Художник рисующий худ образы красками: Ответы на кроссворды и сканворды онлайн

TOP-30 cамых дорогих художников XX века

Больше, чем искусство, или просто бизнес?

 

 

 

Автор

Поль Сезанн

Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль постимпрессионизм

 Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».

130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах

Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.

Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.

Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.

В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.

Самая дорогая картина в мире

Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани

Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.

 

 

Автор

Джексон Поллок

Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль абстрактный экспрессионизм

Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».

122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году

на аукционе Sotheby’s

Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.

 

 

Автор

Виллем де Кунинг

Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль абстрактный экспрессионизм

Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.

121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.

С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.

На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей.  Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.

 

 

Автор

Густав Климт

Страна Австрия

Годы жизни 1862–1918
Стиль модерн

 Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.

138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.

Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена  аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.

В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.

 

 

Автор

Эдвард Мунк

Страна Норвегия

Годы жизни 1863–1944
Стиль экспрессионизм

Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».

73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.

Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.

На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.

 

 

«Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев»

Автор

Пабло Пикассо

Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль кубизм

По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.

130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.

 

 

Автор

Энди Уорхол

Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт

«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.

358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах

Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.

Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.

 

 

Автор

Марк Ротко

Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль абстрактный экспрессионизм

 Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.

206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.

Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.

 

 

Автор

Фрэнсис Бэкон

Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм

Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.

147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».

Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.

 

 

Автор

 Клод Моне

Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль импрессионизм

Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.

210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.

 

 

Автор

 Джаспер Джонс

Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт

В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.

137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.

 

 

 

Автор

Амедео Модильяни

Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм

Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.

65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s

В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.

 

 

 

 

 

Автор

Ци Байши

Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа

Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.

10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian

Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.

 

 

Автор

Клиффорд Стилл

Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм

В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание

79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.

 

 

 

 

 

Автор

Казимир Малевич

Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм

Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат.  «доминирование»).

71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.

 

 

 

Автор

 Поль Гоген

Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм

До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.

93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s

В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.

 

 

 

 

«Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах»

Автор

Анри Матисс

Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм

В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.

65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s

Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.

 

 

 

 

Автор

Рой Ли

хтенштейн

Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт

Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.

91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

 

Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.

 

 

 

Автор

Пит Мондриан

Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм

Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.

27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s

Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.

 

 

 

Автор

Василий Кандинский

Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм

Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.

275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s

Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.

 

 

Автор

Фернан Леже

Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм

Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу  в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.

 

 

 

 

Автор

Эрнст Людвиг Кирхнер

Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм

Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.

95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s

После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.

 

 

 

 

Автор

Эдгар Дега

Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм

История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.

64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?

 

 

Автор

Хуан Миро

Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стиль абстрактное искусство

Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.

 

89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.

 

 

Автор

Ив Кляйн

Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись

Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.

 

153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.

 

 

Автор

Сэр Лоуренс Альма-Тадема

Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм

Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.

213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.

 

 

 

 

«Портрет спящей обнаженной чиновницы»

Автор

Люсьен Фрейд

Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись

Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.

219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.

 

 

 

 

 

Автор

Хуан Грис

Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм

Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.

5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.

 

 

Автор

Сальвадор Дали

Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм

«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».

25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.

 

 

 

 

Автор

Марк Шагал

Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард

Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.

80×103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s

Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.

 

 

 

проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13 (май-июнь 2013)

Врубеля, Куинджи, Лисицкого, Малевича, Родченко и других.

«Если долго всматриваться в бездну — бездна начнет всматриваться в тебя», — сказал Ницше. Если долго всматриваться в эти картины, то начинает немного кружиться голова. Окунемся в легкое безумие русского искусства.

«Адам и Ева» Баранова-Россине (1912)

Адам и Ева. 1912. Музей Тиссен-Борнемисса

Владимир Баранов-Россине жил и трудился в Париже, после Февральской революции вернулся в Россию, но в 1925 году предпочел снова уехать во Францию. Погиб он в Освенциме. Тема Адама и Евы — одна из его любимых, художник возвращался к ней несколько раз. Во всех вариантах картины внимание приковывает солнце в центре — недавно сотворенное, столь же юное и горячее, как и перволюди.

«Русский XX век I» Булатова (1990)

Русский XX век I. 1991. МАГМА

Эрик Булатов — один из главных русских художников второй половины ХХ века и создателей постмодернистского стиля соц-арт («социалистического» варианта поп-арта). Его серия «Русский ХХ век», к которой принадлежит эта картина, изображает идиллический родной пейзаж, над которым угрожающе нависает римская цифра «ХХ». В этой картине символ века превращается в лучи прожектора — то ли тюремного, то ли кинематографического.

«Жемчужина» Врубеля (1904)

Жемчужина. 1904. ГТГ

Картина Михаила Врубеля, для которой «позировала» перламутровая раковина, подаренная Максимилианом Волошиным, стала не рисунком океанского организма, а изображением целой галактики, огромного мира, где нашлось место даже для морских принцесс. Врубель удивительно умел сочетать синий и зеленый — цвета вроде бы безмятежные — таким образом, что на душе становится неспокойно. Симптом гениальности человека, закончившего жизнь в лечебнице для умалишенных.

«Динамическая спираль. Возрастающая энергия красного пространства» Инфанте (1964)

Динамическая спираль. Возрастающая энергия красного пространства. 1964. ГТГ

Франсиско Инфанте-Арана — русский художник с испанской фамилией, доставшейся от отца-эмигранта. В 1960-е годы — звезда советского нонконформизма, один из лидеров кинетического искусства. Мотив спирали будет повторяться в его творчестве многие годы — в следующий период это будут уже не картины на плоскости, а трехмерные композиции, еще более завораживающие благодаря мобиле, в том числе зеркальным.

«Ночь на Днепре» Куинджи (1882)

Ночь на Днепре. 1882. ГТГ

Пейзаж Архипа Куинджи был написан в ту эпоху, когда в живописи царили реалистичность да академизм. Понятно, почему необычное полотно произвело такой эффект тогда — удивительно, что оно продолжает это делать и в наши дни, когда зритель так пресыщен. Говорят, с годами краски в «Ночи на Днепре» все больше и больше темнеют — однако луна и река продолжают все также светиться.

«Проун» Лисицкого (1922–1923)

Проун. 1922–1923. Стеделийк ван Аббе-Музеум

Эль Лисицкий — один из столпов русского авангарда, мастер супрематизма. Следование открытиям Малевича заметно и в этом «проуне» (аббревиатура от «проект утверждения нового»), этим словом собственного изобретения Лисицкий называл свой личный вариант супрематических композиций, в котором геометрические тела становятся трехмерными.

Читайте также:

«Шар улетел» Лучишкина (1926)

Шар улетел. 1926. ГТГ

На картине наивного абсурдиста Сергея Лучишкина — уже городские джунгли, хотя вокруг еще 1920-е годы. С одной стороны, здесь трагедия ребенка, потерявшего воздушный шарик. Но картину ругали за еще больший пессимизм: в одном из окон домов, сходящихся в давящей перспективе, виден повесившийся человек.

Автопортрет Малевича (ОК. 1910)

Автопортрет. Ок. 1910. ГТГ

Создатель «Черного квадрата» рисовал людей реалистично, редко — предпочитал превращать человеческие фигуры в наборы конусов и кубов. Но когда рисовал — выходило мощно. Лучше всего получались, разумеется, собственные портреты. Этот автопортрет эффектен немигающим взглядом пристальных глаз, подсмотренным автором чуть ли не у Спаса «Ярое Око».

«Восстание» Редько (1925)

Восстание. 1925. ГТГ

Самое странное изображение Ленина в Третьяковской галерее написано полузабытым Климентом Редько. Вождь, который умер за год до создания полотна (его смерть и подтолкнула художника) изображен здесь будто какой-то гигантский регулировщик на городской площади. При этом композиционная схема ромба в квадрате отсылает к иконе Богородицы «Неопалимая купина», а колорит ассоциируется и с революцией, и с адским пламенем.

«Танец. Беспредметная композиция» Родченко (1915)

Танец. Беспредметная композиция. 1915. ГМИИ

До того как выработать свой фирменный авангардный стиль, Александр Родченко увлекался другими направлениями, модными в европейском искусстве того времени. На этом раннем полотне, оказавшемся в Отделе личных коллекций ГМИИ вместе с другим наследием Родченко и его любимой Варвары Степановой, — некая посткубистская абстракция, больше французская по духу, чем русская.

«Формула весны и действующие силы» Филонова (1927–1928)

Формула весны и действующие силы. 1927–1928. ГРМ

Среди картин Павла Филонова трудно выбрать негипнотическую. Сначала возникает вопрос о его душевном здоровье, но полотна с коммунистами и трудовыми подвигами, написанные ради хлеба насущного, доказывают, что мастер четко осознавал, что пишет. Как и другие художники начала ХХ века, он имел собственную художественную идеологию: филоновская называлась «аналитическое искусство» — формы в его картинах росли по принципу органики, как прорастающее зерно.

«Феномен» Челищева (1936–1938)

Феномен. 1936–1938. ГТГ

Мистический сюрреалист Павел Челищев посвятил эту картину, написанную в эмиграции, изображению ада. Себя художник изобразил в левой части полотна за работой; среди других обитателей того света — Петр Великий в образе младенца, играющего в мяч, и писательница Гертруда Стайн, которая сидит у пещеры и вяжет покрывало Изиды. Еще он написал «Чистилище», которое под названием «Игра в прятки» показывают в Нью-Йорке. А вот «Рай» написать не успел.

«Новая планета» Юона (1921)

Новая планета. 1921. ГТГ

Константин Юон вошел в историю русского искусства мирными пейзажами в импрессионистском духе. Тем сильнее поражает его картина, посвященная, как говорят, Октябрьской революции. Впрочем, она вполне в духе его серии еще 1900-х годов «Сотворение мира», где художник увлекается космической темой.

Музыка в произведениях изобразительного искусства. «Хорошая живопись — это музыка, это мелодия». Мир Чюрлёниса

МУЗЫКА И ДРУГИЕ ВИДЫ ИСКУССТВА

Урок 32

Тема: Музыка в произведениях изобразительного искусства. «Хорошая живопись — это музыка, это мелодия».

Цели урока: воспринимать и выявлять внешние и внутренние связи между музыкой и изобразительным искусством»; исследовать значение изобразительного искусства для воплощения музыкальных образов; анализировать и обобщать многообразие связей музыки и изобразительного искусства; различать характерные признаки музыки и изобразительного искусства.

Материалы к уроку: портреты композиторов, репродукции картин, музыкальный материал.

Ход урока:

— Прочитайте эпиграф к уроку. Как вы его понимаете?

Запись на доске:

«Нет рубежей между искусствами, музыка объединяет в себе поэзию и живопись и имеет свою архитектуру.
Живопись тоже может иметь свою архитектуру, как музыка, и в красках выражать звуки…»
                                                 (М.  Чюрлёнис)

Сообщение темы урока:

— Мы продолжаем с вами тему предыдущего урока «Музыка в произведениях изобразительного искусства.

Работа по теме урока:

1. «Звучащие» картины.

Мелодии обычно вызывают у слушателя определённые мысли и чувства, рождают воспоминания, смутные или более или менее ясные картины когда-то увиденного пейзажа или сцены из жизни. И эту картину, возникшую в воображении, можно нарисовать. А у хорошего художника и сама картина приобретает музыкальность, с полотна, написанного им, как бы звучат мелодии.

«Хорошая живопись — это музыка, это мелодия», — говорил великий итальянский художник Микеланджело Буонарроти. Илья Ефимович Репин отмечал, что красочный колорит картин Рембрандта звучит, как дивная музыка оркестра. Аналогию между красками в живописи и тембрами в музыке Римский-Корсаков считал «несомненной». Много общего между музыкой и живописью можно найти даже в терминах, которые употребляют музыканты и художники. И те и другие говорят о тональности, о колорите и красочности полотен и музыкальных сочинений.

Наивно было бы думать, что каждая картина, на которой изображены люди, играющие на каких-либо инструментах или поющие, «излучает» музыку. Многие художники вообще не думали об этом, хотя часто прибегали к «музыкальным» сюжетам. Первые изображения музицирующих людей пришли к нам из глубокой древности.

В Египте на стенах храмов запечатлены целые музыкальные ансамбли — юноши и девушки, играющие на кифарах, лютнях, гобоях.

В Древней Греции ни одно изображение певца Орфея не обходилось без лиры, которую он непременно держал в руках. В средние века и в эпоху Возрождения появилось немало полотен и скульптур с поющими ангелами. Святые играли на органе.

Или же странствующие музыканты перед восхищённой толпой народа исполняли свои бесхитростные мелодии, извлечённые из волынок, дудочек, виол.

И хоть в старину, особенно в эпоху Ренессанса, живописцы несколько свысока смотрели на музыкантов, так как тогда царицей искусств была именно живопись, в некоторых картинах, изображающих музицирование, они старались подсказать зрителю, что же исполняется героями их сюжетов.

Так, на полотне неизвестного мастера XVI века «Музыкантши», хранящемся в Эрмитаже, три молодые женщины занимаются музицированием — две из них играют на старинных инструментах, а третья поёт. Перед ними — нотные листы. Теперь эти ноты расшифрованы. Оказалось, что женщины исполняют арию «Я дам вам радость» популярного в те времён композитора Клодена де Сермизи.

Глубоко поэтичная, истинно русская картина И. Левитана «Вечерний звон» наполнена звучанием колоколов, разлитом в вечернем воздухе подобно краскам летнего заката.

Так же наполнены звуками морские пейзажи И. Айвазовского, в которых не только образ моря, но его настроение, его мощный гул, его колорит образуют своеобразную музыкальную стихию.

«Колыбелью всех хоров» назвал море поэт Поль Верлен в стихотворении, ставшем основой одного из лучших романсов К. Дебюсси «Прекрасней соборов стихия морская…»

Слушание: К. Дебюсси. «Прекрасней соборов стихия морская…». Слова П. Верлена.

Прекрасней соборов стихия морская,
Колыбель всех хоров, где, не умолкая,
Возносит прибой гимн деве святой.

Дарит море гром и чудный напев,
И звучат в нем то кротость, то гнев.
Беспредельность вод величьем влечёт.

О, друг милосердный, даже став бурливым,
Как целитель верный, чаруешь нас призывом:
«В ком нет упованья — усни без страданья!»

От ласки небес над простором твоим
Бываешь стальным, алым, голубым…
Стихия моя, нет краше тебя!

Шум деревьев на полотнах И. Шишкина, А. Рылова, И. Левитана, звуки дождя в живописи Н. Ромадина, И. Левитана, Ю. Пименова, зловещее предгрозовое затишье на картинах И. Шишкина, Ф. Васильева — всё это по-разному звучит, всё входит в единую музыкально-драматургическую концепцию изобразительного искусства, так же по-своему обращённого к звукам мира, как и сама музыка.

Но не только музыкой изображаемого «звучит» живопись; музыкальность проникает в глубь изображения, охватывает средства художественной выразительности. Многие художники, характеризуя своё ремесло, уподобляют линию мелодии, цветовые сочетания — мажорному и минорному ладам, композицию сравнивают с организацией музыкального целого. И чем меньше присутствует в живописи развитие сюжета, связанное с поэтическим началом, тем более рельефно проступает начало музыкальное, обнаруживающее себя в возрастании лирики, в ритмической композиции линий, цветов, штрихов.

Таковы картины М. Врубеля — тонкого и своеобразного художника, чьё творчество благодаря глубоко самобытной манере ярко выделяется среди других художественных стилей. Любая тема, к какой бы он ни обращался, любое изображение — и сказочная Царевна-Лебедь, и древний мифологический Пан, и лермонтовский Демон, и былинный Богатырь — одухотворены особой красотой, рождаемой из игры красок и бликов, особого ритма мазков, граней, мозаичных элементов. Его композиции, подобно композициям музыкальным, как будто приобретают своё волшебное единство из неповторимого сочетания этой россыпи «первоэлементов».

Даже его знаменитую «Сирень» можно уподобить музыкальному произведению, где не содержание изображения, не детали, не подробности, а вся полнота эмоционального состояния, вся глубина переживаемого образа сосредоточились в этом почти звучащем выражении весеннего мироощущения.

По-своему музыкальна живопись В. Борисова-Мусатова, И. Грабаря, В. Бялыницкого-Бирули. Музыкальность настроений, как будто берущая начало в «живописном» цикле «Времена года» П. Чайковского, «переплавляется» в яркие, зримые образы художников последующих поколений. Примечательно, что сами музыканты после Чайковского мало обращались к тематике времён года, поэтике настроений природы. В живописи же музыка увядания природы, музыка нежного и прозрачного колорита, мягких и плавных линий, нежного сочетания цветовых гармоний как будто обрела вторую жизнь.

По отношению к творчеству этих художников уместны такие чисто музыкальные метафоры, которые определяют «звонкость» и «приглушённость» их красок, текучесть и мелодичность линий, лиричность общего эмоционального «звучания».

2. Мир Чюрлёниса. «Вселенная представляется мне большой симфонией…»

Говоря о музыкальности произведений изобразительного искусства, нельзя не сказать о творчестве выдающегося музыканта и художника одновременно — М. Чюрлёниса. Зная музыкальное искусство «изнутри», будучи автором значительных музыкальных произведений, Чюрлёнис глубоко чувствовал природу обоих искусств, их возможные «точки пересечения», из которых могли бы зародиться новые художественные открытия.

«Вселенная представляется мне большой симфонией; люди – как ноты…»
                                         (М. Чюрленис)

Микалоюс Константинас Чюрлёнис был тихим, мечтательным человеком. Когда он садился за рояль, то весь преображался.

Его музыка мягка, лирична, красочна, сдержанно драматична. Она рождена литовскими народными напевами, родной природой — трепетная, как осенний воздух, медлительная и плавная, словно течение рек по равнинам Литвы, неброская, как холмы его родины, задумчивая, точно дымка литовских предутренних туманов.

И главное — она живописна. Сочиняя музыку, Чюрлёнис сам видел эти картины «очами своей души». Они жили в его воображении настолько ярко, что композитору хотелось перенести их на полотно.

И Чюрлёнис становится живописцем. Не обычным живописцем. А художником-музыкантом.

Не оставляя музыки, он пишет одну картину за другой — около трёхсот живописных композиций. И каждая — это философская поэма в красках, симфония живописных ритмов, музыкальных видений.

Красота мира, увиденного М. Чюрлёнисом, оригинальность его взгляда запечатлены в его картинах: «Сотворение мира», «Приветствие солнцу», «Сказка. Путешествие королевны», «Знаки Зодиака», «Короли. Сказка» — и музыкальных произведениях: фортепианных прелюдиях, симфонических поэмах «Море», «В лесу», сочинениях для хора.

Его картины носят названия музыкальных жанров: соната, фуга, прелюдия.

Музыканты называют сонатой сложную инструментальную пьесу, в которой сталкиваются, борясь друг с другом, различные, часто противоположные темы, чтобы в финале прийти к победе основной мелодии. Соната делится на четыре (реже — на три) части. Первая — аллегро — самая напряжённая, быстрая, наиболее активная. В ней конфликт разноречивых чувств с наибольшей полнотой раскрывает душевный мир человека. Эту борьбу трудно передать словами, только музыка способна сделать это.

Чюрлёнис решил призвать на помощь живопись. Она тоже бессловесна и порою «звучит», как музыка. Художник задумал создать живописные сонаты, построив их по законам музыкальной формы.

«Соната моря» — самая известная живописная сюита Чюрлёниса. Три её части, составляющие триптих, имеют музыкальные названия: «Аллегро», «Анданте» и «Финал».

В то же время М. Чюрлёнис сочинил и музыкальное произведение, рисующее картину моря, и назвал его поэмой «Море».

Описание моря есть у Чюрлёниса и в его литературных зарисовках.

Могучее море. Велико, беспредельно, безмерно.
Целое небо обводит своею голубизной твои волны,
А ты… дышишь тихо и спокойно, ибо знаешь,
Что нет конца твоей мощи, нет пределов твоему величию,
Твоё бытие бесконечно.
Велико, могуче, прекрасно море!

Так в творчестве М. Чюрлёниса тесно переплетаются жанры музыки и поэзии.

Море властно влекло к себе музыканта и художника. Оно поражало его воображение своей мощью, праздничным изобилием красок. Жизнь волн сливалась для него с жизнью человека. Широко и размашисто, ровной геометрической грядой, одна за другой наступают на берег волны. Пронизанные солнцем, они искрятся мириадами прозрачных пузырьков, светящимися кусочками янтаря, радужными ракушками, камешками. Холмистый берег, повторяющий очертания волн, противостоит их напору. Белая тень чайки ложится на воду. Настроение скорее радостное, приподнятое. Будто сверкающие на солнце трубы играют бодрый марш.

В Анданте морская стихия утихомирилась. Глубоким сном заснули волны. Спит и подводное царство с затонувшими кораблями. Но бодрствуют светильники на горизонте, широкими лучами освещая небесный свод. От них уходят вниз два ряда светящихся пузырьков. Они ведут в морскую бездну с таинственно мигающими огоньками. И чья-то милосердная рука заботливо поднимает из глубины парусник, возвращая его к жизни. Спокойная, величавая мелодия в темпе анданте звучит с картины.

И наконец, Финал. Стихия разыгралась во всю. Море кипит, беснуется. Огромная волна готова поглотить, искромсать, уничтожить судна. Ещё мгновение, и всё исчезнет. Растворятся и буквы МКC, каким-то чудом появившееся на волне, образованные клочками пены. МКC — это инициалы художника, его подпись под живописными работами — Микалоюс Константинас Чюрлёнис. Автор как бы говорит, что волею судеб он сам попал в этот грозный водоворот жизни, где ему суждено погибнуть… но волна не сможет поглотить эти корабли, кажущиеся такими беспомощными перед разбушевавшейся стихией, не уничтожит и его имя… Его творения переживут века.

Слушание: Чюрлёнис. Симфоническая поэма «Море».

Ромен Роллан был буквально потрясён музыкальной магией картин литовского кудесника. Французский писатель назвал его первооткрывателем в живописи, нашедшим новый «духовный континент», как Колумб — новые земли.

«Окинем взглядом панораму его грандиозных построений, — говорит поэт Эдуардас Межелайтис. — Чюрлёнис — философ. Прежде всего, философ, изложивший свои оригинальные взгляды на Вселенную с помощью звуков, контуров, линий, красок, поэтических образов. Трудно определить, где тут кончается музыка и начинается живопись, где кончается живопись и начинается поэзия».

Музыкальность произведений искусства следует искать там, где в поисках единственно возможной художественной целостности мастер отбрасывает всё лишнее, а каждая краска «звучит» по-своему, образуя с другими красками неповторимую гармонию этой картины, только этого эмоционального состояния.

Итог урока:

Итак, мы видим, что музыкальность почти всегда присутствует в значительных произведениях изобразительного искусства. Она может присутствовать за пределами изображения — в том общем настроении картины, которое иногда даже называют музыкальным словом «тональность».

Музыкальность живописи — это не только угадываемые, предполагаемые звуки — звуки, зарождающиеся в душе композитора, звуки музыкальных инструментов, звуки природы, — но и такие чисто изобразительные свойства картины, как её колорит, композиция линий и цветовых сочетаний, расположение ритмических элементов, вся организация художественного пространства.

Музыкальность произведения искусства следует искать там, где оно стремится к преодолению первоначального хаоса бытия, где в поисках единственно возможной художественной целостности мастер отбрасывает все лишнее, где каждая краска по-своему «звучит», образуя с другими красками собственную неповторимую гармонию только этой картины, только этого эмоционального состояния.

Такая связь живописи и музыки, конечно же, метафорична, но то, что она существует, подтвердит каждый художник.

Вопросы и задания:

1. В каких формах музыка может присутствовать в произведениях изобразительного искусства?
2. Какие средства художественной выразительности в изобразительном искусстве могут быть в наибольшей степени уподоблены музыкальным?
3. Почему М. Чюрлёнис своей картине «Соната моря» дал такое название?
4. В «Дневнике музыкальных наблюдений» попробуйте выразить какую-нибудь наиболее близкую тебе музыкальную идею. Дай своему рисунку название.

---

Презентация

В комплекте:
1. Презентация — 41 слайд, ppsx;
2. Звуки музыки:
    Дебюсси. «Прекрасней соборов стихия морская…», mp3;
    Чюрлёнис. Симфоническая поэма «Море», mp3;
3. Сопровождающая статья — конспект урока, docx.

10 успешных зарубежных художников, которые живут в наше время

1. Питер Дойг

Родом из Шотландии, переехал в Канаду

В магическом реализме Питера Дойга в действительную вселенную, которую художник изображает на полотне, врываются мистические элементы. Потустороннее оказывается очень даже по нашу сторону. Одна из особенностей пейзажей Дойга – расположения линий горизонта. Три плана будто бы наслаиваются друг на друга. Например, деревья одновременно позади героев (которые расположились на первом плане) и наверху, над ними. Отсюда другое, новое ощущение пространства. Кроме того, из картины в картину перемещается образ лодки – кажется, это уже стало отличительным символом полотен шотландского художника. Вот будто бы кровавая ладья плывет с пассажирами в белых одеяниях. А тут на все таком же алом каноэ мы видим девушку. Любопытно, что за основу Питер Дойг часто берет фотографии, картины мастеров прошлого, буклеты и другие изображения. Но они проходят настолько грандиозную художественную обработку, что на исходник в итоге становятся мало похожи. Словно мерцающие (что только усиливает ощущение чего-то сверхъестественного), яркие и контрастные полотна Питера Дойга экспонировались в Шотландской Национальной галерее, галерее Tate в Лондоне, парижском Музее современного искусства, Музее искусств Далласа, и этот список можно продолжать долго. 

2. Джули Мерету

Родом из Эфиопии, живет в США

Абстрактная живопись Мерету напоминает ураган линий вместе со взрывом цвета – и иногда еще геометрических фигур. Кажется, вся суета мира, все стремительные изменения в обществе и в людях, связь пространства и времени – все это нашло отражение на полотнах Джули. За счет графических элементов поверх калейдоскопа красок художница достигает удивительного пространственного эффекта – зритель сам попадает в гущу событий, в центр абстракции. Тем более если учесть, что формат полотен этой художницы огромен. Размер самой большой работы Мерету – 24 на 7 метров. Вдохновение автор черпает из архитектуры и городских пейзажей. В ее абстрактных картинах все же можно разглядеть этот самый город – например, очертания зданий и людей. Напоминает ребус – абстракции Джули действительно можно разгадать (или хотя бы попытаться).

Ее картины продают на аукционах за миллионы долларов. Она создала крупный мурал в вестибюле небоскреба Goldman Sachs (США). А в 2020 году Джули Мерету вошла в список 100 самых влиятельных людей по версии американского журнала Time. 

3. Ибрагим Эль-Салахи

Судан

В 1970-е африканский художник-модернист был ложно обвинен в антиправительственной деятельности и без суда отправлен в тюрьму. Сначала он провел несколько месяцев в камере, после – под домашним арестом. В тот период он рисовал – и прятал работы в грязи, чтобы охранники их не заметили. После освобождения Салахи объединил эти картины в серию «Тюремные дневники» – получилась хронология из 37 листов. Среди них есть как изображения, так и тексты – и все эти мрачные работы рассказывают о жизни за решеткой. Впоследствии «Тюремные дневники» купил MoMA (Музей современного искусства в Нью-Йорке). 

Одной из самых известных картин суданского живописца стали «Деревья». Это яркие цветные полосы – собственно, деревья – поверх и позади белых пятен (что понимать под ними – личное дело каждого зрителя). В остальном же на полотнах преобладают приглушенные коричневые, серые, зеленые и синие оттенки, причудливые фигуры, искаженные изображения людей и необычные, как будто даже магические символы. 

Работы Ибрагима Эль-Салахи экспонировались в галерее Tate Modern в Лондоне, в галерее Sharjah Art Foundation в Шардже (ОАЭ), в музее Ashmolean в Оксфорде. 

4. Брайс Марден

США

Творчество этого американского художника можно отнести к минимализму. На раннем этапе он писал цветные геометричные блоки. Причем мог сочетать на одном полотне разные художественные материалы – например, два вида красок. Позже его узнаваемым сюжетом стали извилистые разноцветные линии на монохромном фоне приглушенного оттенка. Большое значение имеет то, как Брайс сочетает цвета – а делать он это умеет. «Чистых» красок тут не найти – сплошные оттенки и полутона. За счет этого картины не выглядят однообразно – каждая вызывает особенные ощущения у зрителя. Все-таки цвет – это практически отдельный визуальный язык, которым американский минималист владеет свободно. А переплетающиеся и запутанные линии (начала и конца которых мы, кстати, не видим, они словно единое целое) выступают как абстрактный элемент. Он позволяет зрителю вложить свой собственный смысл, разглядеть что-то свое или попробовать разгадать, что видит на картине автор. 

Работы Мардена хранятся в коллекциях Художественного института Чикаго, Национальной галереи искусств в Вашингтоне (округ Колумбия), в галерее Tate в Лондоне и в Kunstmuseum в Базеле, хотя на этом список не заканчивается. На аукционе его полотно The Attended ушло за более чем 10 миллионов долларов.

5. Такаси Мураками

Япония

Такаси Мураками работает в стиле поп-арт. Он переосмысливает образы из традиционной японской культуры, изображает их на современный лад, внедряет новые детали. Его полотна отличаются яркостью, разнообразием цветов, контрастом и четкими линиями. Вы наверняка видели улыбчивых ромашек или причудливых «кавайных» (в переводе с японского – «милых», но оригинальное слово все-таки лучше отражает суть) кроликов или мордочку неопознанного животного с тремя глазами. Так вот, это все – картины Мураками. Его персонажи красочные, чудаковатые, будто бы гиперболизированные. У них запросто может быть десяток глаз, цветной язык или волосы. Образы могут быть навеяны аниме или мангой и выглядят крайне жизнерадостными. Но кроме привычных для художника поп-арт-картин, он создал работы, посвященные религии и мифологии. Желание затронуть эти темы появилось у автора после землетрясения на японском острове Хонсю. Творчество Мураками – пример того, как «чистое» и коммерческое искусство вовсе не спорят и не борются, а создаются одновременно и взаимодействуют друг с другом. Японский художник сотрудничал с Louis Vuitton. А список его персональных выставок выглядит гигантским – он начинается еще в 1980-х и продолжает дополняться до сих пор. Кроме залов родной Японии, работы Мураками экспонировались во Франции, Италии, США, Великобритании, России и на Украине.

6. Пьер Сулаж

Франция

Французскому художнику-абстракционисту в прошлом году исполнилось сто лет. Его юбилей Лувр и Центр Помпиду отмечали совместной выставкой. И это понятно – Пьера Сулажа называют «мастером черного цвета». На протяжении нескольких десятилетий он создает черно-белые, а то и вовсе полностью черные полотна. Сам живописец объясняет это тем, что черный – отсутствие цвета, то есть иное восприятие реальности. Это другой взгляд на вещи, который позволяет переосмыслить понимание красоты и искусства. Кроме того, такое цветовое решение меняет пространственное ощущение – при взгляде на картину зрителя словно затягивает в нее. Черные мазки, наслоение краски, фактура, черные линии – прямые, извилистые, ломаные, запутанные, – такими представляются работы Сулажа. Но если постараться, можно найти еще охру, серый и кирпичный оттенки. Французский художник обращает внимание на взаимодействие и связь черного цвета со светом. И это ключевой момент во всем его творчестве. Иногда кажется, что его полотна написаны самим светом – настолько они изменчивы в зависимости от точки, с которой смотришь. Он абстракционист, а в сочетании с монохромной черной палитрой у зрителей открывается еще больший простор для размышлений и поиска собственного смысла в картинах. Пьер Сулаж – один из самых дорогих из ныне живущих художников. Его полотна экспонировались и в России – в Эрмитаже и Третьяковской галерее. 

7. Дэвид Хокни

Великобритания

Работы этого британского художника реалистичные, контрастные, яркие. Объекты и фигуры он изображает объемно, а линии и очертания – довольно четкие и явные. Трудно не обратить внимание на то, что Хокни словно переносит на себя красочность своих картин и само искусство – он сочетает изумрудные брюки с фиолетовым полосатым джемпером, а желтый галстук с пастельно-голубой рубашкой. Кажется, работа с цветом – важная и даже неотъемлемая часть его творчества. За счет оттенков и теней и создаются те самые объем и живость фигур на его полотнах. Они будто бы солнечные, искрящиеся. Во вселенной Дэвида Хокни вода в бассейне ярко-бирюзовая, а деревья могут быть как зелеными, так и синими или неоново-фиолетовыми. Вдохновение художник нашел в Калифорнии, куда переехал в 1960-е. Кроме классической живописи – красками и прочими привычными инструментами, британец экспериментировал с пленочными снимками, пробовал работать в жанре коллажа, а позже и вовсе начал создавать цифровые картины. Работы Дэвида Хокни экспонировались в парижском Центре Помпиду, в галерее Tate Britain в Лондоне (билеты на эту выставку были распроданы еще до ее открытия), в галереях США, Германии, Великобритании, Нидерландов, Японии – все несколько сотен выставок перечислить тут просто невозможно. Кроме того, художник сотрудничал с журналом Vogue – он создал портретный коллаж для обложки.

8. Герхард Рихтер

Германия

Его полотна уходят с молотка за несколько десятков миллионов долларов. А в прошлом году в прокат вышел фильм «Работа без авторства», посвященный этому немецкому абстракционисту. Кинолента получила премии «Оскар» и «Золотой глобус» за лучшую картину на иностранном языке. Так что же создает Герхард Рихтер? Художник пробовал работать в разных жанрах. На его счету и картины в стиле рекламных плакатов с надписями поверх изображений, и перформансы, и минималистичные монохромные серые прямоугольники, и в конце концов цветные абстракции. Для последних, кстати, он брал за основу серый цвет, к которому относится по-особенному. С помощью него автор выводил разные оттенки зеленого, красного, желтого, синего. Работа с цветом и эксперименты с этим «художественным языком» – важная часть творчества Рихтера. Краски на полотнах немецкого абстракциониста смешиваются, накладываются, соединяются, проникают пятнами друг в друга. Где-то это многочисленные цветные мазки, а другие картины напоминают экранные помехи. 

Его полотна хранятся в коллекциях парижского Центра Помпиду, галереи Тейт Модерн в Лондоне и MoMA в Нью-Йорке, а витраж украшает Кельнский собор в родной Германии. Кроме того, на Венецианской биеннале в 1972-м году впервые весь павильон страны был отдан одному художнику – им был Рихтер. 

9. Фрэнк Стелла

США

Яркие разноцветные и черно-белые полосатые полотна – таким представляется творчество этого американского художника. Его живопись можно назвать абстрактным экспрессионизмом. Работы Стеллы геометричны, а большую роль играет линия. Полосы разных оттенков образуют разнообразные фигуры – чем-то напоминает оптические иллюзии, когда что-то вертится, крутится, переплетается и движется. Одни картины будто уходят вглубь холста, продолжаются где-то там, внутри, вдали от зрители. Другие, напротив, выскакивают на смотрящего, отличаются визуальной объемностью. Кроме привычных прямоугольных форм встречаются и фигурные холсты – например, в виде букв английского алфавита. В художественных материалах фантазии художника нет границ. Его инструментами становились проволочная сетка, части стальных труб, автомобильная краска, алюминий, стекловолокно, в конце концов – технология 3D-печати. Разнообразны и сами подходы к созданию полотен: в их числе гравюра, литография, трафаретная печать и травление. Работы Фрэнка Стеллы можно найти в коллекциях музея искусств Метрополитен в Нью-Йорке, музея Кунста в Базеле, Чикагского художественного института, Национальной галереи искусств в Вашингтоне (округ Колумбия) и галереи Тейт в Лондоне.

10. Брюс Науман

США

Первое, что приходит на ум, когда слышишь имя этого художника, – неон. Брюс Науман создает цветные неоновые надписи, композиции из слов и фраз, человеческие фигуры, спирали и другие объекты. Но на своем творческом пути он пробовал многое – фото, видео, инсталляции, голограммы, скульптуры, перформансы. А начинал и вовсе с художественных экспериментов над собственным телом. Кажется, мотив человеческого тела и его частей сохранился в творчестве Наумана – например, в скульптурах в виде рук и ладоней, многочисленных образах людей в движении, созданных из неоновой проволоки. Брюс Науман – обладатель сразу двух «Золотых львов» Венецианской биеннале. Его арт-объекты экспонировались в галерее Tate Modern в Лондоне, музее современного искусства MoMA в Нью-Йорке, в художественном музее Гамбургский кунстхалле в Германии, а также в выставочных залах Бельгии, Швеции, Испании, Франции, Южной Кореи и других стран.

Вероятно, вам также будет интересно:

13 популярных российских художников, которые живут в наше время

12 фильмов о художниках и скульпторах, которые вдохновляют

Понюхайте искусство: как запахи влияют на память и эмоции

Как Джеймс Стант обманул королевскую семью и стал миллионером

10 лучших картин о любви

1 | Рембрандт 

Еврейская невеста (1665)

Об этом шедевре Рембрандта мы очень мало знаем — кто эта пара, была ли девушка невестой, были ли эти люди на самом деле евреями, но в любом случае этот образ выходит за рамки портретов. Их лица сияют любовью. Их позы прекрасны: его рука мягко покоится на ее груди. Женщина, прикасаясь к руке мужчины, поддерживает этот жест. Интимность их отношений выражена именно этим прикосновением, которое составляет ядро картины. После микеланджеловского «Сотворения Адама» это, пожалуй, самый цитируемый жест в истории живописи. А сама картина — полна вдохновения для терпения, смирения и любви.  

 

2 | Рубенс

Автопортрет с Изабеллой Брант (1609)

Эта картина создана Рубенсом вскоре после женитьбы и изображает супругов на фоне куста жимолости. Спокойствие и безмятежность исходят от картины, на которой фигуры изображены одинаково большими и рядом друг с другом — выражение самостоятельности и равноправного положения супругов. Рубенс расположился на скамье, а Изабелла — на коленях возле него на брошенном на землю голубом плаще. Все в саду процветает и эти двое оберегают друг друга своей любовью. Поза художника исполнена крайней непринужденности и свободы, он сидит, закинув ногу на ногу. История мирового портрета еще не знала подобной раскованности движения позирующей для портрета модели.

3 | Ватто

Сюрприз (1718)

Когда солнце исчезает, и вечер полон обещаний, музыкант сидит рядом с молодой парой, соединенной в страстном поцелуе. Они настолько поглощены своими объятиями, что едва ли помнят об этом неудобно близком зрителе. Возможно, музыка — пища для их любви, а, может, они вовсе ее не слышат. Как бы там ни было, но мы видим одного из полутрагических наблюдателей Ватто. Есть мнение, что во всех своих произведениях художник изображает чувство тоски по недостижимому миру мечты. 

 

4 | Ренуар

Танец в деревне (1883)

Любовники Ренуара в смятении от музыки, танцев, летней жары… и друг от друга. Их пикник был оставлен ​​в беспорядке; шляпа (его?) упала на землю; и девушке только остается поддаться поклоннику, который крепко держит ее за запястье и талию. Кажется, что вся картина колеблется. Центром мягкой и знойной композиции является улыбка на прекрасном лице девушки. Направленный прямо к зрителю, этот образ — фиксация момента истинного счастья. 

5 | Климт 

Поцелуй (1908)

Обернутые друг в друга, влюбленные погружены в вечный поцелуй. Нет ощущения телесности под роскошными одеждами. Голые ноги, цветы в волосах: неудивительно, что хиппи любили шедевр Климта, и он остается самым известным поцелуем в живописи. Идеальный квадрат холста, идеальные пропорции, полная гармония, и мир растворяется в мерцании вокруг. 

 

6 | Шагал 

День рождения (1915) 

Муза и жена Шагала, Белла, вспоминала, как в день рождения мужа она собрала у себя дома яркие платки, нарвала в соседнем саду синие цветы и украсила его мастерскую: «Я все еще держала цветы. Сначала порывалась поставить их в воду. Завянут же. Но очень скоро про них забыла. Ты так и набросился на холст; он, бедный, задрожал у тебя под рукой. Кисточки окунулись в краски. Разлетались красные, синие, белые, черные брызги. Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой. Как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке. Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком». Потолок раздвинулся — и влюбленные устремились в синеву витебского неба. Кто-то называет эту картину «метафорой обретенного счастья», а Марк Захарович был проще в определении: «Только открыть окно — и она здесь, а с ней лазурь, любовь, цветы. С тех давних пор и по сей день она, одетая в белое или в черное, парит в моих картинах, озаряет мой путь в искусстве». 

 

7 | Магритт 

Влюбленные (1928)

Пара пытается поцеловаться, но их губы и глаза никогда не встречаются. А, может, эти двое вообще не знают друг друга. И это свидание вслепую? Или слепота любви… Художнику нравилось, когда тайну изображаемых им образов пытались раскрыть при помощи различных интерпретаций. Однако сам он не соглашался ни с одной из них. Магритт писал: «Мои картины – изображения, которые ничего не скрывают…они вызывают тайну и, действительно, когда человек видит одну из моих работ, задается этот простой вопрос: «Что это значит?» Это ничего не значит, потому что тайна ничего не значит, она непознаваема».

8 | Фрида Кало 

Автопортрет в образе техуаны (1943)

Этот двойной портрет был начат в конце лета 1940 года после того, как художники Фрида Кало и Диего Ривера развелись. Традиционно, Кало делает метафоры буквальными. Она не может перестать думать о Диего, одержима мыслями о муже. Фрида носит традиционный мексиканский костюм, который он любил, и корону из листьев, которая, кажется, распространяется как паутина. Художница и ее любовь будто попали в ловушку. Но это не конец. К тому времени, когда картина была окончена, в 1943 году художники вновь были вместе.

 

9 | Стэнли Спенсер 

Воскресение: Reunion (1945)

Что есть любовь? В представлении Стэнли Спенсера, любовь является не каким-то поэтическим понятием, а призывом к всеобщим объятиям. Мы будем встречаться снова и снова, даже после смерти, наша любовь никогда не умрет. Может быть это именно то, на что мы все надеемся…

10 | Роберт Индиана 

Love (1965)

Поп-художник Роберт Индиана создал чистую и концентрированную современную пиктограмму в известной картине, противопоставляя красный цвет любви голубому и зеленому фону. Изображение было продано за миллион, это валентинка нашего поколения. Любовь — что еще имеет значение?

9 современных художников, за которыми надо следить

Назвать кого-то «вторым Бэнкси» уже давно звучит как сомнительный комплимент – кроме Бэнкси есть десятки актуальных художников, упаковывающих социальные или чисто эстетические высказывания в разноцветные (или черно-белые) уличные картинки. Вместе с лимитированной арт-серией Hennessy Very Special, воплотившей своенравный и независимый дух стрит-арта, рассказываем о современных уличных (и не только) художниках, за которыми надо следить, а также о городах, куда стоит поехать, чтобы посмотреть на их работы.

 

Felipe Pantone

  Сайт  |  Instagram

 

 

Фелипе Пантоне родился в Буэнос-Айресе, в 10 лет переехал Испанию, а в 12 – начал рисовать граффити. Впрочем, официальное образование в области изящных искусств он тоже получил – в Валенсии, где и находится его студия. Пантоне – это псевдоним. Когда художник начинал заниматься стрит-артом, его ник был Paint One, но в процессе это все слилось в одно слово. А вот если ты встретишь Фелипе где-то на улице, ты его не узнаешь – художник принципиально не фотографируется. Стиль Фелипе напомнит тебе о каллиграфии, винтажной типографике и оп-арте, художественном течении второй половины XX века, которое использовало оптические иллюзии и геометрические абстракции, дающие зрителю впечатление движущихся узоров. Художник много путешествует, поэтому темы динамичности, трансформации, современных технологий и их связи с искусством тоже важны в его творчестве: он даже пишет об этом в своем манифесте, который так и называется – Dynamic Phenomena.

Сейчас Фелипе продолжает рисовать на улицах, устраивает собственные выставки и сотрудничает с разными компаниями. Например, Пантоне стал первым современным художником, сделавшим фильтры специально для Instagram, а в этом году стал автором этикетки лимитированной серии Hennessy Very Special Limited Edition и арт-объекта — инсталляции, состоящей из ста пронумерованных элементов, каждый из которых можно купить и персонализировать. Это продолжение одного из проектов художника – Configurable Art. Он считает, что в мире, где все подвержено кастомизации – от телефона до кроссовок – любой желающий может собрать и собственный арт-объект из предложенных Пантоне паттернов, глитчей и элементов компьютерной графики. Configurable Art — это взаимодействие технологий, интернета и искусства. Принципу динамичности и тут нашлось место: художественные элементы, которые можно использовать для создания рисунка, обновляются.

Ближайшее произведение Фелипе – монументальное граффити на боковой стене торгового центра «Атриум» в Москве и 24-метровaя инсталляция «Фонтан данных» внутри. Работы Пантоне также можно увидеть в арт-квартале Винвуд в Майами, Риме, Гонконге и других городах – из последних творений нас больше всего впечатлила трехмерная инсталляция в Siam Center (Бангкок, Таиланд).

Если не собираешься никуда ехать, можешь не сходя с места заценить его мурал в виде QR-кода (самый большой в мире, как утверждает сам художник) высотой 25 метров и шириной 30. Оригинал находится в бельгийском Хасселте, но отсканировать можно на сайте художника.

 

 

 

Vhils

  Сайт   |  Instagram

 

 

Вилс родился в Лиссабоне и рос там в то время, когда атмосфера в Португалии была весьма терпима к граффити, а рисовать на улице было безопасно и намного интереснее, чем сидеть у телевизора. Так что Вилс начал ставить теги на пути в школу, потом переключился на поезда – он жил возле пригородной железнодорожной линии, потом стал выбираться в другие города Португалии и Европы, присоединяться к арт-группам и участвовать в выставках. В конце концов добрался и до Лондона, где закончил престижный колледж искусств и дизайна, а в 2008-м Бэнкси (ну да, какая статья про стрит-арт без Бэнкси!) пригласил его поучаствовать в фестивале стрит-арта в Лондоне. Дальше были другие фестивали, выставки и биеннале современного искусства, работы по всему миру – в галереях и на улицах.

Это тот самый автор, работы которого ты узнаешь в любом городе мира из-за специфической фактуры и техники: это портреты людей, созданные с помощью абразивных инструментов и жидкостей, разрушения штукатурки стен, скретчинга и даже контролируемых взрывов. Часть работы всегда остается незаконченной – дальше в дело вступает окружающая среда, под воздействием которой произведение продолжает меняться. Вилс напоминает, что стрит-арт – это не только краска, а еще и дрель, молоток и зубило, и в его случае уличное искусство больше похоже на археологические работы, открывающие то, что лежит под поверхностью. Создание некоторых его произведений занимает не меньше месяца. Среди героев портретов – и реальные герои, узнаваемые жителями города, и неизвестные люди, превращенные в иконы, например, жители трущоб в Рио-де-Жанейро, чьи лица появились на стенах, оставшихся после сноса домов.

Много масштабных творений Вилса ты встретишь на улицах Лиссабона и других городов Португалии (чекай карту). Не пропусти крутую коллаборацию с Шепардом Фейри, которая сочетает фирменные яркие краски Шепарда с фирменным грубым многослойным стилем Вилса. Если до Лиссабона ехать далеко, можешь сгонять в Киев. Там на улице Михайловской – портрет Сергея Нигояна, первого погибшего во время Евромайдана, а в Москве – портрет Маяковского, практически выгравированный на многослойной штукатурке.

 

 

 

JonOne

  Сайт  |  Instagram

 

 

Джон начал рисовать граффити в 1980 году в Нью-Йорке, где в то время наркотики достать было легче, чем краску. Атмосфера была довольно унылая и беспросветная, и люди, которые просто писали свои имена на стенах, казались настоящим символом свободы и бунта. Джон присоединился к ним со своим маркером, начав со стен собственного дома, а когда это не встретило поддержки у жильцов, переключился на метро – ведь это настоящий музей стрит-арта, который мчится через весь город. Было опасно: на краску не хватало денег и ее пришлось украсть, можно было попасть под поезд, пока прячешь баллончик с краской. Джон стал выделяться: пока остальные рисуют графику, он переключается на абстракции, его начинают звать на выставки и арт-тусовки, а один новый богатый знакомый приглашает в Париж. 

В Нью-Йорк он уже не вернулся, а остался в парижском арт-сквоте Hospital Ephemeral, где жило множество художников и который стал его студией. Джон рисует не только на стенах, но и на холсте: работа, созданная в Hospital Ephemeral, была продана за рекордную для стрит-арта цену во Франции (€ 25 000). Теперь у него своя студия, орден Почетного легиона и внушительный список коллабораций: помимо бутылки Hennessy, он раскрасил самолет Боинг-777 и банковскую карточку. Впрочем, это не мешает ему ходить в испачканных краской брюках (в них он демонстративно фотографируется на фоне своих картин). Все его работы абстрактны и могут напомнить тебе стиль Джексона Поллока и Жана-Мишеля Баския – точки, линии и потеки краски в неоновых оттенках. 

Прямо сейчас ты можешь увидеть его работы в Париже на выставке Art Élysées в секции урбан-арта в рамках Парижской недели искусства. Еще один шанс – выставка Blue Night в Galerie Droste (Katernberger Str. 100) в Вуппертале, которая продлится до 23 ноября. Несколько работ есть в постоянной коллекции Ghost Gallery в Марселе.

 

 

 

Scott Campbell

  Сайт

 

 

Скотт Кэмпбелл – художник и татуировщик со своей студией в Нью-Йорке, который делал тату Роберту Дауни-младшему, Пенелопе Крус, Стингу и другим знаменитостям. Скотт изучал биохимию и планировал стать медицинским иллюстратором, но бросил учебу, переехал в Сан-Франциско и начал заниматься татуировками, путешествовал по Азии (зарабатывая себе на дорогу снова-таки тем, что делал тату), а потом осел в Нью-Йорке, открыв свою студию Saved Tattoo в Бруклине – первым звездным клиентом стал Хит Леджер. 

Помимо тату, Скотт занимается созданием арт-объектов, творческими коллаборациями и перформансами. Одним из них была акция, когда он сделал татуировки 23 посетителям выставки. Через дыру в стене. Какими будут тату, участники, конечно, заранее не знали. 

Художник выставлялся в московском «Гараже» и лондонском Covent Garden. У работ Скотта всегда потенциал скандала: сшитые куски свиной кожи с набитыми татуировками, объекты, созданные из вещей, найденных в тюрьме в Мехико, художественно разрезанные долларовые купюры, графика на яичной скорлупе, реплика отвертки из золота и драгоценных камней. 

 

 

Ryan McGinness

  Сайт  |  Instagram

 

 

Цветы, флуоресцирующие мандалы, похожие на причудливую радужку глаза и странные уличные знаки – это фирменный стиль нью-йоркского художника Райана МакГиннесса. Он вырос на культуре серферов и скейтбордистов, проходил стажировку в Музее Энди Уорхола – отзвуки всего этого ты и встретишь в его работах, использующих яркие краски, образы поп-культуры и логотипы корпораций.

Среди его работ – оформление скейт-парка в Детройте, где художник перепридумал визуальный стиль запрещающих уличных знаков, сделав их сюрреалистичными и абсурдными. Продолжением взаимодействия художника с уличной средой стала инсталляция Sign Trees, выглядящая как «деревья» из уличных знаков – на которых вместо привычных простых символов появляются голова оленя, метроном или сложный орнамент. Разгадывать, что именно предписывает или запрещает такой знак, можно бесконечно. Однажды сюрреалистичные знаки художника появились прямо на улицах Нью-Йорка, причем ответственным за производство и установку был городской департамент транспорта. Бруклин тоже получил свою порцию странных зеленых знаков, а парк Хай-Лайн – светящуюся неоновую инсталляцию в виде фигур женщин. Работы художника найдешь в постоянных коллекций музеев современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего, Цинциннати.

 

 

Shepard Fairey

  Сайт  |  Instagram

 

 

Даже если ты не знаешь его имени, ты точно знаешь его работы: тот самый портрет Барака Обамы с надписью Hope и Большой брат с надписью Obey – это изображение французского борца Андре Руссимоффа по кличке Giant.

Начиналось все совсем не на улице: Шепард ходил в консервативную частную школу и жил довольно скучной жизнью, пока не открыл для себя скейтбординг и панк-рок, начав разрисовывать доски и одежду для друзей. В результате он закончил целых две художественных школы, причем довольно престижные – школу искусств в Калифорнии и Род-Айлендскую школу искусства и дизайна, одну из старейших художественных школ США. В Калифорнии Шепард увлекся хип-хопом и задумался о расизме и социальной справедливости – эта тема до сих пор важна в его работах.

В какой-то момент Шепард напечатал наклейку с надписью Obey, раздавал ее друзьям-скейтбордистам и сам расклеивал ее повсюду. Позднее это стало отдельным брендом стривира – Obey Clothing. Шепарда арестовывали 18 раз, но сейчас у него есть своя галерея и студия дизайна в Лос-Анжелесе, причем в том, что касается галереи, он заботится не о прибыли, а о том, чтобы дать площадку молодым художникам. 

Шепард делает муралы, плакаты и коллажи из старых газет и обоев – ему нравится, чтобы работа была текстурной и многослойной, нравится, что работу на улице кто-то может заклеить, добавив к ней еще один слой. Так процесс свободного творчества не прекращается. Его стиль – портреты, напоминающие работы Энди Уорхола и пропагандистские плакаты, обычно с политическим подтекстом (Шепард делает плакаты для благотворительных организаций и протестных маршей). Художник любит порассуждать о философии, цитирует Хайдеггера и Ороуэлла, так что если хочешь не только визуальной, но и интеллектуальной пищи, почитай его манифест и эссе. 

Стикеров и муралов Шепарда полно по всему миру. Выделим три: мурал в Москве «Искусство должно распространяться повсюду» (фасад трамвайного депо имени П.Л. Апакова на Мытной), вдохновленный советским авангардом и конструктивизмом с его простыми формами и базовыми цветами; мурал в Йоханнесбурге – портрет Нельсона Манделы в честь 25 годовщины начала протестов против апартеида, и мурал с изображением Марианны, символа Французской республики в Париже, посвященный жертвам атак 2015 года. Ни к чему не призываем, но если у тебя давно чесались руки попробовать себя в качестве уличного художника, то знай, что на сайте Шепарда можно скачать те самые стенсилы Obey. 

 

 

Os Gemeos

  Сайт  |  Instagram  |  Facebook

 

 

Бразильских близнецов ты, скорее всего, знаешь: их фирменные желтые гиганты могут взглянуть на тебя со стены практически любого города мира. 
Близнецы родились в 1974-м году в Сан-Паулу (мама и старший брат – художница и скульптор), а в 12 лет увлеклись хип-хоп культурой и граффити. Сан-Паулу – живой и хаотичный город, улицы которого они и начали расписывать. Интернета и смартфонов тогда не было, поэтому в поисках информации братья иногда вырывали страницы из книг в библиотеке, а в поисках вдохновения обращались к бразильской культуре. И пока другие художники вовсю переходят на виртуальное искусство, для них по-прежнему важно искусство физическое. Постепенно братья вливались в бразильскую арт-тусовку, а после интервью в журнале об уличном искусстве становятся знаменитыми.

Сегодня рисунки близнецов можно увидеть в Австралии, Аргентине, Германии, Греции, Испании, Португалии, США, Франции и Чили. В Рио-де-Жанейро они расписывали поезда в рамках социального проекта вместе с немецкими, итальянскими и американскими художниками и местными школами: художники проводили мастер-классы, а дети создавали свои рисунки. Огромные работы Os Gemeos появлялись на стенах шотландского замка Кельбурн XIII века, лондонской галереи Tate Modern и минской заводской улицы Октябрьской. Узнать Os Gemeos просто – желтые человечки (братья говорят, что этот образ – то, как они видят себя во сне) и сказочные вселенные. Наслаждайся.

 

 

 

Futura

  Instagram

 

 

Futura – один из первых уличных художников в США, который лично знал многих активистов уличной сцены периода волны граффити 70-х. Псевдоним – дань любви к фильму «Космическая одиссея 2001» Стенли Кубрика. В целом, жизнь Futura похожа на путь многих других современных художников: начинал с граффити-тегов, перешел к абстрактной живописи на холстах, попал с уличных стен в музеи и галереи, коммерциализировал свое искусство, став дизайнером – но штука в том, что все это он сделал на двадцать лет раньше. И пока другие вдохновлялись Энди Уорхолом и Жаном-Мишелем Баския, он был знаком с ними лично.

Futura довольно быстро понял, что теги и буквы в нью-йоркской подземке его не устраивают, и перешел к абстрактной живописи, напоминающей о космосе, звездных туманностях и солнечных системах (они могут напомнить тебе композиции Кандинского из точек и линий). Художник несколько лет служил в флоте, что позволило ему повидать многие страны мира, а вернувшись домой, вернулся и к уличному искусству в местной арт-тусовке. Сейчас его работы можно найти в Нью-Йорке, Париже и Лондоне – больше в музеях, чем на улицах. Новаторским (для того времени – дело было в 2000-х) стал мультимедиа арт-проект Defumo, когда культурный центр в Италии трое известных стрит-арт художников за неделю превратили в музыкальный клуб. Документация проекта связала между собой муралы, фотографию, видео, анимацию, аудиозаписи и музыку – это было действительно дело будущего. 

Наконец, Futura был одним из первых, кто превратил свое творчество в успешный бизнес. В самом начале 90-х он путешествовал в музыкальном туре вместе с британской панк-рок группой и вживую создавал граффити-работы во время их концертов. Потом он занимался дизайном уличной одежды и обложек для дисков, а его абстрактная живопись выставлялась на сольных выставках в Нью-Йорке, Париже и Барселоне.

 

 

Kaws
 

 Instagram

 

 

Еще одна классическая история успеха: нью-йоркский граффитчик из 1990-х становится признанным художником и дизайнером, создавая скульптуры для именитых заказчиков. Его работы узнаешь по главному герою – печальному серо-коричневому клоуну и другими переработанным героям популярной культуры с глазами-крестиками (под общим названием Companion).

Изначально Kaws занимался только рисунками, причем он получил профессиональное художественное образование и днем создавал анимацию, а ночью выходил на улицу в качестве граффитчика. Потом перешел на 3D-скульптуры, создавая их размером от нескольких сантиметров до 10 метров из алюминия, дерева и бронзы – и в этом оказался ключ к коммерческому успеху. Первой такой скульптурой был виниловый Микки-Маус, в других героях можно узнать переосмысленных Симпсонов, смурфов, Снуппи и Губку Боба – в общем, все иконы поп-культуры. Их сейчас можешь увидеть в музеях и коллекциях по всему миру, включая музеи современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего и Детройте. В качестве дизайнера он создает игрушки, одежду, скейтборды – все вещи исключительно limited edition, а однажды сделал свою версию трофея премии  MTV Video Music Awards.

 

 

 

Мы сделали этот материал вместе с Hennessy – брендом, который поддерживает современное искусство. Каждый из художников, ставших героями этой статьи, имеет за плечами опыт арт-коллаборации с Hennessy. Ежегодно на протяжении 9 лет бренд выбирает одного яркого современного стрит-артиста и предлагает ему сделать свой дизайн лимитированной серии Hennessy Very Special. В этом году в твою коллекцию может попасть бутылка от Felipe Pantone – а это достойный экспонат. Следи за Hennessy: вдруг работа твоего любимого художника попадет к ним на этикетку в следующем году?

 

 

Фото: официальные страницы художников

ООО «Дигеста Диджитал»
УНП ‎192317837

Небо на картинах известных художников

Небо на картинах выглядит необычайно разнообразно, ведь трудно найти что-то более переменчивое. Небеса могут быть нежно-розовыми, бесконечно-синими, беспросветно-серыми или мрачно-грозовыми. С их помощью можно передать любые эмоции. Но сделать это непросто: реалистичное изображение небесного пейзажа требует большого мастерства. Посмотрим, как выглядит небо на картинах художников, сумевших передать его красоту. Лучшие примеры встречаются в живописи разных стран и эпох.

Голландские небесный пейзажи XVII века

Небо на картинах появляется далеко не сразу. В Средние века пейзаж практически исчезает как жанр, а мастера Античности и Возрождения предпочитали писать виды городов, рек или моря. Небо порой используется как условное пространство для религиозного сюжета. Но в эпоху Просвещения люди начинают уделять больше внимания реальному миру вокруг. В XVII и XVIII веках жанр пейзажа расцветает сильнее, чем когда-либо ранее, а с ним взгляд художников обращается к небесам.

Небо на картинах Золотого века Голландии часто занимает две трети холста и выписывается виртуозно. Глядя на голландский пейзаж, легко определить время суток, сезон и погоду. Мастеров, прекрасно изображавших небеса, довольно много. Среди лучших — Арт ван дер Нер (Aert van der Neer), Саломон ван Рёйсдал (Salomon van Ruysdael) и его племянник Якоб ван Рёйсдал (Jacob van Ruisdael).

В 1680 году у художников появился особенный повод уделить внимание небесному пространству. В это время пролетала яркая комета, заметная невооруженным глазом даже днем. Как она выглядела ночью, изображено в работе Ливе Версхюра (Lieve Verschuier).

Небо у художников-романтиков

В творчестве представителей романтизма пейзаж играет огромную роль. Для этого течения характерен культ естественности и идея единения человека с природой. В живописи окружающий пейзаж часто служит отражением страстей или духовных помыслов героя. Небо может становиться символом бога и горнего мира. Это хорошо видно на произведениях немецкого художника Каспара Фридриха (Caspar David Friedrich). Его пейзажные дали полны мистической атмосферы, и на многих картинах важную роль играют небеса.

Например, в работе «Туман» земля изображена тусклой, голой и однообразной. Одинокому человеку на ней, по-видимому, тоскливо и неуютно. Но над ним — бескрайний небесный простор, играющий красками и полный жизни в виде устремляющихся ввысь птиц.

Мастерским изображением стихий прославился британский художник романтического направления Уильям Тернер (William Turner). Он бесподобно писал воду и воздух. На его акварелях запечатлено небо в разных состояниях: облачное, лунное, рассветное и закатное. За стремление отобразить переменчивую природу такой, какой она предстает в данный момент, Тернера называют первым импрессионистом. А поздние его работы, упрощенные до предела, приближаются к абстрактной живописи.

Каким увидел небо Ван Гог?

Винсент Ван Гог создал яркие и запоминающиеся образы ночного небосвода. Его «Звездная ночь» выглядит фантастично за счет предельно контрастных красок, огромных светил и вихревых потоков воздуха. Известно, что кроме Луны на картине изображена реальная Венера, которая в период работы над произведением светила необыкновенно ярко. Она находится в центральной части холста близко к горизонту.

Ван Гог восхищался ночными небесами и писал брату, что при таинственном блеске звезд жизнь кажется ему волшебной. Художник нередко писал в ночное время со свечой. Еще один результат такой работы — «Звёздная ночь над Роной». Она была написана раньше, и эта работа более умиротворяющая, по сравнению с тревожной «Звездной ночью» 1889 года. Здесь условно изображены Большая Медведица и Полярная звезда. Небесным светилам вторят земные огни фонарей, отражающиеся в воде.

Небо на картинах русских художников

В русской живописи присутствует давняя традиция изображения неба, оно встречается в произведениях многих мастеров. Например, наш лучший маринист Иван Айвазовский выписывал небеса и облака во всех их проявлениях не хуже, чем морские волны. Иногда эти две стихии сливаются друг с другом, так что не сразу понятно, где заканчиваются бушующие волны и начинаются грозовые тучи. Подобный прием мы видим и в самой знаменитой работе Айвазовского «Девятый вал», и на других полотнах.

В искусстве изображения неба преуспел ученик Айвазовского Архип Куинджи. Его картина «Лунная ночь на Днепре» вызвала такой интерес у современников, что для нее одной открыли моновыставку, собиравшую очереди. Лунный свет и его отражение в реке выглядят так реалистично, что ходили слухи об особенных флюоресцентных красках и даже о колдовстве. Небо неоднократно появляется в творчестве Куинджи — ночное, дневное, грозовое, с радугой и облаками.

Исаак Левитан оставил много этюдов, на которых тренировался изображать облака. Результат отточенного мастерства — гениальная картина «Над вечным покоем». В ней нет ни ярких красок, ни выразительных светотеней. Лишь тонкий подбор нюансных оттенков помог Левитану создать реалистичный образ русского ненастья. Небо занимает половину холста, и это не пустое пространство. Мы видим и тяжелые тучи, и легкие перистые облака, плывущие над водной гладью. Глядя на эту мощную, бескрайнюю и равнодушную к нам природу, легко почувствовать хрупкость человеческой жизни.

Небо на картинах художников — это сюжет, который всегда найдет отклик в сердце и никогда не выйдет из моды. Если вы хотите пополнить коллекцию такой работой, выбирайте ее среди лотов на сайте Very Important Lot! Здесь регулярно проводятся аукционы, на которых ценитель прекрасного всегда найдет что-то интересное.

Открывая Дороти Худ

Дороти Худ обладала всеми качествами иконы. Одна из самых талантливых художников Техаса, она была потрясающей клубничной блондинкой с бесстрашным чувством приключений. В 1941 году, только что окончив художественную школу, она поехала на родстере своего отца в Мехико и пробыла там большую часть следующих 22 лет, рисуя вместе с Диего Риверой, Фридой Кало, Роберто Монтенегро и Мигелем Коваррубиасом. Пабло Неруда написал стихотворение о ее картинах. Хосе Клементе Ороско подружился с ней и поддержал ее.Боливийский режиссер и композитор Хосе Мария Веласко Майдана сильно влюбился в нее и позже женился на ней. И после недолгого пребывания в Нью-Йорке она и Майдана переехали в ее родной Хьюстон, где она создала огромные картины ярких цветов, в которых сочетались элементы мексиканского сюрреализма и нью-йоркской абстракции так, как никто раньше не видел, что снискало ей признание. и обещания музеев крупных экспонатов. Казалось, она была на грани славы.

«Она, безусловно, одна из самых важных художников того поколения», — сказал искусствовед Роберт Хоббс.«Она представляет не только Техас, но и прекрасные связи с Мексикой и Нью-Йорком, потому что вела беседы с артистами в разных мирах. Она не только региональная, она также национальная и международная ».

Но она так и не добилась большого успеха. Худ умерла от рака груди в возрасте 81 года в 2000 году, так и не получив национального признания, которое многие, в том числе сама Худ, считали, что она должна. Почему этого не произошло, остается только догадываться: она не придерживалась чисто формалистического типа абстрактного искусства, популярного в ее лучшие времена, она была женщиной, она жила в Хьюстоне.«Если бы она была в Нью-Йорке, это была бы совсем другая история», — сказала критик и историк Барбара Роуз. «Я думаю, что картины первоклассные». Часто остается загадкой, почему одни художники становятся знаменитыми, а другие — нет. Даже для тех немногих счастливчиков, которые действительно добились признания, это часто занимает много времени, а иногда и годы после их смерти.

Пять лет назад некоторые из самых преданных покровителей Худ начали попытки возродить ее работу. Все началось с ужина в Форт-Уэрте, посвященного открытию выставки другого художника, связанного с Техасом, Александра Хоге.Во время ужина Джо Шенк, директор Художественного музея Южного Техаса Корпус-Кристи, подошел к куратору выставки Сьюзи Калил из Хьюстона и сказал: «Нам нужно поговорить о Дороти Худ».

Шенк объяснил, что Художественный музей Южного Техаса, который приобрел весь личный архив Худа, включая 1017 произведений искусства, еще в 2001 году, был слишком занят другими проектами, чтобы уделять произведениям Худа много внимания. Но, наконец, сказал Шенк, музей был готов. Будет ли Калил заинтересован в проведении полномасштабной ретроспективы и написании сопроводительной книги к выставке? Калил, который несколько лет назад познакомился с Худом в художественных кругах Хьюстона, знал ответ еще до того, как закончил фразу.«Совершенно верно», — сказала она.

Калил обладает птичьей нервной энергией и одержимостью, и она страстно любит Худ. «Когда ты стоишь перед ее действительно мощными произведениями, ты чувствуешь этот отзвук в глубине своего живота», — сказала она мне. Калил срочно хотела закрепить за Худом статус крупного американского художника двадцатого века, и она считала, что архив Корпуса может сделать это возможным. Калил смог создать выставку для Гуда в беспрецедентном для техасского художника масштабе.

Усилить наследие Худа было непросто, но возможно, и Калил был настойчив.Ей потребовалось почти тридцать лет, чтобы опубликовать книгу об Hogue и провести ретроспективную выставку. Благодаря усилиям Калила Хог, которого считали исключительно художником Пыльной чаши, в более широком смысле стал известным американским художником.

Время казалось подходящим для подобного возрождения Гуда. Калил заметила, что люди, которые в последнее десятилетие больше интересовались концептуальным искусством и фотографией, теперь снова обращают свое внимание на живопись, особенно на абстрактную работу, и переоценивают женщин-художников, таких как Элейн де Кунинг, Грейс Хартиган и Ли Краснер.Гуд тоже созрел для нового открытия. «Я не могу сейчас вспомнить другого художника, художника двадцатого века, более достойного», — сказал мне Калил. Так она намеревалась закрепить за собой известность, которой артист никогда не добивался в жизни. Но, как всегда с Дороти Худ, успех не был бы гарантией этого.

Куратор Сьюзи Калил, сфотографировано перед крестом Волшебной флейты Худа в августе 2016 года. Фотография Брайана Голдмана

Калил начал с сортировки архива Гуда, включая журналы и письма Гуда, для книги о жизни художника.Затем ей пришлось бы собрать средства для выставки и провести ее кураторство — всего за три года, а это амбициозный график, установленный музеем. Масштабы ее начинания стали очевидны, когда Калил вошла в бетонное хранилище Художественного музея Южного Техаса в 2012 году и включила свет. Она увидела три поддона от пола до потолка с ящиками и чемоданами в термоусадочной пленке. Архив Дороти Худ был в значительной степени забыт, оставлен нетронутым и неорганизованным, пыляясь в подвале с момента его прибытия в 2001 году.Это была сцена, которая заставила бы любого исследователя схватить Пепто-Бисмол.

Тем не менее, разрезая пластик, она была поражена сокровищами, заключенными внутри. Худ явно предвидела, что однажды она станет знаменитой: она вела дотошные журналы, даже когда ей было чуть за двадцать, а по мере старения она хранила копии своих писем художникам, кураторам, главным директорам музеев и известным семьям Хьюстона. Она сохранила счета, валентинки, рождественские открытки и тысячи страниц с крошечными буквами на желтых блокнотах.Там были кисти, неоткрытые тюбики с краской, банки с золотыми пятнами, чертежные столы, альбомы для вырезок, рулоны незаконченных холстов и коллекция книг (в том числе четыре экземпляра книги Льюиса Кэрролла в Зазеркалье ). Даже кремы Худ и ее мужа были спрятаны в коробке по
штук. Калил знал, что создание повествования о жизни Гуда из стопок потребует много времени, но вся информация была там.

Однако, копаясь в картинах Худа, Калил осознала, что при курировании шоу она столкнулась с противоположной проблемой.Худ был менее подробным хранителем своего искусства, чем она — своей жизни. Вскоре стало ясно, что она неправильно распорядилась рядом своих работ. В одном случае Худ присвоил одной работе шесть названий. Иногда она писала неправильные даты, если писала даты вообще. Чтобы курировать выставку, Калил нужно будет утомительно отсортировать произведения Худ, а также отыскать произведения, которых не было в архиве Корпуса, с помощью всего лишь нескольких каталогов, которые помогут ей отследить их в частных коллекциях и национальных музеях.

Но работа, которую она нашла, поразила ее.Калил знала, что на пике популярности Худа в регионе, в семидесятые и восьмидесятые годы, Худ, как и многие художники, иногда выпускала шаблонные работы, декоративные картины, которые наводнили рынок и служили ей определяющими. Калил инстинктивно почувствовал, что Худ создал более великое искусство. Тем не менее, она была удивлена ​​глубиной и сложностью, которые она увидела, работая на одном уровне с картиной Худа 1969 года Гаити, , которая пульсирует призрачными оттенками и темными силами, и ее шедевром 1972 года Зевс плачет, , в котором сочетаются кусочки розового, апельсина и т. и коричневые на фоне огромного черного пространства.И ее рисунки стали откровением. «Эти рисунки имеют точность скальпеля хирурга, — сказал Калил. «Сегодня они выглядят более свежими и острыми, чем когда они были у нее. Она намного опередила свое время ».

Все эти произведения искусства, все эти памятные вещи составляли головоломку. Калил установила несколько столов, перебирая коробки и сундуки, копаясь в пачках писем и фотографий, помечая предметы липкими заметками. Разворачивалась история Дороти Гуд, которую раньше никто не слышал.

Гуд, сфотографирован в Мексике в сороковых годах. Предоставлено Художественным музеем Южного Техаса

Ее воспитание казалось идеальным, по крайней мере, со стороны. Она росла в комфорте, единственная дочь Джорджины и Фрэнка, вице-президента Houston’s City Bank and Trust. Должно быть, ее сверстники завидовали Худ, когда она играла на яхте друга или наслаждалась трюками с петлей в двухместном самолете, совладельцем которого был ее отец, но к тому времени, когда ей исполнилось одиннадцать, ее очаровательная жизнь исчезла: ее родители разошлись, ее отец женился повторно, а ее мать, с которой остался Худ, заболела туберкулезом, что потребовало посещения ближайшего санатория.Худ чувствовала себя физически покинутой отцом и эмоционально покинутой ее матерью, которая, как писал Худ, «хотела бы, чтобы я был другим, но я был ее продуктом, продуктом ее депрессии, ее плача, ее хрупкого здоровья».

После изучения искусства в Школе дизайна Род-Айленда Худ переехала в Нью-Йорк и некоторое время поддерживала себя моделью для модных журналов. В 1941 году она с двумя друзьями поехала в Мехико. И то, что она нашла, изменило ее жизнь. «Мексиканская революция закончилась всего двадцать лет назад — ее огни, иллюзии и воспоминания все еще витали в воздухе.Это была эпоха активности художников и интеллектуалов », — написала она.

Двухнедельный отпуск стал 22-летним пребыванием. Она носила туфли на веревочной подошве и жила в доме Фриды Кало и студии Диего Риверы. На званых обедах и в кафе она общалась с художниками-сюрреалистами Ремедиос Варо и Леонорой Каррингтон. Она флиртовала и отбросила все, что осталось от ее викторианских сексуальных нравов («Она была, ммм, богемной», — сказал мне один друг), и стала любовницей с испанским писателем Рамоном Сендером, который писал в постели, попивая густой мексиканский шоколад с сырым в него упало яйцо.Очевидно, она была далеко от дома.

Хотя у нее было мало денег, Худ работала над своим искусством и начала формировать свой абстрактный стиль, часто в студии Ороско, где ей давал советы великий художник-монументалист. Когда она пожаловалась на то, что у нее нет денег на краски и холст, он посоветовал ей рисовать на бумажных пакетах.

То, что вылетало из нее, было иногда образным, иногда абстрактным и часто тревожным. В хаотических сценах военного времени были изображены худощавые, преследующие детей и лошади, топчущиеся над матерью и ребенком.И картины, когда она могла себе их позволить, были столь же мучительными и мрачными. Неруда, назвавший статую Худу амазонкой Манхэттена, писал: «В картине Дороти Худ этот отчаянный допрос — эстетика человеческой боли». В ее полуабстракциях женщины ютились в темных углах, а призраки преследовали людей, которые в ужасе бежали.

В 1943 году, после того как Худ пробыл в городе всего два года, в Галерее искусств Марии Асунсоло состоялась выставка одной женщины для 25-летнего художника, на которую были приглашены такие известные художники, как Черногория и Коваррубиас.Новости достигли Houston Chronicle, , которые отметили переполох, который Худ произвел с критиками. «Случай с молодой художницей — источник вдохновения», — написал рецензент мексиканского журнала Las Artes . «Картина Дороти Худ — человечная, глубоко человечная».

На короткое время в середине сороковых годов, после разрыва с Сендером, Худ покинул Мексику и переехал в Хьюстон и на Восточное побережье, установив важные отношения в мире искусства Нью-Йорка с влиятельным куратором Музея современного искусства Дороти Миллер и директор уважаемой галереи Уиллард Мэриан Уиллард.Но Худ не чувствовал, что она принадлежит. На нее сильно повлияли страны Латинской Америки и Нью-Йорка, и сцена была слишком конкурентной.

Итак, она вернулась в Мехико в 1945 году, где в доме Риверы она встретила Хосе Марию Веласко Майдану, известного, яркого и харизматичного боливийского композитора на 22 года старше ее, человека, дирижировавшего по всей Латинской Америке и Соединенным Штатам. Штаты, в том числе шесть концертов с симфоническим оркестром Артуро Тосканини NBC. Майдана был героическим персонажем, эмигрантом, изгнанным из Боливии ее правым правительством.Некоторые говорят, что когда он гулял по улицам Мексики, дети следовали за ним и дарили ему цветы. Более романтичной партнерши придумать авторы-рыхлители лифов арлекинов не могли. «Она рассказывала мне истории о том, как невероятно было быть с ним в молодости», — сказал один друг. «Он танцевал и бросал ее на кровать».

Они поженились в 1946 году, и в течение следующих пятнадцати лет Худ и Майдана метались между Мехико и городами в Штатах. (Она даже позволила Майдане заниматься ювелирным бизнесом с медальонами в Маунт-Вернон, штат Нью-Йорк, что привело ее к истощению, и у нее было мало времени на рисование.) Но к тому времени, когда Худу исполнилось сорок, Майдана, которому тогда было чуть больше шестидесяти, уже проявлял признаки болезни Паркинсона, и его карьера шла на спад. Многие из ее друзей умерли или уезжали из Мексики, и Худ начинал чувствовать себя нежеланным. «Я американская художница и почти никогда не бываю там», — писала она галеристу из Хьюстона Мередит Лонг. Она начала задаваться вопросом, не пора ли вернуться в Техас.

Одна из самых важных картин Гуда, «Зевс плачет», 1972 год. Зевс плачет, 1972, холст, масло, 88 1/4 ”x 115 1/4”, Художественный музей Блэнтона, Техасский университет в Остине, Дар Фонда Чайлда Хассама Американской академии искусств и литературы, 1974; Фотография Зевса плачет: Рик Холл

Хьюстон конца пятидесятых — начала шестидесятых был экспериментальным, быстро развивающимся городом.Нефтяные деньги текли во все области торговли, космическая программа обретала форму, а художественная аудитория, хотя и была небольшая, становилась все более искушенной. Джон и Доминик де Менил поддержали Ассоциацию современного искусства и помогли привезти в город выставки Александра Колдера, Жоана Миро и Макса Эрнста, а несколько галерей начали показывать местное современное искусство. Это был не консервативный Хьюстон молодости Гуда с его картинами с голубыми шляпками и ранчо. А когда она вернулась в 1962 году, она быстро стала великой дамой на сцене искусства, облачаясь в меховые костюмы и шляпы и по-королевски скользя по сторонам, соблюдая двор.

Так как она плохо умела распоряжаться своими деньгами, Худ почувствовала значительное облегчение, когда Лонг — чья галерея в то время была одним из немногих мест в Хьюстоне, где художник мог продавать свои работы богатым покровителям — подписал ее дилером и поставил ее на ежемесячная стипендия. Худ чувствовал, что она в надежных руках. Давно умел работать с богатыми покупателями, он умел собирать коллекции для людей и гарантировал своим художникам крупную выставку раз в два года.

Формировался небольшой кружок художников, который должен был доминировать на сцене шестидесятых и семидесятых годов в Хьюстоне; Распространенной шуткой в ​​то время было то, что если Худ, Дик Рэй, Джек Бойнтон, Ричард Стаут и Джим Лав погибнут в автокатастрофе, миру искусства Хьюстона придется начинать все сначала.Но в то время как Худ наслаждалась независимостью, которая была обеспечена отсутствием «школы», свободой, которой она не чувствовала в Мексике и Нью-Йорке, она также заметила конкуренцию, далекую от духа товарищества, который она испытывала к югу от границы. «Ты сидишь за столом и думаешь, что всем есть что поесть, но не было — совсем», — однажды сказала она Калилу. Хотя ей нравились сверстники и позже она переехала в соседний с Рэем бунгало в районе Хайтс, она чувствовала себя отделенной от них.Она была единственной женщиной, она была старше, вышла замуж и вела буржуазную жизнь.

И все же уважение со стороны ее товарищей-художников было немедленным. Стаут, единственный оставшийся в живых член этого основополагающего круга, помнит первое открытие Гуда в Хьюстоне в тот период в Галерее нового искусства Кэтрин Свенсон. «Когда Дороти представила свои рисунки, рисунки черными тушью на серой бумаге, это было похоже на признание того, что кто-то из Мексики из нашей общей среды всплыл на поверхность самым интересным образом», — сказал он.К этому времени рисунки были менее устрашающими и более жутко странными, с чужеродными чертами: пышные абстрактные формы напоминали водную жизнь или потустороннее космическое пространство. «Все обратили внимание. Рисунки захватывали дух. Никто ничего подобного не видел ».

Затем, в конце шестидесятых, ее творчество изменилось. Зная, что Худ использовала комнату в своем арендованном доме в качестве студии, тогдашний директор Музея современного искусства Хьюстона Себастьян «Левша» Адлер арендовал для нее небольшое здание и навсегда изменил ее искусство.«Он приходил в студию и лежал на полу», — сказала она Калилу. «Тогда он как бы валялся, переворачивался и говорил:« Я хочу, чтобы ты рисовал большие картины — ты справишься! »»

Размер картин начал расти, от ее прежнего размера пять на шесть футов до огромных холстов десять на восемь футов, и чем больше становились работы, тем лучше ее результаты. Окружающие признали картины мастерскими достижениями. Эмоционально сложные абстрактные равнины и цветные полосы в работах Худа не сидели спокойно на стене — они ударяли «как гонг», как выразился один друг — и они не могли появиться в лучшее время, как офисные здания умножение в центре Хьюстона должно было заполнить их большое пространство на стене.

По мере того, как усложнялась ее работа, росла и ее личная жизнь. Майдана, страдавший тяжелым слабоумием, весь день сидел за пианино, не имея возможности сочинять. Худу время от времени приходили звонки службы экстренной помощи, из-за которых он прогуливался по улице. Посетители дома в то время говорят, что она продолжала без ума от него, говоря на медленном, неторопливом испанском, поскольку он никогда не учил английский. Но ему требовались посещения медсестры и постоянное внимание, и Худ не всегда мог скрыть стресс от этого бремени.

Для человека, который нуждался в поддержке больше, чем когда-либо, Худ не зацикливалась на развитии дружеских отношений. Даже люди, которые ее уважали, описывают ее как отстраненную, элитарную и эгоцентричную. Часто она не могла держать язык за зубами, в гневе отправляла письмо, затем извинялась, а потом вообще сжигала мост.

Ее пассивно-агрессивные наклонности процветали и в ее студии, где она вряд ли была величайшим гуру маркетинга в мире. «Однажды мы с женой пытались что-то купить, — сказал Уильям Камфилд, профессор истории искусств Университета Райса.«Она посмотрела на меня и сказала:« Я не понимаю, зачем тебе это нужно. Это самая жестокая или эротическая вещь, которую я когда-либо делал! »Так она бы не стала его продавать!»

Тем не менее, сторонники Худа обожали ее: она была уникальной, умной и страстной. Они давали ей ту же свободу действий, которую она часто позволяла себе, и к ней не применялись строгие правила социального поведения. По мере того, как Майдана становилась все более больной, Худ, которой тогда было за пятьдесят, начала флиртовать — и даже больше — с различными романтическими перспективами, ведя примечательную переписку с влиятельным искусствоведом Клементом Гринбергом, который написал ей, что она все еще «достаточно брачна, чтобы поднять мысли о сексе.Примите это во внимание. И будь осторожен, а потом — не надо ». А в 1973 году, посещая Европу по гранту на поездку, она встретила барона Кристера Куйленстиерна, высокого, величавого человека с густыми бровями и напряженным лицом, которого считали своими друзьями Фрэнком Ллойдом Райтом, Карлом Юнгом и Олдосом Хаксли. Она быстро завела ежедневную переписку, которая продолжалась до его смерти в 1987 году, перемежаясь страстными свиданиями по всему миру.

К 1971 году у нее была ключевая персональная выставка в CAMH, за которой последовали персональные выставки в Университете Райса и галерее Тибора де Надя в Нью-Йорке, и ее возможности на оставшуюся часть десятилетия были изобилующими.Она завоевала награды, а ее работы вошли в престижные коллекции. Персональная выставка ее рисунков началась в Художественном музее Эверсона в Сиракузах и путешествовала по стране. Ее работы, которые к этому моменту включали коллажи, выставлялись на национальном и международном уровне. У нее всегда что-то было в работе: Абрамс собирался издать свою книгу; Музей изящных искусств Хьюстона собирался организовать ее ретроспективу. Все, что ей было нужно, — это крупная выставка в нью-йоркской галерее, которая превратит ее из регионального художника в значительного американского художника.Худ был на грани славы. Она это чувствовала.

Техасских художников — как и всех американских художников за пределами Нью-Йорка — всегда было труднее быть замеченными. Форрест Бесс, эксцентричный рыбак из Бэй-Сити, при жизни добился в Техасе редких успехов, но Роберт Раушенберг и Джулиан Шнабель стали известными только после того, как покинули штат, а Дональд Джадд уже утвердился, когда начал проводить время в Марфе. «Тогда мы решили, что это эстакада, не более того», — сказал Стаут.(«Это не изменилось», — добавил он.) Женщине-художнице за пределами Нью-Йорка было еще труднее прорваться. «Я нашла это письмо из галереи в Нью-Йорке, которая в то время представляла Джоан Митчелл, которая является художницей-экспрессионисткой года», — сказала Калил. «В письме [Дороти Худ] говорилось:« Спасибо вам большое, нам нравятся ваши работы, но мы уже представляем Джоан Митчелл, и она не хотела бы, чтобы в галерее присутствовала еще одна женщина-художник ». почти как будто у них было место для одной художницы.”

После того, как Майдана и ее возлюбленный Куйленшерна умерли, в восьмидесятых, Худ явно оторвался. В ее работах все чаще обращалась к теме смертности, и она начала исследовать восточную духовность, путешествуя по Индии с новым другом, Кришной Дронамраджу, красивым и умным генетиком на семнадцать лет моложе.

Но по мере того, как дружба углублялась и становилась романтичной, многие другие друзья Худа находили Дронамраджу отталкивающим, и когда он начал контролировать ее дела, эти отношения вызвали у них удивление.«Она определенно находилась под его чарами», — сказал один друг. «Он был более властным персонажем, чем Веласко [Майдана]». Худ застрял у Дронамраджу и защищал его, даже после того, как в 1997 году он отказался от участия в попытке сексуального насилия. Согласно отчету полиции, он разделся и нащупал сотрудницу в первый же день ее работы для него. Его приговорили к семи годам условно. (В телефонном разговоре Дронамраджу не прокомментировал обвинения и мало сказал о Худе. «Я не думал о ней», — вот и все, что он сказал мне.«Она давно умерла».)

На протяжении восьмидесятых и девяностых, когда на сцену выходило все больше художников, Худ все еще пользовалась спросом, и люди в Хьюстоне продолжали хотеть ее работы. Картины Гуда давно попали в основные музейные коллекции: Уитни, МИД, Художественный музей Санта-Барбары. Он продавал ее в Хьюстоне и даже выставлял ее работы в 1980 году в галерее, которую он открыл в Нью-Йорке (галерея позже закрылась). Но Худ был разочарован его усилиями. Она пожаловалась, что он почти не поднял цены.Более того, «Он продвигал ее не так, как она хотела», — сказал друг. Коллеги Худа, посоветовавшие ей прекратить деловые отношения с Лонгом, помнят, как она сказала: «Он всегда был рядом и помогал мне раньше всех. Я лояльный.» И она была. Пока ее не стало.

«Она все время занималась сделками вне студии», — вспоминал ее сводный брат Фрэнк Худ. Получив прибыль от продвижения Лонга, она обошла его стороной, продав работы напрямую своим поклонникам — это главный грех в мире искусства.Когда до Лонга стало известно о сделке с Гудом, «Мередит сказала ей не делать этого», — вспомнил Стаут. «И Мередит снова ей сказала».

Именно Лонг в конце концов разорвал их отношения в 1996 году, и их разрыв — битва, которую один энтузиаст искусства назвал Третьей мировой войной — вызвал волну в художественном сообществе Хьюстона. Многие говорят, что Лонг, которому сейчас 87 лет, все еще злится. (Лонг отклонил просьбу об интервью.) В возрасте 77 лет Худ была без дилера, и вскоре она столкнется с самой большой проблемой в ее жизни: у нее диагностировали рак груди, что привело к мастэктомии и химиотерапии.

Тем не менее, ее работа продолжала проникать в глубины ее воображения, выражая ее безудержную приверженность цели. Темные абстракции трещат и взрываются на полотнах, а зловещие синие и красные цвета пронзают черноту извилистыми тонкими линиями.

Зная к этому моменту, что она не станет знаменитой при жизни, Худ создала фонд, который позаботится о ее наследии, и зарезервировала несколько десятков своих любимых работ этого периода для своей личной коллекции. «Я выбрала эту картину — великолепную черно-белую огромную абстрактную работу — и она была просто потрясающей, и я сказала:« Боже, я бы хотела ее иметь », — сказала Кэтрин Дэвидсон, которая познакомилась с работами Гуда. когда она была куратором коллекции Menil с 1966 по 1989 год.«Она сказала:« Я бы не одолжила это — это особенная картина ».

Всегда настойчивая, в своем кафтане (а иногда, теперь и в тюрбане), Худ преследовала другие галереи, которые могли бы работать с ней, назначив Дронамраджу главным. «Я помню, что Кришна приходил в галерею в 97 или 98 году», — вспоминала Линн Гуд *, владевшая помещением под названием «Галерея Линн Гуд». «Я пошел в студию Дороти, но мне было ясно, что в то время не было реального доступа к Дороти. Весь доступ был через него.. . . Я был очень заинтригован ее работой, и он как бы взял на себя все и руководил всем, и я обнаружил, что не могу работать с ним ».

Когда Худ умер 28 октября 2000 года, Дронамраджу был единственным наследником ее поместья.

Гаити, нарисованный в 1969 году, имеет размеры десять на восемь футов. Гаити, 1969, холст, масло, 120 x 96 дюймов; Музей изящных искусств, Хьюстон, подарок мистера и миссис Мередит Лонг; Фотография Гаити: Музей изящных искусств, Хьюстон

Расположенный на краю залива Корпус-Кристи, где можно увидеть, как дельфины прыгают из его больших окон, вход в Художественный музей Южного Техаса мастерски использует высоту, воздух и свет. , и вода.Когда музей открыл свои двери в 1972 году, его влиятельный архитектор Филип Джонсон написал, что это «самое интересное здание, которое я когда-либо делал». Наряду с Джонсоном на инаугурационные церемонии присутствовали знаменитости Энди Уорхол и Джаспер Джонс. По словам одного из участников, «Корпус Кристи не знал, что их поразило».

Почти тридцать лет спустя, в 2001 году, Билл Оттон, тогдашний директор музея, получил письмо от Дронамраджу с вопросом, заинтересовано ли учреждение в приобретении произведений искусства, которые остались в резиденции Худа.Оттон работал над кампанией с капиталом в размере 10 миллионов долларов, чтобы добавить к зданию крыло, спроектированное Рикардо Легоррета, удвоив его пространство, и ему было больно просить у покровителей еще денег. Но его поразило предложение: Дронамраджу заявил, что музей может иметь работы — вместе с другими предметами из студии Худа, — если он оплатит неоплаченные медицинские счета Худа на сумму, превышающую 50 000 долларов. Еще в восьмидесятых годах уважаемый бывший директор выставок и публикаций MoMA Монро Уиллер советовал Оттону, что если у него когда-либо будет возможность приобрести отличную коллекцию, он должен действовать быстро.

Так он и сделал. Хотя в Корпус-Кристи в то время мало кто собирал современное искусство, особенно абстракцию, Оттон считал, что Худ был матерью современного искусства в Техасе, и доверял своей интуиции. Он попросил у правления музея ссуду, которую планировал погасить, продав несколько картин Гуда, и через неделю после подписания бумаг небольшая команда Оттона приехала в студию Гуда на 24-футовом грузовике.

Вернулись с двумя такими грузовиками. Дронамраджу проводил распродажу посуды и большей части мебели, но студия оставалась заполненной работами Худа, художественными принадлежностями и вдохновением.«Когда мы брали работы из студии, у него был список категорий размеров для картин и он выбирал то, что он хотел от каждой группы, когда мы забирали их из студии», — сказал Оттон. Оттону сказали, что самые ценные картины Худа — те, которые она говорила людям, которых она отложила, — останутся у Дронамраджу. И все же работы, которые Оттон и его сотрудники музея привезли обратно в Корпус-Кристи, были впечатляющими. Он подумал, что если бы они были хорошими хранителями коллекции, люди могли бы однажды совершить паломничество для научных исследований.Художественный музей Южного Техаса может стать хранилищем всего, что связано с Дороти Худ.

Но этим грандиозным амбициям придется подождать. После открытия великолепного крыла музея Легоррета в 2006 году Оттон ушел на пенсию. Его заменил человек по имени Джо Шенк, бывший директор музея Гилкриз в Талсе, и другие проекты вскоре стали приоритетными. Из-за небольшого размера штата большая часть архива Худа хранилась в музейном хранилище в течение следующих шести лет. Так было до тех пор, пока Калил не приступил к работе.

Просматривая архив, Калил знала, что ее главным препятствием будут деньги. Для консервации, упаковки и доставки огромных картин, выставленных в музей, ей потребовались сотни тысяч долларов — и она знала, где их взять.

Богатый хьюстонский коллекционер произведений искусства, сборщик средств и филантроп Кэролайн Фарб давно была поклонницей Худ. В 1985 году она даже профинансировала короткометражный фильм об этом художнике под названием « Цвет жизни». После того, как Калил обратился к ней, Фарб высвободил свои магические способности по сбору средств, которые, как известно, приносили семизначные суммы за один вечер.Взяв на себя роль андеррайтинга, она отправляла письма, звонила и устраивала вечеринки для потенциальных жертвователей — бывших студентов, энтузиастов искусства и коллекционеров, таких как Стивен Борик, бывший президент и генеральный директор компании Superior Industries, производящей алюминиевые колеса. пожертвовал примерно 250 000 долларов — и в конечном итоге помог музею собрать более миллиона долларов на этот проект.

Поклонники

Худа сочли энтузиазм по поводу шоу воодушевляющим — и время показалось подходящим: люди стали уделять более серьезное внимание абстрактным художникам, которые ускользнули из трещин.«Все сообщество чувствовало, что что-то, наконец, может быть сделано», — сказала художница Линн Рэндольф.

«Она была творческим гением как художник, и много лет назад у нее должны были быть крупные выставки», — сказал Дэвидсон, бывший куратор Menil.

Выставка «Дороти Худ: Цвет бытия / El Color del Ser» должна открыться 30 сентября этого года. Он заполнит почти все здание площадью 60 000 квадратных футов 86 картинами, 46 рисунками, 29 коллажами, архивными элементами, такими как кисти и корреспонденцию из ее коллекции, а также воссозданием ее студии.Книга Калила с таким же названием будет опубликована этой осенью в издательстве Texas A&M University Press. Это немалый подвиг, не типичная выставка. За исключением Раушенберга, пожалуй, ни один техасский художник поколения Худа никогда не подвергался столь важному или столь тщательному обращению в штате. Это может быть ее момент.

В феврале 2015 года Фарб начал рассылку электронных писем, которые ни один директор музея не хотел бы получать. Она кипела в Художественном музее Южного Техаса, посылая Шенку и другим сотрудникам множество вопросов по поводу выставки.Фарб был рассержен тем, что выставка «Худ» еще не была запланирована на гастроли — элемент, необходимый для того, чтобы артист получил более широкое признание. Деньги были; это была уникальная возможность. «Когда я согласилась стать андеррайтером, у меня сложилось впечатление, что выставка, подобная Дороти Худ и значительная часть архивов музея, будет перемещена в несколько мест», — писала она. «Из прошлого опыта музеев я понял, что эти поездки, контракты, особенности и другие детали необходимо планировать заранее, по крайней мере, за два года.”

Шенк ответил: «Вы правы насчет ретроспективы и передвижного шоу. . . . Сроки создания передвижного шоу, хотя и сокращены из-за других проблем, все же выполнимы. У нас есть целевой список мест для путешествий, и мы их исследуем ».

Это, похоже, разозлило Фарба еще больше. «Что было сделано на данный момент?» она написала. «Если ничего не было сделано, почему бы и нет? Что нужно, чтобы сдвинуть с мертвой точки этот самый важный аспект выставки? »

Фарб сыт по горло.По ее мнению, она помогла музею собрать более миллиона долларов на выставку, которую мало кто увидит. «Если вы собираетесь устроить крупную выставку и сделать монографию, то вполне естественно, что это последует за Музеем изящных искусств в Хьюстоне, что она может пойти в Художественный музей Далласа, что она может пойти на восток в другие музеи или на запад, где у нее есть свои работы, — сказала мне Фарб в мае прошлого года. «Мы не пытаемся защищать кого-то, кто не достоин участия в выставках такого типа».

Она была не одна в своем разочаровании.Некоторые говорили, что у Шенка не было связей, чтобы продавать шоу такого типа, как бывший президент Ассоциации музеев горных равнин, в которую входят художественные и исторические музеи преимущественно западной ориентации, такие как Национальный музей дикой природы. Искусство в Джексон Хоул, ему не хватало влияния на музеи современного искусства, которые могли бы вызвать естественный интерес.

В июне прошлого года, сидя за маленьким круглым столом в своем офисе с видом на одну из галерей музея, Шенк был добродушным, с деловитым, дедовским поведением.Когда его спросили о его критиках, он ответил: «Позвольте мне сказать, да, это будет тур, и, да, это будет видно в Хьюстоне — в другом исполнении». Объясняя, что до сих пор он просто не мог найти площадок, он перечислил типичные препятствия: у музеев есть свои миссии, проекты и советы. (Как сказала мне куратор Хьюстонского музея изящных искусств Элисон де Лима Грин: «Мы находимся в процессе подготовки к большому проекту расширения здания, и предложенный нами масштаб не сработал из-за большого количества проблем. факторы.”)

Несмотря на разочарования, Шенк выглядел оптимистично. «Я думаю, это займет открытие шоу и выход книги, — сказал он, — потому что я думаю, что многие люди — это что-то вроде« покажи мне »». Он полагал, что выставка пойдет по той же траектории, что и выставка Александра Хога, которую Калил курировал для своего музея еще в 2011 году, которая началась в Художественном музее Южного Техаса, совершила краткую поездку по штату, а затем снова совершила поездку в измененной форме в Нью-Йорке. Йорк, Техас и Оклахома.«Мы собираемся пригласить на выставку кураторов и режиссеров. . . и «Давайте поговорим о том, где у вас есть вакансия в вашем графике, можете ли вы ее сделать и каковы ваши возможности?» Это определенно наше намерение », — сказал он.

Его основная цель была доставить людей из Корпус-Кристи в музей. «Люди чувствуют угрозу абстракции», — сказал он, и он утверждал, что интерактивный компонент для выставки, которую он заказал, решит эту проблему с чутьем. Он с энтузиазмом описал, как посетители музея заходили на выставку и видели картину «деконструированной Дороти» на слоях холста, свисающей с потолка, «чтобы вы могли увидеть, как она развивалась от гипсового холста до готового продукта.«А поскольку многие посетители музея стремятся не обращать внимания на произведения искусства и направляются прямо в прилегающее кафе, три камеры будут фиксировать движущиеся изображения посетителей на дорожке, ведущей к ресторану, и проецировать их вдоль стены. Эффект, как сказал Шенк, заключается в том, что посетители сами «превращаются в абстрактную картину» к тому времени, как они дойдут до кафе.

Пожалуй, больше всего понравилась Шенку станция, которая предоставит посетителям инструмент, с помощью которого они смогут перемещаться по экрану и создавать виртуальные мазки на холсте стены.«Так что вы можете попробовать свои силы в рисовании», — сказал Шенк. «Потому что так часто, когда вы имеете дело с абстракцией, так много людей говорят:« О, ну, мой трехлетний ребенок мог бы это сделать »или« Шимпанзе мог бы сделать это ». Но смогли ли вы сделать это успешно? Это дает им шанс испытать это ».

Новости об этих интерактивных элементах достигли Фарба и некоторых других поклонников Гуда несколько месяцев назад, и это не понравилось. «Это нелепая трата денег», — сказала историк Барбара Роуз. «Я не могу сказать, насколько это глупо.. . . Они полностью напортачили, особенно потратив все эти деньги на гламурную интерактивную программу , деньги, которые можно было бы потратить на поездку по выставке по США и Европе и на оплату крупного национального пиара. Это будет отличное шоу из-за работы и отличной книги, потому что Сьюзи Калил — потрясающий писатель, но кто знает, получит ли шоу или книга серьезное внимание ».

Конечно, возможно реконструировать шоу, сказал Калил, хотя это будет сложно с этой конкретной выставкой в ​​таком масштабе.Картины, рисунки и коллажи скоро поступят от 95 кредиторов, а по окончании выставки, 8 января 2017 года, эти работы будут возвращены. Чтобы повторить шоу — особенно с картинами размером двенадцать футов на десять футов, отправленными в ящиках, которые стоят от 2500 до 4000 долларов каждый, — внешний музей будет нести большее финансовое бремя, чем если бы он присоединился к этой конкретной выставке и разделил расходы.

Хотя некоторые сторонники Худ уже оценивают шоу как упущенную возможность, все же есть шанс, что ее работа получит признание.«По моему собственному опыту, — сказал де Лима Грин, — каждый раз, когда я курирую шоу, я отправляю информацию по всему миру, и другие люди берут ее и находят способы использовать в своих проектах. Возможно, на следующем шоу Дороти Худ будет Дороти Худ и другие артистки. Следующее шоу Дороти Худ может быть Дороти Худ и техасскими скульпторами ее поколения — чего мы даже не можем предвидеть прямо сейчас — и это, я думаю, самое захватывающее, что может случиться: непредвиденная интуиция, когда кто-то говорит: «Это так волнительно! Я могу больше с этим справиться.«Это то, что нужно искать».

Даже ближе к концу своей жизни Худ все еще верила, что глубина и величие ее работы когда-нибудь будут широко оценены. Может быть, ее время, а может, и нет. Но даже если этой осенью выставка не включит ее работы в национальный диалог, она покажет техасцам, которые забыли или не заметили ее, что Худ был одним из лучших художников, которых когда-либо создавал штат. «Люди увидят [художников-абстрактных художников цветового поля] Морриса Луи и Хелен Франкенталер как первых в очереди — ну, это не так.И их работа далеко не так интересна, как работа Дороти, — сказал Стаут. «Работа Дороти — первый и самый важный мост между искусством Техаса и Мексики. Он очень изысканный и гениальный. Я не думаю, что люди в Нью-Йорке слишком интересуются этим предметом, но мы заинтересованы ». На данный момент этого должно быть достаточно.

* Исправление: в более ранней версии этой истории имена Стивена Борика и Линн Гуд были написаны неправильно. Мы сожалеем об ошибках.

Как рисовать картинку (с картинками)

Об этой статье

Соавторы:

Художник-портретист и педагог

Соавтором этой статьи является Renée Plevy.Рене Плеви — всемирно известный художник-портретист из Нью-Йорка / Палм-Бич, написавший «Великих дам Палм-Бич», а также различных знаменитостей и общественных деятелей. Обладая более чем 50-летним опытом, Рене специализируется на реалистичной масляной живописи и запечатлении души человека. Она училась у всемирно известных художников-портретистов Джона Ховарда Сандена, Дэвида Леффеля, Роберта Беверли Хейла, Клайда Смита и Леонида Гервица. Рене представлена ​​более чем в 68 выставках и галереях, включая выставку одной женщины в Музее Патерсона.Она получила множество наград, в том числе «Художник года» от The Bloomfield Art League и Первую премию от Гильдии художников музея Бока-Ратон. Рене даже нарисовала портрет знаменитости Vanilla Ice. Она также преподает в художественной школе музея Бока-Ратон — ранее в SVA на Манхэттене. Эта статья была просмотрена 128 996 раз (а).

Соавторы: 26

Обновлено: 12 июля 2021 г.

Просмотры: 128,996

Сводка статьи X

Чтобы нарисовать картину, выберите тип краски, которую вы хотите использовать, затем нарисуйте базовый рисунок или композицию на бумаге или холсте.Сначала залейте фон и дайте краске высохнуть. Затем нарисуйте объекты, сосредотачиваясь на одной области за раз. Обязательно сначала нарисуйте основные формы, а детали оставьте напоследок. Иногда полезно сделать шаг назад, чтобы проверить свой прогресс! Советы по выбору сюжетов для ваших композиций читайте дальше!

• Печать
• Отправить письмо поклонника авторам

Спасибо всем авторам за создание страницы, которую прочитали 128 996 раз.

Фреска Ли Худа добавляет искусства в сообщество чернокожих Нью-Берна

Рядом с центром Нью-Берна, на пересечении улиц Куин и Поллок, появилось новое искусство на открытом воздухе — пятисторонний перекресток, квартал от более известных Five Points on Broad Улица.

Историческое изображение не произошло внезапно. На самом деле это пятилетняя работа популярного местного художника Ли Гуда. Многие годы он известен тем, что работал над переносным холстом в центре города и выставлялся в различных галереях.

Худ регулярно писал изображения жителей Нью-Берна, людей, которых он видел во время своих путешествий в армии, а также исторические изображения. Одним из наиболее примечательных и узнаваемых является его произведение под названием «День независимости», изображающее афроамериканскую семью, идущую со своими вещами по дороге в свое будущее.

В 2016 году он снял фреску Поллока / Королевы — историческую уличную сцену 1930-х годов.

Он сделал это в рамках программы Кэти Адольф «Adopt-a-Block» для этого района. Это началось примерно в 2010 году с модернизации и восстановления исторической ценности западного конца коридора Поллок-стрит, начиная с Первой улицы и заканчивая центром города.

Худ начал с собственных красок, кистей и принадлежностей для рисования, грантов и частного финансирования. Он набросал общую фреску с изображением зданий, автомобилей, людей и замечательного фонтана начала 1930-х годов, стоявшего на менее популярном перекрестке того времени.

Но Поллок-стрит является основным связующим звеном с центром города, и фонтан уступил место лучшему использованию пространства для движения автотранспорта.

Фреска на улице Поллок, 1201, сейчас является домом для мексиканской пекарни в Нью-Берне, принадлежащей Раймундо Муньосу. Он расположен в треугольном углу перекрестка.

В отличие от обычного полотна, Худ сказал, что фрески должны привлекать внимание и делиться идеями с теми, кто проезжает по местности.

Худ стал привычным зрелищем для тех, кто путешествует по Поллок-стрит, работая в свободное время и по выходным.

«Это означает удовлетворение от завершения проекта», — сказал он. «Это было путешествие, которое привело к завершению, и я увидел, что процесс завершился».

Фреска покрывает две смещенные стены пекарни, на которых он должен был подогнать свою модель — старую фотографию — к месту.

Фонтан — центр внимания. Это было место сбора местных жителей и семей в оживленном районе с процветающим бизнесом. Они обслуживали всех новых бернцев, включая афроамериканцев и недавних иммигрантов в этот регион.Фонтан регулярно привлекал пешеходов, особенно по воскресеньям.

На фото: женщины в прекрасных платьях, мужчины в костюмах, а дети также одеты для посещения родственников и друзей семьи.

Хотя Худ может создать картину для публики за относительно короткое время, он знал, что это не будет быстрой работой по изображению подлинности эпохи.

Худ всегда носил с собой черно-белую фотографию, когда приходил рисовать. Уроженец округа Памлико и ветеран армии также тщательно изучил детали.

«Я не хочу давать им что-то вместе взятое», — сказал он в начале проекта. «Я хочу подарить им произведение искусства на стене. Я хочу сделать его как можно ближе к исторически правильному ».

Его настенные исследования включали автомобили и даже одежду того времени. Некоторые из автомобилей были идентифицированы как модели 1936 и 1937 годов.

«Я не думаю, что когда-либо было время, когда я не думал, что он будет закончен, просто его масштаб всегда создавал проблемы, и мне приходилось вносить коррективы и заставлять его работать для этого холста», — он сказал.

Теперь у него есть планы сделать еще одну фреску с уличной сценой на стороне пекарни на Куин-стрит.

Фонтан Куин и Поллок был центральным элементом перекрестка, одним из многих, установленных по всему городу в начале 1900-х годов.

«Несколько снимков фонтана, сделанных в 1930-х и 1940-х годах, были обнаружены семьей Роу, потомками ливанских иммигрантов, которые приехали в Нью-Берн, чтобы начать новую жизнь в Америке», — сказал Адольф, когда начался проект. «Многие ливанские семьи стали успешными торговцами вдоль коридора Поллок-стрит.

Она сказала, что фонтан был одним из исторических предметов, которые ушли на второй план с популярностью автомобилей после Второй мировой войны.

«Мы видели, как повсюду в США убирают троллейбусы, рельсы и т. Д., Уступая дорогу на асфальтированные дороги для автомобилей », — добавил Адольф в письме сторонникам возрождения.« В какой-то момент в начале 1970-х Нью-Берн убрал красивый фонтан и вынул рельсы для троллейбуса, который бежал из Гента в центр города ».

Худ вырос в Бейборо, пошел в армию и провел 29 лет, в том числе два десятилетия на действительной службе.Последние семь лет он обучал солдат перед отправкой на Ближний Восток, работая на базах по всей стране.

Он рисовал и рисовал с детства и продолжил свою армейскую карьеру, которая дала ему возможность путешествовать и заниматься множеством предметов.

«Это было откровением для маленького мальчика», — сказал Худ, который записался на службу в 19 лет.

Худ выставил свое портфолио в этом регионе. Осенью 2019 года Центр афроамериканского наследия и культуры спонсировал его выставку в галерее 919 бывшего центра искусств и здоровья Нью-Берна.Студия Худа расположена на Мидл-стрит в центре Нью-Берна, и его работы регулярно видят на выставках, в офисах и дома по всему региону. Его изображения в настоящее время появляются на веб-сайте AAHC: www.AfricanAmericanHeritageandCulture.org. Свяжитесь с Худом напрямую по адресу [email protected].

С Чарли Холлом можно связаться по телефону 252-635-5667, 252-259-7585 или [email protected]. Следуйте за ним на Facebook в Чарли-холле.

Rance Hood — Art Exchange Gallery

RANCE HOOD — один из немногих оставшихся художников-индейцев, которые до сих пор рисуют в манере, которая перекликается с традиционной индийской культурой и духовностью прошлого, которая была радикально изменена современным миром и миром белых.

Худ родился в 1941 году в Лотоне, штат Оклахома, в доме своих бабушек и дедушек по материнской линии, которые научили его порядкам и ценностям индейцев команчи. Не имея возможности говорить по-английски, пока он не пошел в государственную школу в возрасте шести лет, он вскоре научился жить в белом мире.

После смерти дедушки и бабушки он бросил школу, работал на нефтяных вышках в Техасе и проехал по трассе родео. Поездка ненадолго пожить с братом в Калифорнии вызвала желание рисовать и рисовать о своей культуре, и вскоре он начал продавать свое искусство.

Он вернулся в Оклахому в 1960-х годах и начал больше времени уделять своему искусству и исследованию его традиций, изучая методы у уже успешных индийских художников. Благодаря паувау, выставкам на стенде и галереям он добился успеха и завоевал признание, в том числе «Первый» в Подразделении равнин на выставках с участием жюри престижного музея Филбрука в Талсе, штат Оклахома.

Худ ведет бизнес и производит произведения искусства в своей студии в Денисоне, штат Техас, предпочитая продавать свои собственные оригиналы и репродукции и избегая разрекламированной шумихи, которую охватывают многие художники-суперзвезды.Он также жертвует свое время и талант, предоставляя изображения для фондов по защите прав индейцев и киноорганизаций в целях сбора средств, которые приносят пользу коренным американцам. Диапазон и направленность его карьеры простираются даже на создание его племенной эмблемы и дизайн турбореактивного двигателя.

Худ совершил поездку по Европе и Германии с персональными выставками, а его картины хранятся в лучших музеях и частных коллекциях мира. Его работы упоминались в бесчисленных книгах, рассказывающих об искусстве коренных американцев, и его влияние на других художников можно увидеть в художественных галереях по всему США.S. и Europe в дополнение к крупным и второстепенным журналам, посвященным индийскому искусству и культуре.

Худ внес в свой фон несколько абстрактных мотивов, но он в основном придерживается традиционного стиля искусства, практикуемого его предками. Сегодня, спустя тридцать лет после его первоначального успеха в качестве крупного индийского художника 1960-х годов. RANCE HOOD до сих пор считается самым успешным индийским художником Равнин.

— Джоан Фредерик, индейский историк искусства.
Автор, Т. К. Кэннон: Он стоял на солнце,
, опубликовано в 1995 году издательством Northland Publishing,
Flagstaff, AZ

.

Не стесняйтесь обращаться к нам по поводу оригиналов и принтов Rance Hood!

Женщина в капюшоне Картина Хелен Уиттакер FMGP

(Изображение: Его Королевское Высочество принц Уэльский с Хелен Уиттакер).Она ведущая британская художница. У Хелен сильные связи с Вестминстерским аббатством в Лондоне. Она работает с Дэвидом Хокни Р.А. над художественным оформлением из стекла, которое будет установлено в Вестминстерском аббатстве в 2018 году. Хелен работала с художником Хьюи О’Донохью Р.А., чтобы воплотить его проекты в окончательное произведение искусства из стекла в 2013 году. Она является членом Британского общества мастеров. Художники по стеклу (FMGP). Хелен создает привлекательные и увлекательные произведения искусства в различных стилях: фигуративном, абстрактном и скульптурном. В творчестве Елены: ● Индивидуальные витражи ● Скульптура (медь и стекло) ● Живые рисунки (карандаш, акриловая краска, уголь) ● Витражи для частных домов и общественных зданий.Хелен — креативный директор Barley Studios, Йорк, Англия. Большая часть работ Хелен выполняется по заказу. Его Королевское Высочество принц Уэльский владеет стеклянным панно под названием Grand Geometer, произведенным Хелен. Хелен — уважаемый художник. Она является членом двора Worshipful Company of Glaziers, ведущей древней ливровой компании лондонского Сити, впервые зарегистрированной в 1328 году. Она является стипендиатом Фонда принца и преподавателем Школы традиционных искусств принца. Его Королевское Высочество принц Уэльский является президентом обеих организаций.Хелен — разносторонне одаренный художник. Она изучала широкий спектр традиционных ремесел и создавала работы во многих форматах, включая миниатюрную живопись, резьбу по камню, каллиграфию, мозаику, иконопись, золочение и витражи. Работы Хелен можно увидеть в престижных зданиях по всей Великобритании, включая Вестминстерское аббатство в Лондоне, Королевский клуб ВВС, Лондон и церковь Св. Марии в Абергавенни, а также в частных домах. Ее свежий и современный стиль черпает вдохновение у великих мастеров прошлого, в картинах и стекле.Индивидуальные фигурные стеклянные художественные панно. Образное и репрезентативное стекло Хелен создает повествование и диалог, привлекая зрителя к новым способам рассказывать традиционные или современные истории. Индивидуальные геометрические / абстрактные стеклянные художественные панели. Хелен использует абстракцию для создания слоев движения и смысла, подкрепленных геометрическими принципами. Рисование жизни. Хелен посещала уроки рисования на протяжении всей своей карьеры и считает, что рисование и рисование из жизни бесценно для ее жизни как художника.Работает карандашом, акрилом, краской и углем.

Как получить внешний вид нержавеющей стали, не заменяя вашу бытовую технику

Читателю нужен внешний вид нержавеющей стали без необходимости заменять эту работающую вытяжку. (Фотография читателя)

Q: За 20 лет существования нашего старого дома нам потребовалось заменить большую часть приборов, и мы перешли с белого на нержавеющую сталь. Но над печкой у нас все еще стоит вытяжка белого цвета. Он по-прежнему отлично работает, и я бы предпочел не заменять его.Могу ли я отполировать его так, чтобы он выглядел из нержавеющей стали?

Arlington

A: Да, вы можете покрасить его по формуле, содержащей настоящую нержавеющую сталь. Хотя цвет и блеск могут не совпадать в точности — даже твердая нержавеющая сталь может быть разной в зависимости от сплавов и обработки поверхности — вытяжка почти наверняка будет выглядеть на вашей кухне как дома, чем сейчас, и при минимальных затратах.

Сегодня существует мир красок, напоминающих металлик.Многие из них содержат настоящий металлический порошок, поэтому некоторые не нержавеющие металлические краски со временем даже тускнеют, как металлы, которые они имитируют. Другие металлические краски доступны в ярких цветах, включая синий, фиолетовый и оранжевый. Хотя они могут содержать небольшое количество переработанного металла, их металлический блеск в основном обусловлен слюдой.

[Черная нержавеющая сталь — смелая и привлекательная вещь, но есть ли у нее стойкость?]

Для вашей цели — набор для окраски для бытовой техники Giani Liquid Stainless Steel, который продается за 24 доллара.95 в Home Depot, должно работать хорошо. У нее два преимущества перед некоторыми другими красками для нержавеющей стали: она на водной основе, поэтому сохнет быстрее, чем краски на масляной основе, она не так пахнет и ее легче смыть. Он также разработан таким образом, что вы можете наносить его с помощью поролоновой кисти, что избавляет вас от хлопот, связанных с попыткой распыления на отделку, не создавая беспорядка по всей кухне, или снятием вытяжки, чтобы вы могли покрасить ее снаружи. По словам производителя, Giani, компании по производству красок с полувековой историей из Санкт-Петербурга, конечный результат аналогичен тому, что вы найдете на нержавеющей стали с матовой отделкой.Louis, которая начала использовать покрытия с ловкостью рук, когда разработала краску для столешниц, имитирующую гранит (800-650-5699; gianigranite.com). Эта краска оказалась настолько успешной, что компания начала разрабатывать другие краски, которые люди с ограниченным бюджетом могли использовать для преобразования поверхностей, не заменяя их.

Краска Giani для нержавеющей стали приобретает свой цвет и сверкает от пятен нержавеющей стали, никеля и алюминия, диспергированных в прозрачной смоле (без слюды). Набор содержит по шесть унций основы и верхнего покрытия, что достаточно, чтобы покрыть 19 квадратных футов, плюс аппликатор для пены.Джани также продает набор красок для холодильника объемом 1 ½ литра (69,99 долларов в Home Depot). «Единственная разница между продуктами — количество и аппликатор», — сказала Сара Уоттс, менеджер Джани.

Краска выдерживает температуру до 300 градусов по Фаренгейту и подходит для вытяжек, а также газовых и электрических плит, настенных духовок, посудомоечных машин и многих других металлических поверхностей. Однако он не подходит для грилей для барбекю (они становятся слишком горячими), а также для голого дерева, гипсокартона или пластика. Если бы вы красили холодильник, краска не повлияла бы на то, удерживает ли он магниты.По словам Уоттса, нержавеющая сталь в формуле краски не является магнитной (некоторые сплавы нержавеющей стали), но и краска не блокирует магнитные свойства окрашиваемой поверхности.

Существуют и другие краски для нержавеющей стали, помимо того, что делает Giani. Краска для нержавеющей стали Rust-Oleum Specialty также поставляется в виде жидкости, которую можно наносить кистью или губчатым тампоном. Но это продукт на масляной основе, и он рекомендуется только для поверхностей, температура которых достигает 200 градусов по Фаренгейту. Хотя вытяжка может оставаться ниже этого предела, есть большая вероятность, что это не так.Вытяжки с элементами управления Broan Heat Sentry, например, переключают скорость вентилятора на высокую, когда температура достигает 200 градусов, что означает, что в противном случае температура поднялась бы намного выше.

Rust-Oleum делает краску для нержавеющей стали подходящей для более горячих поверхностей, но только в баллончике.

Одно предостережение перед покраской: обязательно тщательно очистите поверхности. Любая поверхность на кухне может иметь маслянистый блеск, но кухонная вытяжка, особенно ее нижняя сторона, особенно подвержена этому.Если вы не можете удалить грязь со всех углов или если есть панель управления, которую сложно аккуратно покрасить, подумайте о том, чтобы покрасить только внешнюю поверхность, у которой нет узких углов, и поэтому ее легче чистить. Поверхность под капотом, которая не выглядит нержавеющей, вероятно, будет выглядеть лучше, чем поверхность с отслаивающейся краской из нержавеющей стали.

Дороти Худ | Центр искусств Муди

Дороти Худ была пионером в мексиканской и американской модернистской живописи.Выросшая в Хьюстоне и получившая образование в Провиденсе и Нью-Йорке, она по прихоти поехала в Мексику с друзьями в 1941 году и оставалась там в течение двадцати лет. Ее карьера художника началась в Мехико в период невероятных культурных и политических изменений. Поэт и политический деятель Пабло Неруда познакомил ее со знаменитым художником-монументалистом Хосе Клементе Ороско в 1943 году, который дал Худу ее первую студию и стал ее наставником. Она подружилась с несколькими латиноамериканскими художниками, литераторами и интеллектуалами, бежавшими из охваченной войной Европы, и была уважаемым художником в Мексике.

В 1961 году Худ вернулась в Хьюстон, где создала некоторые из своих крупнейших и самых знаменитых работ. Эти композиционно обширные, крупномасштабные полотна начала 1960-х годов, в которых теория цветового поля сочетается с богатой пост-живописной абстракцией, помещают Худ среди немногих признанных американских женщин того времени, которые рисовали в таком масштабе и с таким новаторским мастерством. Несмотря на поддержку важных американских критиков, кураторов и филантропов, таких как Клемент Гринберг, Дороти Миллер и Доминик де Мениль, удаленность Гуда от сейсмических культурных сдвигов, происходящих в Нью-Йорке, оставила ее вне поля зрения признанных художников, таких как Джоан Митчелл. Хелен Франкенталер и Ли Краснер.Картины Дороти Худ в Хьюстоне 1960-х и 1970-х годов являются одними из лучших примеров техасской и американской модернистской живописи.

О художнике : Уроженка Техаса Дороти Худ (1918–2000) выросла в Хьюстоне и в 1930-х годах посещала школу дизайна Род-Айленда и Лигу студентов-художников в Нью-Йорке. В 1941 году художник переехал в Мехико. С 1943 по 1960 год Худ училась у известного художника-монументалиста Хосе Клементе Ороско и заработала себе репутацию уважаемого художника в Мексике среди главных художников и деятелей культуры страны.

Худ вернулась в Хьюстон в 1961 году, где с середины до конца 1970-х годов написала многие из своих самых знаменитых картин. В это время она работала инструктором в школе искусств Гласселл в Музее изящных искусств в Хьюстоне. Ее работы были выставлены в библиотеке Fondren при Университете Райса в 1962 году и в Художественной галерее Сьюолла в 1971 году. Работы художницы вскоре привлекли международное внимание, и она остается выдающейся и значимой фигурой как в мексиканской, так и в техасской модернистской живописи.