособие для педагогических институтов. Москва: ЭКСМО — Пресс, 2002.

4. Киселева Н.Е. Рисунок: учебное пособие. Барнаул. Издательство: АлтГУ, 2013.

5. Киселева Н.Е., Шокорова Л.В. Декоративная композиция как средство развития креативного мышления дизайнеров. Исторические, философские, политические и юридические науки, культурология и искусствоведение. Вопросы теории и практики. Тамбов: Издательство Грамота, 2014; 9 (47): 203 — 205.

6. Зорина А.Ю., Быстрова Т.Ю. Модель взаимодействия профессиональных компетенций в дизайн-образовании: на примере дисциплины «Рисунок». Академический вестник УралНИИ проект РААСН. 2011; Вып. 4: 82 — 85.

7. Шокорова Л.В. Духовно-нравственный потенциал народного искусства и проблемы его реализации в современных социально-культурных условиях. Мир науки, культуры, образования. Горно-Алтайск. 2009; 4: 66 — 69.

References

1. Sviridov D.A. Razvitie u buduschih dizajnerov interesa k plasticheskomu resheniyu formy na zanyatiyah po risunku. Omskij nauchnyj vestnik. 2011; Vypusk № 4-99: 205 — 207.

2. Rostovcev N.N. Akademicheskijrisunok. Moskva: Kniga po trebovaniyu, 2012.

3. Serov A.M. Risunok: uchebnoe posobie dlya pedagogicheskih institutov. Moskva: ‘EKSMO — Press, 2002.

4. Kiseleva N.E. Risunok: uchebnoe posobie. Barnaul. Izdatel’stvo: AltGU, 2013.

5. Kiseleva N.E., Shokorova L.V. Dekorativnaya kompoziciya kak sredstvo razvitiya kreativnogo myshleniya dizajnerov. Istoricheskie, filosofskie, politicheskie i yuridicheskie nauki, kul’turologiya i iskusstvovedenie. Voprosy teorii i praktiki. Tambov: Izdatel’stvo Gramota, 2014; 9 (47): 203 — 205.

6. Zorina A.Yu., Bystrova T.Yu. Model’ vzaimodejstviya professional’nyh kompetencij v dizajn-obrazovanii: na primere discipliny «Risunok». Akademicheskij vestnik UralNII proekt RAASN. 2011; Vyp. 4: 82 — 85.

7. Shokorova L.V. Duhovno-nravstvennyj potencial narodnogo iskusstva i problemy ego realizacii v sovremennyh social’no-kul’turnyh usloviyah. Mir nauki, kul’tury, obrazovaniya. Gorno-Altajsk. 2009; 4: 66 — 69.

Статья поступила в редакцию 24.01.16

УДК 378:78.01

Krasovskaya E.P., Сand. of Sciences (PedagogY), senior lecturer, Professor, Department of Musical and Performing Arts

in Education, Moscow State Pedagogical University (Moscow, Russia), E-mail: [email protected]

PROGRAMMABILITY AS A REALIZATION OF THE IDEA OF THE ART INTERACTION IN FERENZ LIST’S ART: METHODICAL-THEORETICAL ASPECT. The different aspects of using an idea of the art interaction with a view to enriching of the musical image contents by F. List are considered. The special aspects of List’s approach to the implementation of programmability as realization of the idea of the integration of the different fields of artistic vision of reality (music, literature, painting, sculpture, architecture, theatre) are reviewed. The basic tutorial methods used by List to realize the idea of the art interaction in a composer’s art, performing art, pedagogical work are marked out. It is noted that in the modern practice of instrumental education the insufficient attention has been given to an analysis of specific characteristics of the program sound image as a phenomenon appeared as a result of an integration of music and the other kinds of artistic creativity. The author concludes on the need to use the musical and pedagogical heritage of List to improve the methodology of instrumental education of the music students.

Key words: Ferenz List, romanticism, music image, art interaction, program music, composer art, performing art, pedagogical work, interpretation of program music artworks, pedagogy of musical education, instrumental education of students.

Е.П. Красовская, канд. пед. наук, доц., проф. каф. музыкально-исполнительского искусства в образовании

Московского педагогического государственного университета, г. Москва, E-mail: [email protected]

Почему дизайнер должен уметь рисовать?

Главная > О Центре > Публикации

Должен ли дизайнер уметь рисовать? Многие из тех, кто хочет стать дизайнером задают этот вопрос как в интернете, так и мне лично. И ответ на него важен не только для дизайнера, но и для всех тех, кто с ними работает: коллег и руководителей. Он, как мне кажется, важен для любого, кто работает в любой из популярных графических программ (Photoshop, Illustrator и др.) и хочет, чтобы созданные им изображения привлекали внимание, вызывали эмоции, повышали продажи, да просто влияли на зрителей.

 

С одной стороны, есть множество компьютерных программ для дизайнеров, клипартов, которые можно использовать для работы, и вроде бы этого достаточно. Однако дизайнер должен уметь рисовать, и мы попробуем обосновать почему.

 

Зададим себе вопрос:

 

 

 

 

Что делает дизайнер? 

Создание новых объектов

Дизайнер – это человек организующий пространство, среду. Это его главная системообразующая функция. Дизайнер аккумулирует культурные ценности, объекты реальности и организует их неким образом, направляя внимание зрителя в нужное русло, на то, что считает нужным, чтобы это воспринималось позитивно, интересно, что бы сформировался некий образ. Получается, что для создания новых объектов ему рисовать вроде как и не нужно, а нужно уметь генерировать новое из того, что есть в наличии. 

 

Создание новых процессов. 

Например, дизайнер придумал новый инструмент. И с этим инструментом можно совершать какие-то новые действия. Допустим, дизайнер придумал чайник с двумя носиками и взаимодействие пользователя с этим чайником будет уже другим, в отличие от обычного чайника. Более наглядный пример: смартфон. Мы знаем, как в смартфоне нужно взаимодействовать пальцами на экран, чтобы получить тот или иной результат. Эти процессы тоже разрабатывает дизайнер. Для этого тоже не нужно рисовать. 

 

Оптимизация привычных процессов

Дизайнер берет существующие процессы и делает их качественнее, легче и удобнее. На самом деле, это главная функция дизайнера. Существует привычное, немножко даже обывательское представление, что дизайнер рисует картинки (для журнала, сайта и пр.). На самом деле дизайнер организует и оптимизирует процессы. Рисует иллюстратор, художник, но дизайнеру, опять получается, рисовать, вроде как, необязательно.

 

Создание культурных ценностей

В самом простом значении культурная ценность – это картинка, рисунок. Но в рабочем смысле – это любое произведение рук человеческих от станка до здания. И тут снова так выходит, что дизайнеру рисовать не нужно, потому что тот же станок, к примеру, должен быть эргономичным, но для этого не нужно рисование. 

 

Получается парадокс: мы утверждаем, что дизайнер должен уметь рисовать, но для выполнения своих задач дизайнеру оказывается рисование не нужно. 

Попробуем подойти к этому вопросу с другой стороны: 

Зачем люди рисуют? 

Творческая самореализация

Потребность в самореализации есть у каждого и это, пожалуй, первая причина по которой люди хотят рисовать. 

Люди рисуют с детства

Рисование – очень важная часть образовательная процесса, и именно поэтому рисование есть и в детском саду, и в школе, хотя очень немногие потом становтяся художниками. Рисование развивает наблюдательность, зрительную память, образное мышление, воображение,  пространственные представления,умение воплощать увиденное на бумаге (очень сложный биологический процесс), наконец, оно формирует массу физиологических навыков вроде точности движения руки и пр.

Итак,

Фиксация реальности

В эпоху, когда не было фотоаппаратуры, рисование было пожалуй единственным способом передать пейзаж или портрет человека. Но дело не только в этом. Приведу пример из мультипликации. Когда я работал на киностудии «Союзмультфильм», нам поступил заказ из США на создание рекламного ролика для спортивной команды. Я поинтересовался, почему же они заказли его нам, ведь в США есть масса студий с великолепным оборудованием, которое нарисует гораздо быстрее и точнее человека. Ответ был следующим. Естественно, машина рисует точнее и быстрее (человеческая рука хоть немного, но дрожит). Но для глаза идеально выверенный, сделанный программными средствами рисунок выглядит сухим и механистичным, а вот написанный от руки, воспринимается живым. И именно поэтому американцы отправились на тогда еще советскую студию и платили намного дороже, чтобы «дыхание жизни» чувствовалось в каждой картинке. Иными словами, даже для современного человеке возможность фиксации изображений с помощью рисунка остается очень актуальной. 

Зачем дизайнеру рисовать?

Ясность представления

Дизайнер, который не умеет рисовать не может визуально мыслить, у него нет ясности представления. Он представляет, что нужно делать, но как это реализовать не понимает. Приведу опять пример из собственной практики. У меня на многих курсах, например «Дизайн рекламы», «Полиграфический дизайн», «Допечатная подготовка» и др., есть творческие работы. И когда слушатели их приносят, то хорошо видно, что даже критиковать некоторые работы нельзя: настолько плохо они сделаны. И когда я начинаю осторожно выяснять: а что человек собственно имел в виду, создавая эту работу, каков замысел? В 100% случаев человек говорит: я не знаю, было настроение, и я сделал.  То есть отсутствие ясности мышления приводит к тому, что отсутствует ясность образа. 

Но ведь дизайн – это преобразование среды. Тогда какое же может быть преобразование реальности, откуда возьмется удобство пользования созданным предметом, если человек не понимает зачем это нужно, как это используется и что должно получиться в итоге? 

 

 

 

Видение композиции

Во всех художественных вузах есть три фундаментальных предмета, вокруг которых крутится всё обучение: рисунок, живопись, композиция. Композиция – это умение комбинировать различные элементы, чтобы получить эмоционально насыщенный ряд. Если наш дизайн ничего не выражает, если потребитель нашего дизайнерского продукта никак эмоционально не затронут, то зачем нужен этот продукт (а в более широком смысле, зачем нужен дизайнер)? Каждый рисунок строится от композиции. Сначала строится эскиз, компонующий элементы рисунка на листе, выделяющий главное и второстепенное. а уже по нему делается рисунок. Есть множество правил композиции и все они связаны с умением рисовать.  

Прежде чем рисовать на компьютере нужно все-таки научиться рисовать руками. Потому что моторика человека так устроена, что когда он рисует что-то на компьютере мышкой, пусть даже обычный квадрат, то не чувствует его пространственного расположения. И только когда перед вами лежит лист бумаги, и вы водите по нему рукой, именно тогда вы будете чувствовать композицию, т.к. мозг начинает строить в вашем воображении этот рисунок. Поэтому надо уметь рисовать именно от руки, и именно на бумаге. 

 

 

Образная выразительность

Существуют некоторые выразительные средства и одно из основных – штрих. С его помощью в рисунке можно передать что угодно: эмоцию, светотень, пространство, то что ближе или дальше, светлее или темнее, фактуру, качество предметов. То есть, давая команду руке, мы создаем максимально выразительный образ. 

Это очень хорошо заметно, когда человек, умеющий рисовать, показывает сделанные им фотографии.  Человек не умеющий рисовать просто фотографирует. Рисующий человек умеет передать то, что он видит: текстуру камня на переднем плане, шелковистость травы, бег воды в ручье. Он чувствует мир так, как иным образом не почувствуешь. 

 

Понимание пространственных и светотеневых особенностей

Рисуя, художник понимает пространственные и цветотеневые особенности объекта. Я много занимаюсь дизайном рекламы и вижу, как много, к сожалению, выпускается рекламной продукции, дизайнеры которой не понимают, что такое тень. Например, в фотошопе есть функция «Эффекты слоев»: всякого рода тени, маленькие выпуклости, которыми начинающие дизайнеры любят украшать свои работы. Но их использование показывает лишь то, насколько дизайнер беспомощен.

Когда дизайнер не знает, как отделить цвет от фона, как решить проблему композиционно, сделать выразительно, он начинает использовать всякого рода «примочки», которые как ему кажется решают этот вопрос. На самом деле они ничего не решают, а создают только лишний шум, лишнюю реальность на изображении. 

Вот собственно те принципиальные вещи, которые и отличают «рисующего» дизайнера от «нерисующего». 

 

Приходите, друзья, 

 

 

Порисуем

 

 

Искренне ваш, Дмитрий Красновский. 

28.09.2018

Ближайшие группыСортировать:по датепо возрастанию ценыпо убыванию ценыпо популярностипо новинкампо скидке

Главная > О Центре > Публикации

Просмотрите прекрасные рисунки дизайнеров, которые все еще работают вручную

Джон Гачот, Gachot Studios

Некоторые хорошо зарекомендовавшие себя профессионалы в области дизайна интерьеров обращаются к корням своей творческой личности. «Я художник и часто рисую в свободное время, поэтому включение этого в мою дизайнерскую практику происходит естественным образом», — говорит Джон Гачот, соучредитель с женой Кристин из фирмы Gachot Studios AD100. «Свобода воображения проистекает из такой гибкой среды, которая полезна при проектировании комнаты, предмета мебели или даже небольшой архитектурной детали.Также существует более глубокая, человеческая связь с готовым продуктом », — делится он.

Рисунок Стивена Алеша

Стивен Алеш, Роман и Уильямс

Пышные и замысловатые рисунки, которые создает Стивен Алеш, являются важным элементом разнообразной продукции AD100 фирмы Roman and Williams и используются в тандеме с современными ресурсами. «Для большинства проектов в RW я буду рисовать от руки в перспективе и планы этажей первоначальной концепции», — говорит он.Они становятся все более активными по мере продолжения работы и в конечном итоге становятся ключевым компонентом при создании чертежей САПР, строительной документации и рабочих чертежей. По сравнению с очень реалистичными изображениями, которые могут быть «слишком много информации слишком рано», ручные рисунки «облегчают понимание вещей и оставляют место для корректировки». Настоящее колдовство, которое мы ищем, исходит от тихого времени за чертежным столом и от того, что рука решает делать ». На этом чертеже 2005 года Top of the Standard в Нью-Йорке, также известном как Boom Boom Room, показано, что, как вспоминает Алеш, можно было бы сделать на начальной и средней стадии разработки.

Рисунки Айка Клигермана Баркли

Станьте участником AD PRO

Купите сейчас, чтобы получить неограниченный доступ и все преимущества, которые могут испытать только участники.

Arrow

Марджи Лавендер, Айк Клигерман Баркли

«Рисование от руки — важная и почитаемая часть процесса проектирования Айка Клигермана Баркли. Это дает нам свободу исследовать идеи плавно и органично, прежде чем мы увлечемся технической детализацией проекта », — говорит Марджи Лавендер, старший архитектор IKB, фирмы AD100, базирующейся в Нью-Йорке и Беркли, Калифорния.«Рисунок от руки вызывает больше воспоминаний, чем цифровая визуализация, и он оставляет пространство для воображения как архитектора, так и клиента. Это инструмент, который мы используем вначале, чтобы донести наши концептуальные идеи до клиента, но также тот, который мы используем внутри компании на протяжении всей работы в качестве условного обозначения для решения задач проектирования ».

10 чертежей, изменивших архитектуру

Архитекторы: Продемонстрируйте свой следующий проект через Architizer и подпишитесь на нашу вдохновляющую новостную рассылку .

Архитектурный рисунок — это акт общения. Создавая как видение того, что могло бы быть, так и детализируя технические отношения проектирования и строительства, архитекторы используют чертежи как способ исследовать, выражать и делиться своими идеями. Исходя из базовой концепции архитектуры как убежища, теперь существует бесчисленное множество определений того, что должна обеспечивать застроенная среда. В свою очередь, эти определения непрерывно формируются рисунками.

Если посмотреть на историю, рисунки использовались на протяжении тысячелетий как способ представить новые реальности и переосмыслить мир вокруг нас.Но они также изменили саму архитектуру. Когда они были завершены, следующие 10 рисунков отражали радикально новые архитектурные теории, открывая концепции, которые будут играть ключевую роль в диалоге между профессионалами на долгие годы.

Когда вы обдумываете, какие из ваших рисунков представить для участия в первом конкурсе One Drawing Challenge — конкурсе архитектурных идей с главными призами в размере 2500 долларов, — вдохновляйтесь одними из самых влиятельных рисунков за последние 250 лет:

Пиранези, Офорт из серии: Воображаемые тюрьмы

Серия тюрем Пиранези, 1750

В живописи каприччио — это произведение, в котором придумывается часть или весь предмет, и обычно фокусируется на архитектуре.Стиль каприччио развивался как вид искусства в Венеции начала восемнадцатого века под влиянием итальянского театра. Каприччио не предназначено для представления реальности, а скорее для того, чтобы предоставить зрителю интересный образ, основанный на реальности. Джованни Баттиста Пиранези (1720–1778) был итальянским художником, наиболее известным благодаря сотням офортов, включая виды Рима, Помпеи и его серию «Le Carceri d’Invenzione» или «Воображаемые тюрьмы».

Пиранези создал вариацию на тему каприччи, полностью основанную на его воображении, а не на хорошо известных памятниках.Тюрьмы были опубликованы в 1750 году, и примерно десять лет спустя он переработал и переиздал их. Опираясь на его театральный опыт, эти сцены вызывали в воображении вымышленный мир непосредственно из разума художника и могли рассматриваться как предзнаменование современных концептуальных визуализаций.

Кенотаф для Ньютона Этьена-Луи Булле

Кенотаф для Ньютона Этьена-Луи Булле, 1784

Этьен-Луи Булле отверг витрувианское представление об архитектуре как о строительном искусстве, написав, что «чтобы воплотить в жизнь, сначала необходимо зачать… Этот продукт ума, этот процесс творчества составляет архитектуру…» .Булле продвигал идею сделать архитектуру выражающей свое предназначение. Он создал видение кенотафа в честь сэра Исаака Ньютона, которое, возможно, вдохновило многие будущие образцы монументальной архитектуры. Созданный серией рисунков тушью и стиркой, мемориал был одним из многочисленных рисунков, созданных им в конце восемнадцатого века и включенных в свой трактат «Архитектура», essai sur l’art.

Предлагаемое здание представляет собой сферу высотой 500 футов, окруженную двумя большими плинтусами с сотнями кипарисов.Хотя здание так и не было построено, в 1784 году у Булле было много рисунков тушью и тушью, которые широко распространялись среди профессиональных кругов. Использование света в дизайне здания заставляет интерьер здания менять свой внешний вид днем ​​и ночью. Это легче всего понять в серии отрывков, созданных Булле из кенотафа.

Антонио Сант’Элиа | Ла Читта Нуова (1914)

La Citte Nuova Антонио Сант’Элиа, 1914

Антонио Сант’Элла был итальянским архитектором, известным своими дальновидными рисунками города будущего.В 1912 году он начал заниматься архитектурой в Милане, где стал участником футуристического движения. Между 1912 и 1914 годами он сделал много творческих рисунков и планов утопических городов. Группа этих рисунков, названная Città Nuova («Новый город»), была представлена ​​в мае 1914 года на выставке группы Nuove Tendenze, членом которой он был.

Сотни сохранившихся рисунков Сант’Элии изображают различные виды высокомеханизированного и промышленно развитого города с небоскребами и многоуровневым движением транспорта.Коллекция этих рисунков находится в постоянной экспозиции на Вилле Ольмо, недалеко от Комо. Его работа исследует модернизацию через призму футуристов. В основе La Citta Nuova лежит оптимизм в отношении способности человечества изменить мир к лучшему с помощью инженерных разработок.

Дом-ино Ле Корбюзье, 1914-1915 гг.

Дом Дом-Ино Ле Корбюзье, 1915

Дом-Ино Дом — это строение открытой планировки, спроектированное как прототип для массового производства жилья.Название представляет собой каламбур, который сочетает в себе намек на домус (латинское слово «дом») и игру в домино. План этажа имел буквальное сходство с игровыми фишками, и единицы могли быть выровнены в ряд, образуя ряды рядных домов разного рисунка.

Модель

Корбюзье предлагала конструкцию, состоящую из бетонных плит, поддерживаемых минимальным количеством тонких железобетонных колонн по краям, с лестницей, обеспечивающей доступ к каждому уровню плана этажа. Каркас должен был быть полностью независимым от планов этажей, что давало свободу при проектировании внутренней конфигурации.В модели исключены несущие стены и опорные балки потолка. Чертеж и изображенный на нем дизайн легли в основу открытых планов и фасадов навесных стен, характерных для современной архитектуры.

Ville Radieuse: Функционалистский план Ле Корбюзье для утопического «сияющего города»

Ville Radieuse, Ле Корбюзье, 1924

В 1920-х годах Ле Корбюзье потерял доверие к крупному бизнесу, чтобы реализовать свои мечты об утопии, представленные в Ville Contemporaine и Plan Voisin.Под влиянием идей линейного города Артуро Сориа-и-Мата и теорий синдикалистского движения он сформулировал новое видение идеального города — Ville Radieuse. Это была утопическая мечта объединить людей в упорядоченной среде как план социальной реформы.

В отличие от радиального дизайна Ville Contemporaine, Ville Radieuse был линейным городом, основанным на абстрактной форме человеческого тела с головой, позвоночником, руками и ногами. В проекте сохранена идея многоэтажных жилых домов, свободного движения и обильных зеленых насаждений, предложенная в его более ранней работе.Как показано на его перспективном чертеже, жилые блоки были выложены длинными линиями, входящими и выходящими. Они были застеклены и подняты на пилотах, с террасами и беговыми дорожками на крышах.

Plug-In City от Питера Кука, любезно предоставлено Archigram

Plug-in City Питера Кука для Archigram, 1964

Plug-in City — это мега-структура без зданий, просто массивный каркас, в который можно вставить стандартные ячеистые жилища.В видении Кука «машина» взяла верх, и люди являются обрабатываемым сырьем, но, несмотря на эту антиутопическую предпосылку, люди должны получать удовольствие от этого опыта.

Рисунок был выполнен для Archigram, авангардной архитектурной группы, сформированной в 1960-х годах, которая была неофутуристической, антигероической и ориентированной на потребителей. Группа черпала вдохновение в технологиях, чтобы создать новую реальность, которая выражалась исключительно в гипотетических проектах. Рисунки основных участников группы — Питера Кука, Уоррена Чока, Рона Херрона, Денниса Кромптона, Майкла Уэбба и Дэвида Грина — по-прежнему имеют большое влияние в теории урбанистики.

Манхэттенские стенограммы Бернарда Чуми

Манхэттенские стенограммы Бернарда Чуми, 1980

Манхэттенские стенограммы отличаются от большинства архитектурных чертежей, поскольку они не являются ни реальными проектами, ни простыми фантазиями. Разработанные в конце 70-х, они предлагали записать архитектурную интерпретацию реальности. С этой целью они использовали особую структуру, включающую фотографии, которые либо направляют, либо «становятся свидетелями» событий.

В то же время планы, разрезы и диаграммы очерчивают пространства и указывают движения различных главных героев, вторгающихся в эту архитектурную «сцену».Явная цель Транскриптов состояла в том, чтобы записать вещи, обычно удаленные от традиционного архитектурного представления, а именно сложные отношения между пространствами и их использованием, между набором и сценарием, между «типом» и «программой», а также между объектами и событиями. Эти типы изображений иллюстрируют, что архитектурные чертежи могут выйти за рамки представления трех измерений и включить их в четвертый раз.

Клуб отдыха «Пик», картина Захи Хадид

Пик Захи Хадид, 1983

Незастроенный проект The Peak в Гонконге, победивший в конкурсе, предназначался для спортивного клуба и спа.Строение было создано, чтобы фрагменты взорвались на склоне горы. В отличие от твердых единичных структур ниже, Пик не имел связного тела. Полуабстрактный гибрид рисунка и живописи позволяет нам увидеть, насколько нетипичны плоскости стен, пола и потолка, встречающиеся под странными углами, отличными от обычных 90 градусов.

Изображение дает нам представление о том, как Пик смотрел вниз на остальную часть города Гонконга, как он резко контрастировал с другими архитектурными сооружениями и как горный склон использовался почти как стартовая площадка.Его зазубренные края подходят к окружающей обстановке. Пик назван удачно, так как был создан как продолжение самой горы.

Геомагнитные летательные аппараты. © Поместье Леббеус Вудс

Архитектурные геомагнитные летающие машины Леббеуса Вудса, 1989

Хотя почти ни один из проектов Вудса не был реализован, он оставил после себя большое количество теоретических работ, рисунков, картин и моделей. Его работа была основана на экспериментальной архитектуре.Подобно случаю Пиранези или футуристическим наброскам Булле, Вудс представил свое собственное видение архитектуры и идей деконструктивизма. Он избегал практики, заявляя, что интересуется архитектурными идеями, а не повседневными проблемами коммерческого строительства.

Вместо подробных планов и моделей архетипического архитектора были сделаны перспективные рисунки Вуда, заставляющие задуматься, и в результате всплыли радикальные новые идеи. Архитектурные геомагнитные летающие машины были одним из многих рисунков, которые представляют собой совокупность работ, исследующих новые определения архитектуры.Его работы продолжают влиять на современные рисунки и проекты многих архитекторов по всему миру.

Александр Бродский и Илья Уткин, Горка с дырой (фрагмент), 1987–90

Холм с ямой Александра Бродского и Ильи Уткина, 1990

Бродский и Уткин начали визуальную критику, чтобы бросить вызов эстетике России и той искусственной среде, которая создавалась при их жизни. Их офорты напоминают о тревожных качествах Булле и Пиранези, но также опираются на работу и воображение таких дизайнеров, как Питер Кук и К.J Lim. Они придумывали на бумаге фантастические города и чудесные сооружения. С 1978 года и до конца своего сотрудничества в 1993 году Бродский и Уткин работали над офортами строительных лесов, классических куполов, огромных стеклянных башен и другой фантастической архитектуры.

В отличие от футуристических рисунков Леббеуса Вудса, их работы опираются на множество архитектурных, литературных и визуальных источников, от классической мифологии до научной фантастики. Они изображают вымышленные городские пейзажи как эклектичную смесь древних мавзолеев, ранних промышленных построек, неоклассических утопий и конструктивистских башен.В их работах современный мегаполис часто изображался как угнетающий и отчуждающий, отражая их опыт жизни в условиях тоталитарного режима.

Архитекторы: Продемонстрируйте свой следующий проект через Architizer и подпишитесь на нашу вдохновляющую новостную рассылку .

Верхнее изображение: Чертеж сечения кенотафа для Ньютона Этьена-Луи Булле, 1784

Проектные чертежи — Designing Buildings Wiki

Чертежи проекта используются для разработки и передачи идей по разрабатываемому проекту:

На ранних стадиях (во время тендерного процесса) они могут просто продемонстрировать клиенту способность конкретной проектной группы выполнить проектирование.Затем их можно использовать для:

Некоторые из этих чертежей традиционно не считаются «проектными», поскольку либо собственно проектирование еще не началось, либо проектирование уже фактически завершено. Однако почти все они будут включать в себя какой-то элемент исследования или разработки дизайна, иначе они не будут служить никакой цели.

В широком смысле чертежей подразделяются на:

Чертежи проекта будет развиваться в деталях, от блочных и массовых чертежей и эскизов до очень подробных технических чертежей, описывающих каждый компонент таким образом, чтобы их можно было сконструировать и эксплуатировать.

При разработке чертежей важно учитывать их цель, какую информацию они предназначены для передачи и кому они предназначены. Это определит их формат, содержимое, размер, масштаб и так далее. Например, проектные чертежи , подготовленные для неопытного клиента, могут быть очень четкими и представлять только необходимую информацию в масштабе и формате, которые клиент может легко просмотреть и поделиться. С другой стороны, чертежи для поставщиков могут быть очень подробными и в формате, который можно использовать для изготовления.

Чертежи дизайна могут быть подготовлены рядом различных практикующих специалистов, таких как; архитекторы, техники и технологи, инженеры-строители, инженеры-строители, инженеры по обслуживанию зданий, дизайнеры интерьеров, ландшафтные дизайнеры, подрядчики, субподрядчики, поставщики и так далее. Некоторые элементы могут сначала быть разработаны одним человеком или организацией, а затем приняты и разработаны другим.

Поэтому важно, чтобы они были тщательно интегрированы и скоординированы, чтобы гарантировать, что все элементы разработаны с соответствующим уровнем детализации в нужное время, и что проекты, подготовленные разными членами проектной группы, создают единый унифицированный набор информации, которая может быть построена без конфликтов между компонентами.

Обычно назначается ведущий дизайнер, роль которого включает интеграцию различных аспектов дизайна и их интерфейсов в общий дизайн. Среди прочего, это может включать:

В различных частях группы дизайнеров также могут быть менеджеры по дизайну с вспомогательной и координирующей ролью.

Подготовка чертежей Проект произвел революцию в связи с появлением сначала автоматизированного проектирования (САПР), а затем информационного моделирования зданий (BIM).BIM позволяет всей проектной группе совместно работать над разработкой единой интегрированной информационной модели (хотя на уровне 2 эта модель представляет собой «объединенную» комбинацию отдельных моделей). Однако принцип тот же, что и для традиционного дизайна, в том смысле, что модель начинается с передачи проектного замысла и будет развиваться, чтобы стать виртуальной строительной моделью.

На ранних этапах, вероятно, будут включены диаграммы масс или двухмерные символы для представления общих элементов проекта, а некоторые критические элементы будут разработаны более подробно.По мере развития проекта модель будет развиваться, и уровень детализации будет увеличиваться, включая, во-первых, объекты, основанные на общих представлениях, а затем конкретные объекты со спецификациями и операторами методов, прикрепленными вместе с информацией о выделении пространства для работы, доступа, обслуживания и т. Д. установка, замена и тд. В конечном итоге он будет содержать всю информацию, необходимую для того, чтобы объекты модели можно было изготавливать, устанавливать или строить, а затем эксплуатировать.

Отличие BIM от традиционных чертежей состоит в том, что для определения уровня детализации, необходимого для каждого элемента проекта на каждом этапе его разработки, прилагается много усилий.

См. Также Типы чертежей для проектирования зданий, где описаны различные форматы чертежей и проекции.

Советы дизайнерам по созданию UX и каркасных эскизов

Создание эскизов — это фундаментальная часть процесса проектирования. Часто это происходит в начале воронки проектирования и задает тон всему остальному процессу.Хотя наброски кажутся простыми, есть определенные способы сделать это эффективно. Эта статья предоставит вам всю информацию, необходимую для повышения уровня рабочего процесса UX-дизайна с помощью набросков.

Почему вам следует делать наброски

Основная идея создания набросков — найти лучшее решение проблемы. Создание эскиза до начала создания каркаса позволяет дизайнерам опробовать множество идей и повторять их, прежде чем остановиться на одной.

Как занятие, создание эскизов дает пять существенных преимуществ:

1.Генерируйте идеи

Наброски — отличное упражнение для мозгового штурма — оно поддерживает безотказный подход и является быстрым и дешевым способом генерировать множество идей. Незавершенность эскизов рождает новые идеи; когда мы зарисовываем свои мысли, мы автоматически пытаемся найти лучшее решение проблемы.

2. Визуализируйте идеи

Иногда вы можете подумать, что вам не нужно делать наброски, потому что у вас уже есть четкое представление о том, как вы хотите что-то построить. Но на практике действительно сложно что-то создать, когда идеи заблокированы в вашей голове.Только визуализируя идеи, вы сможете в деталях понять, как что-то должно выглядеть или работать.

Даже великие изобретатели, такие как Леонардо да Винчи, должны были набросать свои идеи, прежде чем строить их.

3. Общение по дизайну

Когда дело доходит до передачи дизайнерских решений, можно передавать идеи устно, но вербализация идей не очень практична. Когда мы объясняем концепции словами, мы предполагаем, что то, что мы говорим, будет понято другими людьми именно так, как мы это понимаем.К сожалению, это случается редко, потому что люди по-разному интерпретируют вещи. Когда вы объясняете, как что-то может выглядеть или работать, все, кто вас слушает, будут использовать свое воображение, чтобы интерпретировать ваши слова. В результате они могут по-разному понимать ваше решение. Это часто создает двусмысленность.

Поскольку зарисовки — это форма визуальной коммуникации, вы не будете заставлять людей почти так же полагаться на свое воображение, потому что каждый сможет понять, что вы имеете в виду.Создание эскизов устраняет двусмысленность и помогает достичь общего понимания. Как сказал Ле Корбюзье, один из самых влиятельных архитекторов 20 века: «Я предпочитаю рисовать разговорам. Рисование выполняется быстрее и оставляет меньше места для лжи ».

Эскизы Ле Корбюзье. Изображение любезно предоставлено Archidialog.

4. Лучшее сотрудничество

Вы можете использовать наброски, чтобы вызвать обсуждение. Эскизы позволяют команде обсуждать конкретные аспекты дизайна при рассмотрении идей. Они дают членам команды что-то, на что можно ссылаться и от чего отталкиваться.Команды могут быстро отфильтровать хорошие и плохие идеи.

Команда обсуждает дизайнерские идеи и эскизные решения. Изображение сделано Генеральной Ассамблеей.

Эскизы могут быть мощным инструментом для вовлечения заинтересованных сторон на ранних этапах процесса проектирования. Поскольку у эскизов низкий барьер для входа, они позволяют участвовать не дизайнерам. Не проектировщики и заинтересованные стороны могут использовать визуальное представление решения, чтобы сформулировать полный набор требований к проекту.

5. Более быстрые итерации

Создание эскизов позволяет быстро выполнять итерации вашего дизайна.Даже если у вас есть прототип с высокой точностью, можно быстрее проверить новые идеи с помощью эскизов, прежде чем вам придется вносить эти изменения в свой цифровой прототип.

Когда следует делать наброски

Хотя наброски можно использовать почти на любом этапе процесса проектирования продукта, они особенно полезны на ранних этапах, поскольку позволяют одновременно исследовать несколько направлений проектирования и определять правильный дизайн при минимальных затратах. Стоимость. Когда вы делаете набросок решения и вам не нравится то, что вы видите, вы можете просто выбросить эскиз в корзину и начать заново.

При создании эскизов нужно помнить две ключевые вещи.

Рисование — это не рисование.

Многие люди путают эскизы с рисунками. Это часто приводит к потенциально опасному неправильному пониманию того, что эскизы должны быть красивыми. Сосредоточение внимания на том, чтобы ваши наброски выглядели как профессиональные иллюстрации, — большая трата вашей энергии.

Хотя этот набросок, созданный Мэттом Корроллом, выглядит действительно великолепно, его можно рассматривать скорее как рисунок, а не как чистый набросок.

Очень важно помнить, что эскизы и рисунки — это не одно и то же. Создание эскизов — это получение идей и их анализ, а не создание произведения искусства.Таким образом, если ваш набросок может передать вашу идею, это хороший набросок.

Эскизы должно быть легко создавать и легко выбрасывать. Они могут плохо выглядеть и прекрасно работать. Изображение предоставлено Гарету Боте.

Создание эскизов — это не прототипирование

Другое распространенное заблуждение относительно создания эскизов состоит в том, что эскизы и прототипы с низкой точностью — это одно и то же. Хотя оба артефакта дизайна могут выглядеть одинаково и оба могут использоваться для иллюстрации концепций дизайна, это далеко не одно и то же.Эскизы и прототипы играют разные роли в процессе разработки продукта и должны использоваться на разных этапах. Эскизы обычно предшествуют созданию прототипов и имеют целью передать дизайнерские идеи в осязаемом формате. Позже на основе этого эскиза можно построить прототип с низкой точностью. Прототип, даже с низкой точностью, требует более значительных вложений, и дизайнеры не должны (а часто и не могут) создавать столько прототипов, сколько эскизов.

Бумажный прототип. Изображение от Google.

Как рисовать 101

Теперь, когда вы знаете, почему создание эскизов должно быть частью вашего процесса проектирования, давайте поговорим о том, как рисовать эскизы. Хотя жестких правил не существует, стоит помнить несколько ключевых моментов, необходимых для создания качественных эскизов.

Перед тем, как начать рисовать

Инструменты

Самое замечательное в рисовании — вам не нужно покупать что-то модное или дорогое. По сути, все, что вам нужно, — это ручки и бумага.

Ручки. Вам стоит обзавестись хорошими ручками разной толщины и фломастером.Я рекомендую купить Sakura micron 0,2 мм / 0,5 мм для создания тонких линий и деталей, перманентный маркер Sharpie для толстых линий и маркер, который будет использоваться для выделения элементов в ваших эскизах.

Чернильная ручка для блистерных карт Sakura micron. Изображение любезно предоставлено Amazon.

• Бумага. Хотя можно создавать приличные наброски с использованием обычной офисной бумаги, я предлагаю купить бумагу с пунктиром. Пунктирная бумага поможет вам более точно рисовать фигуры и макеты.

Вот несколько дополнительных инструментов, которые упрощают создание эскизов:

• Папка. Бумага — относительно хрупкое вещество, поэтому бумажные наброски легко повредить. Простая папка поможет вам сохранить их в безопасности.

• Лотки для бумаги. Лотки помогут вам сортировать бумагу. Я рекомендую приобрести лоток для трех букв и использовать его следующим образом: один лоток для чистой бумаги, один лоток для незаконченных эскизов и один лоток для готовых эскизов.

Поднос с тремя буквами поможет вам систематизировать свои наброски. Изображение предоставлено Amazon.

• Трафареты пользовательского интерфейса. Трафареты отлично подходят для уточнения возможных решений. Они могут быть полезным инструментом, если вы планируете создать бумажный прототип по своим наброскам. Вы можете найти хороший выбор трафаретов на uistencils.com или Amazon.

Набор элементов пользовательского интерфейса для приложения iOS. Изображение от Amazon.

• Линейка для квилтинга. Это позволяет быстро нарисовать серию линий, которые смещены друг от друга на заданное расстояние.

Линейка для квилтинга. Изображение от Amazon.

• Альбом для рисования. Альбом для рисования — это небольшая записная книжка, которую вы можете носить с собой, чтобы записывать свои проекты. Взяв с собой альбом для рисования, вы в любой момент сможете зафиксировать свою идею на бумаге.

Имея под рукой блокнот для рисования, вы можете быстро записывать идеи. Изображение любезно предоставлено Moleskin.

Определите цель рисования

Прежде чем приступить к бумаге, важно определить цель. Вы должны принять во внимание два решающих момента:

• Определите, что вам нужно рисовать. Решите, что вы хотите нарисовать, будь то фрагмент вашего дизайна или серия экранов, представляющих поток пользователя. Вы хотите создать различные варианты для одного конкретного экрана или разработать путешествие пользователя, включающее несколько экранов? Это поможет вам сосредоточиться.
• Решите, собираетесь ли вы показывать свои наброски своим коллегам / заинтересованным лицам или нет. Это поможет вам определить уровень детализации вашего эскиза. Например, если вы делаете наброски для себя, вам не нужно беспокоиться о том, как эскизы будут выглядеть для других, если информация вам понятна.Однако, если вы планируете показывать свои наброски заинтересованным сторонам, вам, вероятно, потребуется больше деталей и уточнений в наброске (другие люди должны понять, о чем идет речь).

Что делать во время рисования

Разогреть

Перед тем, как рисовать, встряхните руки. Это поможет расслабить запястья. Разминка, рисуя основные формы, такие как линии, круги и треугольники.

Не зацикливайтесь на одной идее

Создание набросков — это идея.Следуйте правилу «широта прежде глубины». Сгенерируйте как можно больше идей и выберите наиболее перспективные.

Делайте эскизы максимально простыми

Ключ к созданию эскизов — это скорость и простота. Оставьте все несущественные детали и украшения. Всегда выбирайте самый простой набросок, чтобы доказать, что ваша концепция работает.

Установите таймер для занятия

Установка временных ограничений с помощью таймера может помочь вам сосредоточиться на своей цели. Когда вы решите потратить на наброски всего один час, это поможет вам потратить это время более эффективно.

Когда вы занимаетесь рисованием эскизов во время семинаров или мозговых штурмов, попробуйте использовать технику под названием «Безумные восьмерки». Этот метод, изначально предложенный командой GV в их книге по дизайн-спринтам, предполагает рисование восьми эскизов за пять минут.

Crazy Eights — отличный способ быстро реализовать вариации идей. Изображение Джейка Кнаппа.

Добавляйте названия и номера к своим наброскам

Возьмите за привычку давать названия каждому эскизу. Это упростит различие между разными эскизами и позже обратится к конкретному примеру.Добавление заголовков чрезвычайно важно, если вы работаете над несколькими частями приложения одновременно.

Название поможет вам понять, что представляет собой набросок. Изображение датчанина Петерсена.

Нумерация ваших эскизов поможет вам упорядочить их, и впоследствии будет намного проще объединить их в поток взаимодействия. Нумерация также может быть полезна во время обсуждений (особенно онлайн-обсуждений), поскольку коллеги могут просто назвать номер эскиза, и сразу станет понятно, какой эскиз они имеют в виду.

Используйте стрелки для соединения эскизов

Помимо указания на определенные элементы в эскизе, вы можете использовать стрелки для иллюстрации направления, потока взаимодействия (т.е. что происходит, когда пользователь нажимает кнопку), последовательность событий или движение (т. е. указание жестов или простых анимированных эффектов).

Используйте стрелки для определения взаимодействий. Изображение Кейта Татума.

Добавление примечаний и примечаний

Аннотации — это пояснения, расположенные рядом с частями эскиза, которые обеспечивают дополнительное понимание и поясняют значение отдельных элементов.

Вот несколько простых рекомендаций:

• Аннотации должны быть короткими и четкими. Эскиз — это не спецификация, и вам не нужно подробно описывать, как что-то будет работать.
• Напишите аннотации контрастным цветом.

Красный цвет используется для аннотаций и заметок. Изображение Джейсона Робба.

После завершения наброска

Создайте цифровую копию ваших бумажных набросков

Наличие цифровой копии набросков не позволяет вам переносить стопку бумаг с собрания на собрание. Это также упрощает обмен вашими набросками с членами команды.Просто отсканируйте свои наброски с помощью такого инструмента, как Evernote или Dropbox, и предоставьте постоянную ссылку членам вашей команды или заинтересованным сторонам.

Сканирование эскиза с помощью приложения Evernote.

Просмотрите и оцените свои эскизы

В конце сеанса создания эскизов у ​​вас, вероятно, будет несколько вариантов дизайна. Теперь вам нужно выбрать, какие идеи стоит реализовать. Подумайте о сильных и слабых сторонах каждого варианта. Выберите один или два варианта, чтобы наилучшим образом решить проблему. В некоторых случаях вам нужно будет объединить идеи или части идей в единую выигрышную концепцию.

Спросите отзыв

Поощрение обратной связи от членов вашей команды — лучший способ улучшить вашу работу. Поделитесь своей работой с коллегами и спросите их, что они думают о ваших набросках. Сосредоточьтесь на следующих ключевых моментах:

• Имеет ли для них смысл эскиз?
• Что им нравится и почему? Что им не нравится и почему?
• Какие вопросы они задали (то есть что им было неясно на вашем скетче)?

Собранные вами отзывы помогут вам усовершенствовать вашу концепцию.Не забудьте сделать так, чтобы ваши наброски были легко видны коллегам. Одним из наиболее значительных преимуществ использования ручки и бумаги для набросков вместо цифровых инструментов является то, что вы можете наклеить свою работу на стену, чтобы все видели.

Эскизы для обмена. Прикрепите свои наброски к стенам, чтобы поделиться своими идеями с другими. Изображение Майкла Лэшфорда.

10 профессиональных советов по улучшению ваших набросков

1. Преодолейте творческий барьер вашего художника

Скорее всего, читая о набросках, вы можете подумать: «Набросок для меня не подойдет.Я действительно плохо рисую. Если вы избегаете рисования, потому что сомневаетесь в своих художественных навыках, будьте уверены, вы не одиноки. Вам нужно преодолеть страх быть оцененным по качеству ваших рисунков. Полезно помнить, что цель создания набросков не в том, чтобы проверить свои навыки декоративно-прикладного искусства, а в том, чтобы изучить различные идеи и затем передать их другим. Таким образом, пока вы можете рисовать линии, прямоугольники, стрелки и круги, вы можете рисовать.

2. Практика ведет к совершенству

Рисование — это навык, и, как и любой другой навык, чем больше вы им занимаетесь, тем лучше вы в нем овладеете.Возьмите за правило делать наброски, и это поможет вам повысить уровень своих навыков.

Если вы совсем недавно начали рисовать, попрактикуйтесь в рисовании основных фигур, таких как линии, треугольники и круги. Эти элементы являются строительными блоками любого эскиза. Собрав эти часто используемые элементы, вы создадите отличную основу для своих эскизов.

3. Не зацикливайтесь на визуальном качестве своих набросков

Слишком большое внимание визуальному качеству ваших набросков может помешать вам.Когда вы сосредотачиваетесь на том, насколько «красивыми» должны быть ваши наброски, вы легко можете забыть, какую проблему вы пытаетесь решить в первую очередь. Помните, что в большинстве случаев в конце концов вы выбросите свои эскизы, поэтому их не нужно отполировать. Ясность должна быть вашим главным приоритетом. Таким образом, вместо того, чтобы думать: «Достаточно ли красивого рисунка?» подумайте: «Достаточно ли ясен этот набросок?»

4. Используйте цвета и тени по назначению

Одно из основных правил создания набросков состоит в том, что лучше создавать наброски в оттенках серого, чтобы не отвлекаться на цвета.В то же время можно использовать ограниченное количество цветов (скажем, один или два контрастных цвета), чтобы привлечь внимание к конкретным элементам (например, чтобы определенные элементы выделялись) или для использования в качестве визуальных обозначений (например, вы можете использовать синий для ссылок и других интерактивных элементов). Если вы решили использовать цвета, убедитесь, что вы используете их постоянно.

Подобно цветам, добавление теней к интерактивным элементам (например, кнопкам) поможет людям лучше понять значение ваших элементов.

Тень показывает, что элемент с надписью «Enter» на вашем эскизе является кнопкой. Изображение Яэль Леви.

5. Научитесь рисовать длинные линии

При рисовании длинных линий подумайте о том, чтобы двигать рукой и ручкой плечом, а не локтем или запястьем. Это позволит рисовать более длинные и прямые линии. В качестве бонуса эта техника легко переводится в рисование на доске.

6. Скетч в слоях

Это отличный совет из статьи Пейтера Бьюика «Беспорядочное искусство создания UX-эскизов».Пейтер советует начинать со светло-серого маркера (20-30% серого) и использовать более темную ручку для каждого последующего слоя. Когда вы будете готовы завершить набросок, вы можете использовать 60-процентное серое перо. Этот метод позволяет вам создавать эскиз шаг за шагом, сначала обрисовывая структуру эскиза, а затем добавляя необходимые детали.

7. Поворот страницы

Профессиональные рисовальщики привыкли постоянно переворачивать страницу, чтобы получить необходимое положение для рисования.Это помогает им получить прямые линии с наименьшими усилиями. Таким образом, в следующий раз, когда вам будет сложно провести вертикальную линию, просто поверните страницу на 90 градусов и вместо этого проведите горизонтальную линию.

8. Используйте шаблоны

Использование шаблона при создании эскиза сэкономит ваше время. Вам не нужно перерисовывать общие элементы каждый раз, когда вы набрасываете новый макет.

Изображение предоставлено UXMag.

Вы также можете использовать копировальный аппарат для быстрого создания шаблонов из существующих эскизов.

9. Попробуйте создать цифровой набросок

Хотя для рисования требуется ручка и бумага, также можно рисовать эскизы с помощью цифровых устройств, например iPad Pro с Apple Pencil. Создание цифровых эскизов на iPad Pro позволяет избавиться от пыли от ластика и скопления использованной бумаги. Это может быть предпочтительнее для людей, которые часто переключаются между работой в офисе и работой напрямую с клиентами, потому что так проще систематизировать свои эскизы.

Наброски, созданные с помощью iPad Pro, выглядят так, как будто они были сделаны вручную карандашом.Изображение предоставлено Аманде Сомерс.

10. Эксперимент

Когда дело доходит до набросков, не бывает универсального стиля. У каждого свой стиль рисования. Но если вы только начинаете рисовать, возможно, вы не знаете, какой у вас стиль. Не волнуйся. Через некоторое время вы поймете, какие способы работы подходят вам лучше всего. Чтобы достичь этого, вам нужно будет экспериментировать и постоянно пробовать новые техники. Таким образом, не бойтесь пробовать разные форматы, стили и методы.

Заключение

Создание эскизов — это проверенный временем подход к исследованию, уточнению и передаче ваших дизайнерских идей.Это важный элемент создания отличного пользовательского опыта. Отличные навыки рисования в конечном итоге сэкономят вам много времени, помогут яснее мыслить и найти лучшие решения проблем.

Дизайн-мышление: виды эскизов и рисунков | Мэтью Веприн — UX @ Aetna

Для дизайнера пользовательского опыта одним из самых важных навыков, помимо слушания, является способность рисовать. Способность быстро сформулировать концепцию дизайна зависит от способности дизайнеров быстро воплотить ее в жизнь.

По определению, набросок — это быстрый и грубый рисунок, который дает краткое описание или общий план. Эскиз — это быстро выполняемый от руки рисунок, который обычно не рассматривается как законченная работа, но является прекрасным инструментом, поскольку позволяет дизайнерам быстро визуализировать несколько концепций дизайна.

Эскизы и рисунки: в чем разница?

Чтобы ответить на этот вопрос, давайте сначала установим, что зарисовка — это форма рисования, а рисование — это метод нанесения меток на эскизе.Рисование можно просто определить как нанесение отметок на поверхности. Большинство людей считают наброски более свободной и менее изысканной формой рисования.

ЭСКИЗ ИДЕИ

Эскизы идей — это двухмерные визуальные дизайнерские представления, используемые на личном уровне для быстрого воплощения мыслей и демонстрации того, как дизайн выглядит как физический объект.

ЭСКИЗ ИЗУЧЕНИЯ

Эскизы исследования — это двухмерные визуальные дизайнерские представления, используемые для исследования внешнего вида и визуального воздействия идей, таких как аспекты геометрических пропорций, конфигурации, масштаба, компоновки и механизма.

СПРАВОЧНИК

Справочные эскизы — это двухмерные визуальные проектные представления, используемые в качестве дневника для записи наблюдений для использования в будущем или в качестве метафоры.

ЭСКИЗ ПАМЯТИ

Эскизы памяти — это двухмерные визуальные дизайнерские представления, которые помогают пользователям вспоминать мысли и элементы из предыдущей работы с заметками и текстовыми аннотациями.

ЗАПИСАННЫЙ ЭСКИЗ

Закодированные эскизы — это двухмерные визуальные представления дизайна, которые распределяют информацию по категориям, чтобы показать основной принцип или схему.

ИНФОРМАЦИОННЫЙ Эскиз

Информационные эскизы — это двухмерные визуальные представления дизайна, которые позволяют заинтересованным сторонам понять намерения дизайнера, четко объясняя информацию и обеспечивая общую графическую настройку.

ОТОБРАЖЕНИЯ

Отрисовки — это двухмерные визуальные представления дизайна, показывающие формальные предложения концепций дизайна, которые включают применение цвета. тон и детализация для реалистичности.

INSPIRATION SKETCH

Inspiration наброски — это ориентированные на форму 2D визуальные дизайнерские представления, используемые для передачи внешнего вида продукта путем задания тональности дизайна.бренд или ассортимент продукции.

ПРЕДВАРИТЕЛЬНЫЙ Эскиз

Предварительный эскиз — это неформальное двухмерное визуальное представление дизайна, которое передает проектные решения и общую техническую информацию, такую ​​как размеры, материал и отделка.

ЧЕРТЕЖ КОНЦЕПЦИИ

Концептуальные чертежи — это двухмерные визуальные дизайнерские представления, которые показывают проектное предложение в цвете с ортогональными видами и точными линиями.

ПРЕЗЕНТАЦИОННЫЙ ЧЕРТЕЖ

Презентационные чертежи — это двухмерные визуальные дизайнерские представления, нарисованные в перспективе, которые действуют как окончательные чертежи для клиентов и других заинтересованных сторон.

СЦЕНАРИЙ И РАСКАЗКА

Сценарии и раскадровки — это двухмерные визуальные дизайнерские представления, предлагающие взаимодействие пользователя и продукта и отображающие его использование в контексте артефактов, людей и отношений.

ДИАГРАММА

Диаграммы — это двухмерные визуальные дизайнерские представления, которые показывают основной принцип идеи или отношения между объектами с простыми геометрическими элементами.

ЧЕРТЕЖ С ОДНОРАЗОВЫМ ВИДОМ

Чертежи с одним видом — это двухмерные визуальные дизайнерские представления, нарисованные в аксонометрической проекции, состоящие из изометрических, триметрических, диаметральных, наклонных или перспективных видов, нарисованных с небольшими эстетическими деталями.

МНОГООБРАЗНЫЙ ЧЕРТЕЖ

Мультивидовой чертеж — это двухмерное визуальное дизайнерское представление, используемое в проектах с первым или третьим углом.

ЧЕРТЕЖ ОБЩЕГО РАСПОЛОЖЕНИЯ

Чертежи общего вида — это двухмерные визуальные проектные представления, которые воплощают усовершенствованный дизайн, но не содержат внутренних деталей. Они используются для производства моделей внешнего вида с ограниченным количеством деталей.

ТЕХНИЧЕСКИЙ ЧЕРТЕЖ

Технические чертежи — это двухмерные визуальные проектные представления, используемые для определения, спецификации и графического представления построенного объекта, а также для покрытия каждой детали для производства.

ТЕХНИЧЕСКАЯ ИЛЛЮСТРАЦИЯ

Технические иллюстрации — это двухмерные визуальные представления дизайна, которые упрощают инженерные детали и подчеркивают ключевые особенности, не пропуская важную информацию о продукте.

Что такое технический рисунок в модном дизайне? • Fashion Insiders

Одним из основных требований для создания одежды или аксессуаров при запуске в производство является предоставление фабрикам «Технического чертежа». Или часто называемый «плоский рисунок».

Независимо от того, являетесь ли вы дизайнером, работающим в индустрии моды и обладающим определенными способностями к рисованию, или новичком с умеренными навыками рисования, модные эскизы отлично подходят для передачи впечатления о ваших дизайнерских идеях. Они прекрасно смотрятся в альбоме для рисования и портфолио.

Если вы решите поднять этот дизайн на новый уровень и сделать выкройки, а затем образцы и изготовление, ваш красивый набросок будет бесполезен.

Для людей, ответственных за превращение вашей идеи в законченный, пригодный для использования продукт, им нужны подробные четкие чертежи, чтобы они могли точно воплотить ваше видение.

Итак, давайте разберемся с этим и посмотрим, что такое технический чертеж , почему они важны, где и как они используются и как их рисовать.

Плоский технический рисунок мужской рубашки спереди и сзади.

WHAT:

Технические чертежи являются фундаментальной необходимостью для дизайнера, пытающегося передать свой проектный план.

В индустрии моды, где изделие должно быть изготовлено точно, вам будет трудно найти выкройщика, который работал бы с вами без него, поскольку эскиз дизайна может иногда приводить к неточным пропорциям.

Проще говоря, они представляют собой двухмерное линейное схематическое изображение ваших дизайнов, нарисованных сплошной линией, с максимально подробным изображением.

Это графическое изображение, четко прорисованное объяснение продукта, показывающее все детали конструкции, такие как швы, вытачки, карманы, застежки и прострочка.

На этих чертежах нет рисунков, но они нарисованы в масштабе без указания текстуры, цвета или формы. Часто называемые «плоскими рисунками» или просто «плоскими рисунками», это название происходит от того факта, что они напоминают одежду, разложенную на плоской поверхности и нарисованную.

Ожидается и обычно, когда вы рисуете эти технические чертежи, чтобы сделать как минимум вид спереди и сзади вашего продукта.

Но если вы создаете сложную одежду или разрабатываете сумки, обувь или украшения, необходимо предоставить дополнительные виды, чтобы гарантировать, что ваши продукты воссоздаются из чертежа, как вы их разработали.

ПОЧЕМУ ОНИ ВАЖНЫ:

Как только вы начнете создавать технические чертежи, вы можете обнаружить, что ваш дизайн немного изменится по сравнению с исходным эскизом.

Технический чертеж позволяет сохранять линии и детали дизайна в реальном размере, поскольку чертежи представлены с правильными пропорциями тела.

Это полезно для создания баланса и гармонии, а также позволяет увидеть, как будет выглядеть предмет после того, как он будет изготовлен.

Кроме того, технический рисунок можно использовать в качестве шаблона, если он нарисован вручную и отсканирован в компьютер, или если он визуализирован в Adobe Illustrator, для добавления идей цвета и текстуры.

Изнутри книги Баси Шкутницкой «Технический рисунок для моды»

КАК ОНИ ИСПОЛЬЗУЮТСЯ:

Технические чертежи являются важным компонентом, помогающим преобразовать ваш дизайнерский эскиз в полезный продукт.

Эти рисунки потребуются вашим раскройщикам для выкройки, чтобы создать узор, который хорошо сидит на теле, имеет пропорции, сбалансирован и эстетичен.

Технические чертежи являются частью вашего технического пакета и листов спецификаций и требуют невероятного количества деталей, чтобы позволить фабрике сделать то, что вам нужно.

Технические чертежи также можно использовать в таблицах при демонстрации вашей продукции в магазинах. Они полезны для представления простого графического изображения вашего продукта, и это позволяет покупателю действительно видеть детали.

КАК НАРИСАТЬ ТЕХНИЧЕСКИЙ ЧЕРТЕЖ (даже если вы не умеете рисовать):

Технические чертежи обычно создаются вручную с помощью выдвижного карандаша с тонким грифелем или черных тонких ручек.

Проиллюстрируйте разные компоненты одного и того же рисунка с помощью тонкого лайнера разной ширины. Например, ручку толщиной 0,8 мм можно использовать для всех линий швов, вытачек и деталей, а затем можно использовать ручку толщиной 0,3 мм для обозначения всех вышивок, пуговиц и застежек.

Отличный способ создать технический рисунок вручную — использовать тонкую бумагу или кальку, провести линию по центру и нарисовать одну сторону изделия. Сложите бумагу пополам и нарисуйте отражение, обрисовав исходный рисунок. Затем его следует разместить на плоской светлой поверхности или в лайтбоксе, если он у вас есть, и нарисовать на бумаге.

Сканируйте на свой компьютер и используйте для создания своих спецификаций, технических пакетов и других материалов.

Познакомьтесь с программой Adobe Suite CAD (автоматизированный дизайн), в частности с Illustrator, которая является предпочтительной программой индустрии моды (и вы можете легко подписаться на БЕСПЛАТНУЮ пробную версию онлайн и попробовать ее).

С его помощью вы можете создавать векторные эскизы с четкими деталями, которые подходят для всех ваших требований.

Векторная графика

В векторной графике используются двухмерные точечные многоугольники для представления изображений в компьютерной графике. Каждая из этих точек имеет определенное положение на осях x- и y- рабочей плоскости и определяет направление траектории; кроме того, каждому контуру могут быть назначены различные атрибуты, включая такие значения, как цвет обводки, форма, кривая, толщина и заливка.Векторная графика сегодня обычно встречается в графических форматах файлов SVG, EPS и PDF и полностью отличается от более распространенных форматов файлов растровой графики JPEG, PNG и MPEG4.

Разрабатывая векторные эскизы, вы сможете изменять их в любое время и создавать новые стили.

На создание сложного стиля уйдет много времени. Однако создание точного наброска будет вам полезно и позволит зрителю сразу понять, какую информацию вы пытаетесь передать.

Skillshare — отличный ресурс для изучения основ. Вы можете записаться на курс, чтобы изучить основы.

Если вы предпочитаете личные уроки и находитесь в Лондоне, Лондонский колледж моды предлагает практический пятидневный курс, который научит вас основам и многому другому.

Наконец, если вы хотите научиться рисовать и освоить технические чертежи. Сам по себе, есть много отличных книг, которые можно найти в Интернете или во всех основных книжных магазинах.

Безусловно, одна из лучших и наиболее всеобъемлющих книг по этому вопросу — «Технический рисунок для моды» Баси Шкутницкой, доступная на Amazon UK здесь и на международном уровне здесь. В книге также есть шаблоны, которые можно использовать, повторно использовать и адаптировать в соответствии с вашими идеями.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

При рисовании технических чертежей важно помнить, что они похожи на учебник или ноты, по которым можно читать и рассказывать историю.Ваш рисунок должен в равной степени говорить как об изготовителе выкройки, так и о фабрике, работающей над вашим продуктом. поэтому ниже приведены наши главные советы, которые помогут вам в этом:

• Добавьте как можно больше деталей к своим чертежам, так как исключение частей эскиза только усложнит вашу работу в долгосрочной перспективе при объяснении дизайна вашей команде.
• Включите все швы, стежки, вытачки и застежки.
• Сплошная линия на одежде представляет линию шва.
• Пунктирная линия обозначает сшивание.
• Нарисуйте каждую деталь, если вы создаете индивидуальную вышивку, принт или бисероплетение.
• Разработайте подробные шаблоны, показывающие внутреннюю часть одежды или продукта, которая относится к размещению этикеток, внутренним карманам и всему остальному, что может потеряться при переводе.
• Эскизы одежды должны иметь вид спереди и сзади. Также включите дополнительные эскизы функциональности одежды.
• Для принадлежностей требуется вид спереди, сзади, сбоку, сверху, снизу и ¾.
• Делайте наброски простыми и лишенными движения или затенения, так как это может отвлекать.
• Всегда обеспечивайте четкое представление ваших дизайнов, отображая их в черно-белом цвете.

Если у вас есть вопросы по техническим чертежам или вам нужна помощь, оставьте комментарий ниже.

Обработка эскизов 11 известных логотипов

Вы когда-нибудь задумывались, что вошло в процесс разработки известных логотипов? Многие начинали с чернового наброска идеи логотипа — иногда с эскиза очень — который постепенно дорабатывали в соответствии с потребностями клиента.Каждый процесс дизайна индивидуален, и у каждого великого дизайнера, стоящего за этими логотипами, были свои собственные стратегии поиска вневременного дизайнерского решения.

Посмотрите на эти 11 знаменитых эскизов логотипов — вы можете быть удивлены тем, как зародились эти знаковые торговые марки.

1. Ситибанк

Логотип Ситибанка: Паула Шер (через Пентаграмму)

Паула Шер нарисовала свой первый технологический эскиз логотипа Ситибанка на салфетке во время одной из своих первых встреч с компанией, включив старый значок зонтика в вечный текстовый знак.

2. Pinterest

Логотип Pinterest: Майкл Дил и Карлос Паган

В 2011 году Pinterest обновил свой логотип, надеясь создать более изысканный вид. Они выбрали Bello Script для шрифта и изменили его, используя лигатуры для создания красиво оформленного логотипа.

3. Nike

Логотип Nike: Кэролайн Дэвидсон (через Print Magazine)

Оригинальный логотип Nike был создан в 1971 году студенткой графического дизайна Портлендского государственного университета Кэролайн Дэвидсон — за 35 долларов. Никто из основателей не был в восторге от шести первоначальных дизайнов, которые она создала, и просто выбрал тот, «который был наименее ужасным». Вопрос о том, является ли логотип культовым, потому что это отличный дизайн или благодаря успеху компании, остается предметом споров, но с момента создания он практически не изменился.

4. Оболочка

Логотип: Shell

До того, как Раймонд Лоуи модернизировал его в 1971 году, дизайн логотипа Shell постоянно менялся и становился устаревшим. С тех пор дизайн Лоуи практически не изменился.Его набросок процесса создания логотипа демонстрирует, что сетка — мощный инструмент для создания всех типов дизайна — даже логотипов!

5. Я люблю Нью-Йорк

«Я люблю Нью-Йорк»: Милтон Глейзер (через MOMA)

В 1976 году Милтон Глейзер нарисовал знаковый логотип кампании «Я люблю Нью-Йорк» красным мелком на конверте в задней части такси и не потребовал оплаты за свое творение .

6. Exxon Mobile

Логотип Exxon: Рэймонд Лоуи (через Библиотеку Конгресса)

В эскизе процесса создания логотипа Exxon Mobile 1966 года Рэймонда Лоуи он визуально подчеркнул концепцию двойных «х» и создал 18 их вариаций.Он выбрал один, отметив его «ОК».

7. Starbucks

Логотип Starbucks: Терри Хеклер

Гравюра на дереве скандинавской двусторонней русалки 15 века послужила оригинальным источником вдохновения для логотипа Starbucks. Выше ранние наброски и рисунки обновленного логотипа дизайнера Терри Хеклера показывают, как он превратился в более современную русалку, которую мы знаем сегодня.

8. Mailchimp

Логотип Mailchimp: Джон Хикс

В 2008 году Mailchimp обновил свой логотип с помощью Джона Хикса, дизайнера логотипа Firefox.После доработки нескольких набросков процесса он импортировал окончательный эскиз в Adobe Illustrator, превратив рисунок в очаровательную узнаваемую обезьяну.

9. Atlassian

Логотип Atlassian: Джефф Криге

Логотип Atlassian не всегда был одним из лучших примеров логотипов гуманоидов. Старый логотип был обновлен в 2011 году Джеффом Криге, который после долгих исследований нарисовал сотни эскизов процессов, улучшив лучшие из них и сузив их до окончательного варианта.

Это был огромный шаг вперед по сравнению с оригинальным логотипом, при этом оставаясь верным оригинальной концепции.Подробнее о процессе здесь.

10. Mozilla Firefox

Логотип Mozilla Firefox: Стивен Дерош и Джон Хикс

Первоначальным талисманом логотипа Mozilla Firefox был феникс, когда браузер назывался Mozilla Firebird. Из-за спора об авторских правах название было изменено на Firefox. Сама огненная лиса была вдохновлена ​​библейской историей, в которой Самсон привязал пылающих веревок к лисицам и выпустил их на кукурузные поля филистимлян. Земной шар представляет собой глобальный Интернет, который обслуживает браузер.Стивен Дерош создал первоначальный эскиз, а окончательный дизайн создал Джон Хикс.

11. Atari

Логотип: Atari (через Logo Blink)

Логотип Atari был разработан Джорджем Опперманом в 1972 году после огромного успеха игры Pong. По его собственным словам, «две боковые части символа Atari представляют двух противостоящих игроков в видеоигры с центральной линией корта для игры в понг посередине». Его оригинальный набросок на миллиметровой бумаге — еще один пример силы сетки, когда дело доходит до создания вневременных дизайнов.

Заключение

Совершенно очевидно, что , многие из самых известных логотипов начинались с простых эскизов процесса.