Стиль рисунков: Дизайн персонажей

Содержание

Дизайн персонажей | artlab.club

Создавать крутых, запоминающихся персонажей легко, если знать определенные правила. Этот пост фиксирует некоторые простые, но полезные моменты процесса создания.

Рассказывайте историю

Истории — это то, что вызывает у нас интерес и помогает нам поверить в персонажа. Подумайте о сюжетах фильмов и играх — мы обычно заинтригованы историей персонажа и личностными чертами, и это также относится к иллюстрации. Даже самые простые истории делают персонажа более привлекательным и запоминающимся. Показать историю на картинке можно окружением, движением, элементами костюма или чертами лица.

Формы и линии

Многие известные персонажи состоят из простых форм и линий. Помните, что зритель подсознательно считывает округлые мягкие формы как признак доброты персонажа, а резкие и рваные — как атрибут негативного героя. Поэтому если ваш милый персонаж состоит из острых кусков, это может вызвать проблемы в понимании.

Силуэты

Можно с уверенностью сказать, что люди могут сразу узнавать знакомых персонажей только по их силуэтам, если они хорошо разработаны и используют правильные формы и линии.Если вы удаляете детали из своего персонажа и тестируете их на узнаваемость силуэта, это обычно является признаком крутого дизайна.

Пропорции и преувеличение

Использование искаженных пропорций или преувеличение длины и размера частей тела, даже с мелкими деталями, такими как пальцы, может реально помочь создать индивидуальность вашего персонажа. Вы можете заставить его казаться более сильным или неуклюжим, даже более злым, преувеличивая черты внешнего вида. Это также верно для их ходьбы и движений, если вы хотите продолжать и оживлять персонажа в анимации. Плюс еще когда нужно показать, что персонаж маленький и милый ему сознательно увеличивают голову и глаза.

Выражение

Первое, на что мы смотрим, когда видим персонажа, это его глаза. В реальной жизни человеческие и животные глаза полны эмоций и являются хорошим способом понять, что кто-то думает или чувствует.

Поэтому, естественно, мы смотрим на глаза на иллюстрации. Еще один хороший совет — преувеличивать выражение, чтобы оно действительно читалось и не заставлять аудиторию усердно думать.

Поза и позиция

Размышление о том, как персонаж стоит или как он себя держит, — это еще один способ больше рассказать о его личности и добавить деталей в историю. Вы можете заставить персонажей выглядеть сильными, внушительными, испуганными, растерянными, злыми и т.д., просто изменяя их позу и положение.

Масштаб

Знание масштаба и размера персонажа важно, и может быть трудно представить его размер особенно в абстрактных дизайнах. Именно здесь введение других объектов, таких как деревья, дома или столы и растения, может помочь нам понять, насколько большой или маленький персонаж, на которого мы смотрим.

Цвет

Использование цвета может помочь с настроением персонажа, сделать его более серьезным или веселым. Использование правильных оттенков для оттенка кожи, меха, одежды и т.

д. также помогает зрителю понять, на какого персонажа он смотрит, и даже имеет ли он дружелюбный или не очень характер. Помните, что использование более увлекательной и нереалистичной цветовой палитры сделает вашего персонажа более веселым и игривым.

Тени

Затенение может быть настолько сложным или простым, как вам нравится. Это действительно зависит от того, насколько реалистичным или подробным вы хотите, чтобы персонаж выглядел. Вы можете по-настоящему поиграть со стилем и окончательным визуальным обликом своего персонажа, когда думаете о тенях. Это способ ввести некоторые тона/оттенки существующих цветов, которые вы использовали.

Текстура

Вам не всегда нужно использовать текстуру на иллюстрации персонажей, если вы хотите получить чистый векторный рисунок, возможно, лучше его оставить без текстуры. Однако, если вы хотите, чтобы ваша иллюстрация выглядела более органичной, живой и естественной, возможно, стоит добавить текстуру. Удачных примеров масса, стоит просто посмотреть по сторонам.

Вот и все основные моменты, этот список может реально помочь и быть полезным даже если реализовать только часть пунктов.

Лекция «Художественные стили и направления».

АБСТРАКТНЫЙ ЭКСПРЕССИОНИЗМ

Течение в абстрактном искусстве, возникшее в США в 1940-х годах, и представленное главным образом творчеством художников Нью-Йоркской школы. Абстрактный экспрессионизм продолжил «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума и логических законов, поставив своей целью спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, абстрактных формах и взяв за главный творческий принцип самопроизвольное, автоматическое нанесение красок на холст, происходящее исключительно под влиянием психических и эмоциональных состояний….

В стремительном ритме художники покрывали поверхность холста крупными энергичными мазками, при этом нередко прибегая к приему дриппинга (разбрызгивание краски или выдавливание из тюбика). Процесс создания картины часто происходил публично: перед зрительской аудиторией разыгрывался целый спектакль, в котором жесты и движения художника играли такую же активную роль, как и потоки краски, падающие и разливающиеся по холсту.

Абстрактный экспрессионизм доминировал в американской культуре вплоть до начала 1960-х годов, став одним из первых серьезных течений в американской живописи и повлияв на процесс развития всего мирового искусства.

АБСТРАКЦИОНИЗМ

В.Кандинский. Композиция 8 1913.

Одно из главных художественных направлений в искусстве 20 века, в котором структура произведения основывается исключительно на формальных элементах — линии, цветовом пятне, отвлеченной конфигурации. Произведения абстракционизма отрешены от форм самой жизни: беспредметные композиции воплощают субъективные впечатления и фантазии художника, поток его сознания, они порождают свободные ассоциации, движения мысли и эмоциональные сопереживания.

Нельзя назвать ни точного времени возникновения абстракционизма, ни его основоположника. Признанными вдохновителями абстракционизма считаются художники Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Модриан, Франтишек Купка, Робер Делоне,

изложившие основные положения этого направления в своих теоретических трудах и программных заявлениях.

Абстракционизм зародился как узкое направление в изобразительном искусстве. В начале1930-х годов стали возникать объединения абстракционистов («конкретное искусство» — 1930 год, «круг и квадрат» — 1930 год, и другие), которые собирали под свои знамена художников разных национальностей и направлений. К середине 1930-х годов интерес к абстракционизму резко упал, и эти объединения распались. Новое рождение он обрел в США, где в начале 1940-х годов появился абстрактный экспрессионизм, оперирующий беспредметными формами для спонтанного выражения внутреннего мира художника.

Последней популярной разновидностью абстракционизма стал зародившийся в 1960-х годах поп-арт, после чего абстрактное искусство ушло в тень.

АВАНГАРДИЗМ

Совокупность новаторских, бунтарских течений и направлений в художественной культуре 20 века.

На разных исторических этапах роль авангарда играли сменявшие друг друга течения: 1900–1910-е годы — время появления фовизма, кубизма, футуризма, экспрессионизма, дадаизма, абстрактного искусства; в 1920–1930-х годах на первый план выходит сюрреализм; в послевоенный период возникают новые течения абстракционизма — абстрактный экспрессионизм, ташизм, неформальное искусство и др.; 1960–1970-е годы — переходная эпоха от «классического» авангарда к неоавангарду, или постмодернизму, с его составляющими — акционизмом, поп-артом, концептуализмом, кинетическим искусством и другими арт-практиками.

АКАДЕМИЗМ

А.Кабанель Федра. 1880

Направление в изобразительном искусстве, базой развития которого служат художественные академии. История развития академизма связана с «Академией вступивших на правильный путь» в Болонье (около 1585 года), французской Королевской академией живописи и скульптуры (1648 год), и российской Академией трех знатнейших художеств (1757 год). В основе деятельности всех заведений лежала строго регламентированная система обучения, ориентированная на великие достижения предшествующих эпох — Античности и итальянского Возрождения, откуда сознательно отбирались отдельные качества классического искусства, принимавшиеся идеальными непревзойденными.

Путь академизма в искусстве не был отмечен какими-либо великими открытиями или достижениями. В силу своей искусственности («сделанности») и эклектичности, он не является художественным стилем.

А.Бугро Отдых во время жатвы. 1865

Расцвет академизма пришелся на 19 век. Во Франции это направление связано с творчеством таких прославленных мастеров, как Жан Огюст Доминик Энгр, Адольф Вильям Бугро, Александр Кабрнель, Поль Деларош, Жан-Леон Жером, Поль Жозеф Жамен, чьи работы отличаются непревзойденным мастерством исполнения.

Петербургская Академия художеств также взрастила в своих стенах плеяду всемирно известных художников-академистов — Карла Брюлова, Александра Иванова, Генриха Семирадского, Федора Бруни.

А.Альма-Тадема Обнаружение Моисея.1904

В наше время понятие «академизм» вышло за рамки художественного направления: оно получило дополнительное значение и стало применяться по отношению к работам художников, имеющих систематическое художественное образование и классические навыки выполнения произведений высокого уровня технического мастерства.

АКЦИОНИЗМ

Христо и Хан-Клод. Ворота №53 2006

Общее название ряда форм, возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов.

Стремление стереть грань между искусством и действительностью приводит художников-авангардистов к поискам новых способов художественного выражения, отличных от традиционных (т.е. статичных) форм, придающих динамику произведению, вовлекая в какое-либо действо (акцию). Акция (или искусство акции) становится общим понятием для художественных практик, в которых акцент переносится с самого произведения на процесс его создания.

К.Ольденбург. Ложка мост,удерживающая вишню. 1985

Истоки Акционизма следует искать в выступлениях дадаистов и сюрреалистов, в деятельности абстракционистов (в частности Д. Поллока), исповедующих принцип экспрессивного письма — «живопись действия».

АНАХРОНИЗМ

К.М. Мариани Рука, ведомая разумом.1983

Одно из течений постмодернистской живописи, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Явившись результатом отрицания модернизма (т.е. авангардистского направления в искусстве), постмодернизм объявил своей целью возврат к срарым формам, историческим традициям, стилям предшествующей многовековой культуры. В поисках новых форм художники-постмодернисты смешивают художественные стили различных эпох и культур, создавая на этой основе индивидуальную мифологию, соотнесенную с личным опытом автора.

Анахронизм возник в конце 1970-х годов в Италии, позднее распространился и во Франции. Его важнейшим духовным источником стало творчество Джоджо Де Кирико, обратившегося в 1920-х годах после «метафизического периода» к классическому искусству. Анахронисты или «культурные художники», как они сами себя называют, вдохновляются творчеством мастеров эпохи Возрождения, маньеризма и барокко, которых они перефразируют, пародируют, стремясь вписать классическую традицию в мозаичный контекст постмодернистской культуры.

АНАЛИТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО

П. Филонов. Крестьянская семья 1914

Аналитическое искусство – художественный метод, разработанный и обоснованный Павлом Филоновым в теоретических работах («Канон и закон», 1912; «Сделанные картины», 1914; «Декларация «Мирового расцвета»», 1923) и в собственном живописном творчестве.

Отталкиваясь от кубизма как носителя рационалистического начала, Филонов противопоставлял ему принцип органического роста (как растет дерево) художественной формы и «сделанности» картин.

П. Зальцман Тройной автопортрет. 1932

Принцип сделанности – главное положение Аналитического Искусства. Художник «строит» свою картину, как природа «творит» из атомов» и молекул более крупные образования. Понимая, «что в любом объекте не два предиката, форма да цвет, а целый мир видимых и невидимых явлений, их эманаций, реакций, включений, генезиса, бытия, известных или тайных свойств, имеющих в свою очередь иногда бесчисленные предикаты», Филонов был убежден, что все это многообразие свойств может быть пластически выражено в живописи.

При создании произведения художник должен опираться не только на явное, видимое («видящий глаз»), но и на незримое («знающий газ», улавливающий скрытые процессы) – внутренние закономерности строения и функционирования изображаемого предмета. Свое внутреннее «видение» предмета или явления художник претворяет в графическо-живописные конструкции, базирующиеся на «законе органического развития формы», заимствованного у природы (подражать не формам, которые она создает, а методам, которыми «действует») и противопоставляющегося «канону» (искусственно построенных формам).

Татьяна Глебова Цветовой вывод

Постигнув этот закон, художник способен» сделать» некую картину, настолько органичную, что она обладает потенциалом саморазвития как бы без участия в этом процессе самого автора (растет и развивается как все живое в природе).
П.Филонов верил, что созданное по его методу искусство, — искусство будущего, которое приведет к «Мировому Расцвету», так как основано на гармоничном взаимодействии человека и природы, на число научных принципах, обращенных к интеллекту зрителя, и развивающего его («быть фактором эволюции интеллекта»).

Мастера Аналитического искусства: Павел Филонов, Татьяна Глебова, Алиса Порет, Михаил Цибасов, Софья Заклиновская, Павел Зальцман, Павел Кондратьев, Борис Гурвич, Николай Евграфов, Всеволод Сулимо-Самуйлло, Юрий Хржановский

АНДЕРГРАУНД

Андеграунд (англ.underground – подполье, подземелье) – в узком смысле – любое некоммерческое, экспериментальное искусство; в широком – понятие и явление, возникшее в США в конце 1950-х гг. и означающее «подпольную» культуру как составную часть так называемой контркультуры, противопоставившей себя ограничениям и условностям, господствовавшим в обществе культуры.
Искусство андеграунда, проникнутое духом диссидентства. Отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. Типичная тематика американского и европейского андеграунда – «сексуальная революция», наркотики.

Лев Кропивницкий

В советский период это понятие приобрело несколько иной смысл и более политизированные формы: здесь в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство, включая музыку и литературу, оказывалось андеграундом.
С середины 1950-х до конца 1980-х гг. «художественная оппозиция» была представлена деятельностью многих объединений, среди которых наибольшую известность получили группы «Лианозовская» (Е.и Л. Кропивницкие, Л. Мастеркова, О.Рабин и др. (с 1956 до середины 1970-х гг.)), «Сретенский бульвар» (И.Кабаков, Э.Неизвестный, Ю.Соболев, Ю. Соостер и др. (с 1960 до середины 1970-х гг.)), «Коллективные действия» (А.Монастырский, Г. Кизельватер, И.Макаревич, С. Ромашко и другие (с 1975 г.)), «Мухоморы» (С.Гундлах, К.Звездочетов, В.Мироненко и др. (с1978г)). В русле андеграунда развивалось творчество художников, не примкнувших ни к каким объединениям (В.Сидур, А.Зверев, М.Шемякин), а представителей соц-арта (Э.Булатов, В.Комар и А.Меламид), других движений авангардизма «(Группа авангардистов», «Чемпионы мира»).

А. Зверев Портрет 1969

После краха политической системы Советского Союза, а вместе с ней снятия ограничений и запретов на свободу художественного творчества, андеграунд как явление культурной жизни сошел на нет.
Мастера андеграунда: Лев Кропивницкий, Любовь Мастеркова, Оскар Рабин, Илья Кабаков, Эрнст Неизвестный, Юрий Соболев, Юло Соостер, Кирилл Звездочетов, Михаил Шемякин, Анатолий Зверев, Вадим Сидур, Виталий Комар, Александр Меламид.

АР БРЮТ

Ар брют (франц. Art brut – грубое, сырое искусство) – направление в европейском искусстве середины ХХ века, основателем и лидером которого был французский художник Жан Дюбюффе, разработавший концепцию чистого искусства, искусства, отвергающего красоту и гармонию. Каждый человек – художник, для человеческого существа рисовать так же естественно, как говорить или ходить. Не обремененный традициями и знаниями «удушающей культуры», он творит инстинктивно и непосредственно.

По мнению Дюбюффе, Ар брют – это творчество в наиболее чистом его проявлении: спонтанный психический выплеск из глубин разума и сознания, запечатленный на бумаге или воплощенный в материале.
Он обращается к искусству душевнобольных, людей. Изолированных от общества, считая только их истинными художниками, обладающими тем субъективизмом, который придает человеку подлинную индивидуальность.

Вначале Дюбюффе копировал в своих произведениях их стиль, создавая нарочито примитивные, «варварские» формы и образы, фигуративные и абстрактные, поражающие неожиданными цветовыми решениями и как бы неловкой манерой письма. А в 1948 году вместе с писателем-сюрреалистом Андре Бретоном и испанским художником Антони Тапиесом основал в Париже «Компанию грубого искусства», призванную сохранять и изучать искусство маргиналов. Собранная или коллекция, насчитывающая около 5000 рисунков, живописных картин, предметов и скульптур, легла в основу Музея Ар брюта, основанного в 1976 году в Лозанне (Швейцария).

В современном искусстве понятие «ар брют» включает в себя творчество людей, существующих вне общества, — душевнобольных инвалидов, всевозможных маргиналов, а также произведения Ж.Дюбюффе, вдохновленные этими образцами. Ар брют является частью более широкого направления – «Аутсайдер арт» (искусство аутсайдеров), ставшего за последнее десятилетие серьезным движением в мировом художественном процессе. Во многом это заслуга радикала и воинствующего интиинтеллектуала Жана Дюбюффе, по-новому взглянувшего на мир.
Мастера Ар Брют: Жан Дюбюффе, Антонии Тапиес, Адольф Вельфли, Генри Дангер, Мортон Бартлетт, Роземари Кочи, Пол Хамфри. Юджин фон Брюнхенхайн.

АРТЕ ПОВЕРА

Арте повера (итал. Arte povera – бедное искусство) – направление авангарда, оформившееся в итальянском искусстве в конце 1960 – начале 1970-х гг. и получившее широкое распространение в других европейских странах. В его основе лежало создание инсталляций из промышленных и природных объектов, при этом предпочтение отдавалось наиболее простым, «бедным» материалам (таким как земля, песок, уголь, мусорные отбросы, элементарные предметы домашней утвари, старая поношенная одежда и обувь и т.п.).

Движение Арте повера возникло как ответ на повышенный интеллектуализм и рационализм минимализма и концептуализма, с их дорогостоящими материалами и технологиями изготовления объектов искусства. Художники Арте повера, создавая свои работы, обратились к «миру простых вещей», сиюминутно окружающих человека, стремились выявить особую поэтику обыденного, играя на контрастах – вырывая вещи из привычного контекста и помещая их в иную реальность, реальность роскошных дворцовых залов и музейных помещений.

При этом особое внимание уделялось разнородности предметов (гипсовые слепки голов с античных статуй и мешки с углем или газовые горелки), материалам недолговечным, изменяющимся под воздействием атмосферы или в силу их химических и физических свойств (таким как воск, губка, резина и т.п.). Это придавало произведениям Арте повера определенную художественную символику, не поддающуюся однозначному толкованию. Искусство, окружая нас повсюду, мимолетно и неуловимо, как миг жизни. Оно эфемерно. А значит и бесполезно, но в этом и его красота.

Мастера Арте повера: Марио Мерц, Яннис Кунеллис, Лусио Фонтана, Джованни Ансельмо, Джулио Паолини, Джильберто Цорио, Пино Паскали, Алигьеро Боэтти, Марио Чероли, Лучано Фебри, Джузеппе Пенони, Микеланджело Пистолетто

БАРОККО

Микеланджело Меризи де Караваджо, Вакх.1593 — 1594 года. Галерея Уффици. Флоренция. Италия

Барокко — один из больших стилей, который главенствовал в архитектуре и искусстве европейских стран, начиная с конца 16 и до середины 18 веков.

Родина барокко (итал. barocco — причудливый, странный) — Италия, где утверждение нового стиля означало конец Ренессанса с его гармоническим мировосприятием, верой в безграничные возможности человеческого разума и упорядоченность вселенского бытия.

Главными характеристиками барокко стали масштабность, обилие декора, бурная динамика, стремление к иллюзорным эффектам в организации пространства интерьера — увеличение размеров помещений с помощью зеркал; высоты залов благодаря живописным плафонам, имеющим сложное решение перспективы.

Все это отвечало новой картине мироздания — изменчивой, конфликтной, где отживающее и рождающееся находятся в постоянном противоборстве, а человек с его страстями, запутанным, сложным внутренним миром часто оказывается во власти иррациональных сил.

Симон Вуэ,Святая Цецилия с ангелом. Первая половина 17 века. Венгерский музей изобразительных искусств. Будапешт. Венгрия

Не случайно барокко уходит от ясности и простоты, предпочитая геометрической строгости, прямой линии изысканную кривую; упорядоченному движению — вихреобразное; локальному цвету — мерцающие, меняющиеся под воздействием светотени золотистые тона или яркие, праздничные, неожиданно дисгармоничные в своем победном звучании.

Барокко поражает эффектными интерьерами, напоминающими театральные декорации, контрастным сочетанием использованных для их отделки материалов и фактур, а порой и шокирующим включением в произведения искусства «реальных» деталей, например настоящих зубов и волос в женские статуи.

Стиль барокко создал неповторимую ансамблевость, свойственный только ему синтез архитектуры, монументального и декоративно-прикладного искусства.

В каждой европейской стране барокко имеет свою специфику при сохранении основных особенностей стиля. Так, на родине, в Италии, этот стиль реализовался наиболее ярко и по времени раньше, чем, например, во Франции, где ведущая роль в XVII в. принадлежала классицизму.

В России развитие барокко приходится на первую половину и середину XVIII в. Свободное от мистической экзальтации, свойственной этому стилю в католических странах, искусство барокко в России прославляет крепнущую самодержавную власть.

В 1-й половине XVIII в. барокко повсеместно эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1760-х гг. вытесняется классицизмом..

БАУХАУЗ

Ancient Sound, Abstract on Black by Paul Klee 1925

Баухаус (нем. Bauhaus – «дом строительства»), Высшая школа строительства и художественного конструирования, основанная немецким архитектором В.Гропиусом в Веймаре в 1919 г.)

По замыслу автора, Баухаус был призван объединить «разошедшиеся» искусство, ремесло и технику в «единое художественное производство», соединить их в форме средневековых строительных гильдий, но на новой научно-технической основе. Вначале все студенты проходили 6-месячный курс предварительного обучения, где изучали свойства материалов и основы ремесел, а также теорию формы и рисунка. После этого их допускали к работе в мастерских: творческой и производственной, где упор делался на практике занятия. В зависимости от склонностей учащихся из них готовили архитекторов, художников-конструкторов, фотографов, дизайнеров.

Пауль Клее: Klee Analysis of Various Perversities, 1922, Collection

Особое внимание В. Гропиус уделял отбору преподавателей, разделявших его убеждения: в разные годы здесь работали художники В.Кандинский, П.Клее, О.Шлеммер, Л.Файнингер, дизайнеры Л.Мохоли-Надь и Й.Иттен.

Расцвет Баухауса связан с Веймарским периодом, отмеченным влиянием неоромантизма. В 1925 году Баухаус переехал в Дессау и разместился в выполненном по проекту В.Гропиуса здании, считающимся одним из шедевров архитектуры функционализма. Период в Дессау отмечен усилением техницистски-утилитарных тенденций, складыванием собственного стиля Баухаус, характеризующегося четкостью форм, минимализмом средств, типовым проектированием, совершенствованием индустриальных методов и материалов.

Vasily Kandinsky, St. George and the Dragon (1914-15).

В 1928 году пост директора занял швейцарский архитектор Х.Майер. Однако новшества, введенные им (изучение общественных наук), вызвали недовольство со стороны преподавателей и студентов, и в 1930 году Баухаус возглавил немецкий архитектор Л.Мис Ван дер Роэ, остававшийся директором вплоть до закрытия этого учебного заведения нацистами 1933 году.

Wassily Kandinsky. Untitled First Abstract Watercolor. 1910 -1913

Однако, принципы и методы обучения Баухаус были подхвачены в других странах, а его идеи оказали глубокое воздействие на развитие прикладного и изобразительного искусства ( от книжной графики и рекламы до мебели и предметов утвари).

Мастера Баухаус: Вальтер Гропиус, Людвиг Мисс Ван дер Роэ, Василий Кандинский, Пауль Клее, Оскар Шлеммер, Лионель Файнингер, Ласло Мохоли-Надь, Йозеф Альберс, Герхард Маркс, Марсель Брейер, Макс Билль, Йоханнес Иттен, Херберт Байер, Ханс Майер.

БОДИ-АРТ

Боди-арт (англ. body art — «искусство тела») — одна из форм авангардного искусства, где главным объектом творчества становится тело человека, а содержание раскрывается с помощью невербального языка: поз, жестов, мимики, нанесения на тело знаков, «украшений». Объектом Боди-арта также могут выступать рисунки, фото, видео и муляжи тела.

Тело рассматривается как вещь для манипулирования, повышенный интерес художники проявляют к пограничным экзистенциальным ситуациям. Композиции боди-арта разыгрываются прямо перед зрителем или записываются для последующей демонстрации в выставочных залах.

Направление возникло на ранней стадии авангарда, но получил особое распространение в период постмодернизма, который прибегает к нему как к элементу инсталляций и перфоманса, некоторые искусствоведы относят его к акционизму.

Боди-арт иногда близок, но не тождественен, ряду явлений, возникших в русле контркультуры: нудизму, садомазохизму, натуризму, панк-культуре, хиппи-культуре, сексуальной революции.

Термин «боди-арт» не следуют путать с росписью тела (англ. body painting), которая является лишь подмножеством боди-арта.

История
Одни из первых в XX веке опыты в духе боди-арта относятся к 1910-м годам, когда русский футуризм в лице М. Ф. Ларионова провозгласил, что «пора искусству вторгнуться в жизнь» и что «раскраска лица — начало вторжения». Предлагая программу разного рода «раскрасок» и преобразований облика мужской и женской фигур, Ларионов реализовал эти идеи масочно-ряженного боди-арт применительно к себе и к своим товарищам. Разрисовав свои лица и превратив себя в живые художественные объекты, они вышли 14 сентября 1913 года на «футуристическую прогулку» по Кузнецкому мосту.
Начиная с 1960-х годов боди-арт начал интенсивно развиваться в Европе, как часть эстетической революции авангардизма, направленной против духовной косности общества, как противопоставление себя прежним и в особенности общепринятым традициям творчества, равно как и всем окружающим социальным стереотипам в целом.

В 1964 году в Вене первые манифестации — вызывающие нудистские акции Гюнтера Брюса и опыты Рудольфа Шварцкоглера, связанные с различными возможностями языка тела. Их американские последователи изучают взаимосвязи поэтического и телесного языка (Вито Аккончи), а также такие ракурсы телесности, как гримаса (Брюс Науман), царапина (Деннис Оппенгейм), порез (Л. Смит), укус (Вито Аккончи). О теле как объекте и средстве искусства, его основе размышляют французские теоретики и практики боди-арта — М. Журниак («Месса по телу», «Договор о теле»), Д. Пан, У. Лути, Ф. Плюшар.

Представители Боди-арта использовали своё тело как материал или объект творчества, прибегая к разнообразным, подчас болезненным, манипуляциям: покрывали свои тела гипсом, надрезами, выполняли изнурительные дыхательные упражнения, жгли на себе волосы, Ж. Пан (Франция) публично причиняет себе боль, Крис Бёрден (США) побуждает своего друга выстрелить в него в выставочном зале, Р. Шварцкоглер (Австрия) по кусочку отрезает плоть модели, которая умирает от потери крови, что запечатлевается на фотоплёнку.[1] «Роспись самого себя — преодоление самоистязание» и «бесконечно испробованное самоубиение», — так сформулировал крайний мазохистский, но типичный характер экспериментов боди-арта 1960—1970-х годов Гюнтер Брюс, основавший вместе с Отто Мюлем и Германом Ничем, венскую группу «Актионисмус» (Aktionismus, 1964). В том же духе совершали свои акции боди-арт Вито Аккончи, Деннис Оппенгейм, Крис Бёрден, Джина Пина, Марина Абрамович, а в России, уже с 1980-х годов, — А. Жигалов и Н. Абалакова (арт-группа «ТОТАРТ»), а с 1990-х годов — О. Кулик, О. Мавроматти, художники школы Ю. Соболева (арт-группа «Запасный выход» царскосельской «Интерстудио»), Е. Ковылина, Лиза Морозова, М. Перчихина (Мышь).

Одновременно развивалось другое направление боди-арта, в котором тело художника становилось объектом гримировальных и костюмированных ряжений: начальные опыты такого рода относятся к середине 1930-х годов, а в 1960—1970-е годы подобные акции показывали англичане Гилберт и Джордж, а также Л. Онтани, Р. Хорст, Х. Вилке, П. Коттон, У. Лути, Ю. Клауке, Л. Кастелли, В. Трасов, П. Олешко, Р. и В. Герловины.
Виды боди-арта:

Роспись по телу, лег арт, бодипейнтинг (англ. body painting) — это искусство рисования на теле. Это самый распространённый вид боди-арта, в котором основное место занимает рисование на лице (фейс-арт) и теле. Общеизвестен нейл-арт — роспись ногтей. Менди — роспись тела с использованием хны, самая долговечная — держится три недели.
Татуирование (с полинезийского — «метка») — виды модификации кожи, заключающиеся во вживленнии в слои кожи специального красящего пигмента. В отличие от росписи по телу рисунок сохраняется на всю жизнь. Сюда относятся перманентный макияж, а также, например, косметический татуаж бельма.
Пирсинг (англ. piercing — «прокол», «прокалывание дырок») — вдевание предметов в отверстия, сделанные с этой целью на теле или лице. Иногда к этому виду относят скайсы (накладки на зубы) и «глазные импланты» (накладки на белочную оболочку глаза).
Шрамирование, скарификация, скарт (лат. scarifico — «царапаю») — специальное нанесение на тело шрамов, в законченном виде представляющих собой какой-либо рисунок или узор.
Имплантация (лат. im — «внутрь» и лат. plantatio —- «сажаю») —- хирургическая операция вживления в ткани чуждых организму структур и материалов. Сюда относятся не только подкожные и другие импланты, но и распространённая операция по увеличению груди.
Модификации тела (лат. modus — «мера, вид, образ» и лат. facio — «делаю») — внесение изменения в структуру тела — от «эльфийских ушей» и раздвоенного языка до ампутаций, деформаций, корсетирования.
Самодемонстрация художника, этот вид представляет собой глубокое ответвление в постмодернизм. Одна из наиболее известных работ Денниса Оппенгейма: художник лежал с книгой на груди под солнцем, пока его кожа, за исключением закрытой книгой, не загорела.
Вито Аккончи задокументировал при помощи фотографий и текста свои ежедневные упражнения: художник вставал на стул и спускался с него так долго, сколько мог, на протяжении нескольких месяцев.
Крис Бёрден чаще всего использовал своё тело как объект для насилия. В «Стрельбе» (1971) Бёрден попросил своего друга выстрелить в него таким образом, чтобы слегка задеть руку, в результате художник был серьёзно ранен. Большая часть работ Бёрдена была связана с физическим риском. В «Тихо сквозь ночь» художник медленно продвигался по битому стеклу. Во время «Kunst Kick» (1974) ассистент пинал тело художника, который скатывался на две-три ступеньки вниз по лестнице.
Группа «Венский Акционизм» была создана в 1965 году Германом Нитшем, Отто Мюль, Гюнтером Брюсом и Рудольфом Рудольфом Шварцкёглером. Они представили ряд акций, обычно затрагивающих социальные табу (такие как манипуляции с гениталиями).
Марина Абрамович представила «Rhythm O» в 1974 году. Публике была дана инструкция использовать «72 инструмента боли и наслаждения», включая ножи, перья и пистолет. Аудитория резала её, колола, расписывала губной помадой и снимала одежду. Перформанс продолжался шесть часов. Одна из её работ включала танец до изнеможения.

В настоящее время боди-арт распространен как одна из форм рекламы товара или услуги на выставках, презентациях и прочих мероприятиях. Для этого привлекаются профессиональные модели и художники.

ВЕРИЗМ

Д. Фаттори. На побережье.1893

Веризм ( итал.verismo от vero — правдивый, истинный) — направление в итальянской художественной культуре последней трети 19 века, возникшее первоначально в литературе и музыке, затем распространившееся и на изобразительное искусство.

Принципы веризма сформировались главным образом под влиянием французского натурализма. Опираясь на творчество Э.Золя, Г.Флобера и Г. де Мопассана, веристы ставили главными задачами своего творчества объективность и научный подход к изучению фактов (с позиций позитивизма) в изображении жизненных реалий современного итальянского общества, быта и психологии простых людей. Национальное своеобразие этого течения проявилось в глубоком сочувствии угнетенному трудовому народу, жизнь которого (в основном крестьянства и бедняков провинции) явилась основным содержанием романов и новелл теоретиков веризма — Дж. Верги, Л.Капуаны, Д.Чамполи, оперных произведений П.Масканьи, Р. Леонкавалло, Дж.Пуччини.

С.Лега Итальянские Барсальеры,ведущие пленных австрийцев, 1861

В изобразительном искусстве непосредственными предшественниками веристов были художники флорентийской школы «Маккьяйоли», обратившиеся в своем творчестве к темам национально-освободительной борьбы итальянского народа, городской и сельской жизни. В живописи веризм был представлен преимущественно неаполитанскими мастерами, развивавшими социально-критические тенденции в искусстве (борьба рабочего класса за свои права, тяжелый крестьянский быт) и создавшими целую галерею образов выдающихся деятелей итальянской истории и культуры.

Однако веристы не видели общественной возможности устранения социальной несправедливости; в их творчестве преобладали настроения пессимизма и обреченности, пассивно-натуралистическое восприятие действительности (в литературе и живописи) или мелодраматизм, поверхностная иллюстративность, преувеличенная эмоциональность (в музыке). Не получив широкого распространения в изобразительном искусстве Италии, веризм тем не менее сыграл важную роль в развитии реалистических тенденций в мировом художественном процессе.

Мастера Веризма: Франческо Паоло Микетти, Джузеппе Пелицца да Вольпедо, Винченцо Вела, Франческо Айец, Джованни Фаттори, Сильвестро Лега.

ВИДЕО-АРТ

Нам Джун Пайк Семья Роботов,1976

Видео — арт (англ. video art), направление в изоискусстве последней трети 20 в., использующее возможности видеотехники. В отличие от собственно телевидения, рассчитанного на трансляцию для массового зрителя, видео-арт применяет телеприемники, видеокамеры и мониторы в уникальных хэппенингах, а также производит экспериментальные фильмы в духе концептуального искусства, которые демонстрируются в специальных выставочных пространствах. С помощью современной электроники показывает как бы «мозг в действии», — наглядный путь от художественной идеи к ее воплощению. Главный основоположник видео-арта — американец корейского происхождения Нам Чжун Пайк. Искусство, использующее телевизионные технологии — видеоарт, — как раз и возникло из протеста против засилья массовой культуры, высшим воплощением которой считается телевещание. «Отцы» видеоарта Нам Чжун Пайк и Вольф Фостель каждый по-своему иронизировали над добропорядочными гражданами, усаживающимися каждый вечер отдыхать перед телевизором. Вольф Фостель в 60-е годы устраивал хэппенинги, на которых телевизоры забрасывали кремовыми тортами, обвязывали колючей проволокой, торжественно погребали и даже расстреливали из автоматов. Нам Чжун Пайк, музыкант по образованию, поступал тоньше. Начав с опытов «визуализации музыки», он перешел к созданию подобий живых существ с головой, руками и туловищем из мониторов разных размеров и соответствующими изображениями, называя их «Мама», «Папа», «Ребенок», «Тетя», «Дядя» и т.п.

Нам Джун Пайк Новая работа, 1983

Возникнув в 60-е годы, когда еще даже не было видеокамер, видеоарт считается молодым видом искусства. Как всегда, в начале он был уделом одиночек-энтузиастов, но уже в конце 80-х стало ясно, что видео таит неисчислимые возможности для обогащения выразительных средств искусства. Немалую роль сыграли в этом работы Билла Виолы, создавшего целый мир удивительных и завораживающих образов, в которых реальность и фантазия переплетены так изощренно, что из них рождается некая «новая реальность».
Теперь уже всем понятно, что для двадцатого века имена видеохудожников Виолы и Пайка так же значимы, как для девятнадцатого — имена Моне и Ван Гога.
Хорошее искусство всегда сильно воздействует на человека — пробуждает в нем чувства, мысли, идеи, поступки. Видеоарт располагает техническими средствами воздействия, которые сильнее живописи, графики, скульптуры. Пожалуй, по остроте воздействия с видеоискусством может соперничать только сама жизнь. Не случайно это самое правдоподобное из всех искусств Вольфом Фостелем было названо «бегством в действительность».

ВОЗРОЖДЕНИЕ

Мазаччо (Masaccio) (наст. имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи

Возрождение, или Ренессанс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento; — «снова» или «заново роджённый») — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи— начало 14 — последняя четверть 16 веков и в некоторых случаях — первые десятилетия 17 века (например, в Англии и, особенно, в Испании). Отличительная черта эпохи Возрождения— светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в 14 веке.

Пьетро Каваллини

Художники этого времени, Пьетро Каваллини (1259—1344), Симоне Мартини (1284—1344) и (в первую очередь) Джотто (1267—1337) при создании полотен традиционной религиозной тематики отталкивались от традиции интернациональной готики, однако начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Для обозначения их творчества используется термин Проторенессанс. Различные века в истории итальянского искусства имеют названия, образованные от соответствующих числительных:
◾дученто — 1200-е. От итал. ducento (двести). Интернациональная готика.
◾треченто — 1300-е. От итал. trecento (триста). Проторенессанс.
◾кватроченто— 1400-е. От итал. quattrocento (четыреста). Раннее Возрождение, Высокое Возрождение.
◾чинквеченто — 1500-е. От итал. cinquecento (пятьсот). Конец Высокого Возрождения, Позднее Возрождение.

Раннее Возрождение
Беноццо Гоццоли

В начале 15 века Филиппо Брунеллески (1377—1446), флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины. Другим важным шагом стало появление нерелигиозного, секулярного искусства.Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков. Наиболее известные художники этого периода — Мазаччо (1401—1428), Мазолино (1383—1440), Беноццо Гоццоли (1420—1497), Пьеро Делла Франческо (1420—1492), Андреа Мантенья (1431—1506), Джованни Беллини (1430—1516), Антонелло да Мессина (1430—1479), Доменико Гирландайо (1449—1494), Сандро Боттичелли (1447—1515). Большое распространение получила скульптура. В творчестве скульпторов получили развитие многие формы: статуя, рельеф, бюст и т. д. Ими были достигнуты новые высоты в изображении пластики человеческого тела: эмоций, движений тела, сложных сцен в многоплановых, перспективных рельефах. Наиболее известными скульпторами этого периода являются Донателло (1386—1466) и Лоренцо Гиберти (1381—1455).

Высокое Возрождение
Корреджо/Антонио Аллегри

Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть 16 века, которая получила название «Высокое возрождение». Работы Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520), Микеланджело Буонаротти (1475—1564), Джорджоне (1476—1510), Тициана (1477—1576), Антонио Корреджо (1489—1534) составляют золотой фонд европейского искусства. Подходя к живописи с точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти. Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире. Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей.

Позднее Возрождение
Parmigianino Malatesta Baglioni, 1537

После разграбления Рима имперскими войсками в 1527 году итальянское Возрождение вступает в период кризиса. Уже в творчестве позднего Рафаэля намечается новая художественная линия, получившая название маньеризма. Для этой эпохи свойственны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции ит. д. Первые мастера маньеризма — Пармиджанино, Понтормо, Бронзино — жили и работали при дворе герцогов дома Медичи во Флоренции. Позднее маньеристская мода распространилась по всей Италии и за её пределами. В 1590-е годы на смену маньеризму приходит искусство барокко (переходные фигуры — Тинторетто и Эль Греко).

Северное Возрождение
Питер Брейгель-старший. «Поклонение»

Художники, жившие к северу от Альп, не имели перед своими глазами образцов античного искусства. Археологическое измерение итальянского Ренессанса, состоявшее в изучении вновь открытых памятников античности, было им совершенно чуждо. Здесь долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследования и познанию анатомии человека. Портреты северных художников (например, Гольбейна) лишены гармонизации и идеализации действительности, которые свойственны их северным собратьям; в своей реалистичности они доходят до натурализма. С другой стороны, они не порывают со стихией народной, крестьянской жизни и фольклорными традициями; особенно показательно в этом отношении творчество Питера Брейгеля Старшего. На стыке интернациональной готики и предренессансных веяний в Бургундских Нидерландах 1-й половины 15 века родилось старонидерландское искусство. Усложнённая иконография и запутанный символизм сочетались с предельным вниманием к подробностям домашнего обихода. Переход от темперы к масляной живописи позволял художником более рельефно и разносторонне передавать многообразие, глубину и блеск предметного мира. Все эти достижения связаны с именами Робера Кампена и его учеников— братья ван Эйков и Рогира ван дер Вейдена. Во второй половине века пережитки готики и итальянские влияния причудливо переплелись в творчестве Мемлинга. Хотя в Италии эпохи кватроченто с интересом следили за достижениями нидерландских художников, итальянское влияние стало про

Стиль рисования: как найти свой?

Сен 29, 2016

in Полезные статьи по рисованию
Как найти свой стиль рисования: практическое руководство

(Перевод статьи Tara Leaver “Finding your own artistic style: A practical guide” –
http://taraleaver. com/2015/02/finding-your-own-artistic-style-a-practical-guide/)
У многих из нас поиск своего собственного узнаваемого художественного стиля вызывает большие трудности. И это относится не только к новичкам в рисовании, но также затрагивает и художников со стажем.
Возможно вы начинаете сомневаться еще до того, как кисть прикоснется к холсту, вспоминая разные критические замечания ваших учителей, или попросту теряясь в огромном количестве различных возможных идей и вдохновении, полученных с разных курсов. А может и то, и другое сразу!
Неудивительно, что когда вы найдете свой стиль, вы почувствуете себя просто изумительно!
Сегодня я вижу несколько простых способов как найти и развить свой собственный стиль.
Он есть у каждого человека, просто нужно помочь ему проявить себя. Мы развиваем его через постоянную практику и упражнения, но есть еще и бессознательная часть, та, что идет не через “руки”, а от сердца.
Я знаю, что эта мысль кажется очевидной, тем не менее именно такое сочетание позволяет нам начать работать над выработкой нашего индивидуального стиля. Полученная извне, эта идея дает вам возможность более четко представить, с чего лучше начать познавать свое творчество и искать свой стиль.
Все, что вы прочитаете ниже, не является исчерпывающей информацией по этой теме. Это лишь отправные точки для вас в поисках собственного пути.
Возьмите свою последнюю работу, положите её так, чтобы вам было удобно её рассматривать. Последовательно отвечайте на вопросы, попутно отмечая свою реакцию и наблюдения. Если хотите, можете сделать письменные пометки.
Мы отправляемся на поиски сокровищ!
Главное сокровище – это ваше собственное творчество.
Техника мастеров акварели: СВОБОДА ОТ ПРАВИЛ!
Задумайтесь над тем, что вы рисуете чаще всего
Какие темы и сюжеты привлекают вас в рисовании больше всего? Если вы затрудняетесь с ответом, загляните в свои картины и папки с работами в поисках ответа.

Лично я стараюсь запоминать свои предпочтения в сюжетах, как часто я работаю над той или иной темой. А где-то дома у меня лежит и листок из блокнота, куда я записываю эту информацию. Так что, когда я чувствую затруднения с ответом на вопрос о моей любимой теме в рисовании, то заглядываю в себя или этот листок.
Итак, я люблю рисовать лодки! А ещё рыб, фигуры и деревья.
Список любимых тем не должен быть абсолютно полным или исчерпывающим на данном этапе. Достаточно выделить для себя несколько из них, чтобы иметь отправную точку.
Подборка работ с экспериментами и творческими поисками на тему деревьев. Вы можете увидеть общие черты, связывающие работы – извилистые линии и контурный рисунок.

Какие цвета вы любите?
Подумайте о цветовой палитре, которой вы пользуетесь по умолчанию.
Что может рассказать ваша последняя работа о повторяющемся выборе цветов?

В мою рабочую палитру в последнее время входят aqua, голубая, непальская желтая, флуоресцентная розовая и белая, в качестве которой я использую акриловый грунт gesso. Это дает мне хороший диапазон темных, средних и светлых тонов. Я получаю искреннее удовольствие от игры с этими цветами, они полностью отвечают моим нуждам и потребностям в данный момент.
А как насчет вас?
Слева – моя фотография, справа – рисунок по ней. Я использовала цвета из “моей” палитры и экспериментальную технику.
Гармония цвета. Сайты-цветогенераторы

Какие у вашего стиля особенности?
Что вам больше нравится – графичные линии или же работа с большими площадями цвета?
Нравится ли вам использовать необычные приемы при работе с кистью?
А может вы предпочитаете не использовать в работе зубную щетку для набрызга?
Нравится ли вам создавать так называемые паттерны, узоры, или же вы предпочитаете работать с большей фантазией и размахом?

Особенности моего стиля – контурные линии, часто неровные и размытые, иногда “грязные” по цветовому решению. Я вдохновляюсь работами Эгона Шиле (Egon Schiele). Я тоже люблю нервные цветовые контрасты, изощренно-гибкий рисунок.
Проанализируйте, какие приемы вам особенно нравятся и близки, дарят чувство удовлетворения своим творчеством. Развивайте их, придерживайтесь в своих будущих работах.
Рисунок рыбы, выполненный чернилами орехового оттенка. Эксперимент с линиями.

Какая техника, художественный материал вам нравится?
Возможно, у вас их несколько. Что вам нравится больше всего?

Я очень люблю работать с масляной пастелью. Но больше всего мне нравится работать с акрилом и использовать в работах медиум. Это позволяет мне контролировать процесс высыхания красок, играть с результатом. Высыхает всё быстро и так же легко чистится.
Если у вас есть одна любимая техника, то это значит, что вы сможете исследовать все её возможности, улучшить свои навыки, а значит и свои работы в целом.
Я не пользовалась референсами для этой работы. Тут лишь два моих любимых материала – акрил и масляная пастель.

Что вас вдохновляет?
Итак, мы рассмотрели основные вопросы, на которые нужно обратить особое внимание в поисках своего стиля. Теперь давайте немного отвлечёмся, посмотрим на работы других художников и подумаем над тем, что бы мы могли позаимствовать у них для себя.
Я рекомендую заняться этим после того, как вы ответите на четыре предыдущих вопроса. Перед тем, как начать рассматривать и оценивать работу других художников, вам нужно для начала разобраться со своим творчеством.
Если вы уверены в том, что выделили для себя основные черты своего творчества, это упрощает вам поиск работ других художников, близких вам по стилю и видению мира. Вам будет проще оценивать их работы, и искать особенности, которые вы хотели бы добавить к своим работам, своему стилю.
Когда вы дойдете до этого момента, я рекомендую вам ознакомиться с сайтом Pinterest.
Он создан для того, чтобы собирать и делиться визуальной информацией. Там море различных картинок, фотографий и изображений. Задайте несколько ключевых запросов, посмотрите на результат.
Вы можете создать свою персональную доску, на которую будете собирать (прикалывать – Pin it!) все, что вас вдохновит и заинтересует, будь это интересная композиция на одной картине, цветовая палитра другой, стиль художника на третьей или сюжет четвертой.
На своей доске я не собираю картины других художников. Я поступаю так не потому, что они меня не вдохновляют. Просто я хочу быть свободной от того, что рисовали другие художники в тот момент, когда я начинаю творить, искать свои собственные сюжеты и решения.
В этом вам частично помогут референсные фото (фото-исходники для рисования). Они могут сослужить вам хорошую службу, так что держите их всегда под рукой или сохраняйте на доске в Pinterest фотографии, которые вдохновляют вас.
Кроме того, внимательно приглядевшись к собранным вами фотографиям, вы непременно увидите подсказки о том, что вам интересно в данный момент, и что дальше делать.
Да, Pinterest как кроличья нора! Если вы не можете оторваться от него, поставьте таймер.
Слева – фото из Pinterest, справа – моя работа, на которую меня это фото вдохновило.
Как оставаться на волне вдохновения?

Вы можете задать себе лишь ОДИН вопрос, и пусть это будет: “Что вдохновляет меня именно сейчас?”
Я всегда задаю его себе, если не уверена с чего начать или не могу вспомнить как “я” рисую. Он позволяет мне идти по моему собственному пути.
Подумайте о том, что вы хотите нарисовать именно сейчас, подберите референсные фотографии, если они вам необходимы, несколько любимых цветов из вашей палитры, и рисуйте в технике, которая вам нравится.
Итак, вы готовы. Что же вы нарисуете?
Буду признательна за репост статьи!
Еще полезные переводные материалы по рисованию:

Стили татуировок. Все о направлениях и стилях тату на портале tattoo-masters
Хочется татуировку? Украшать свое тело рисунками или надписями было и будет модно. Главное – выбрать правильное тату, которое не только будет нести смысловую нагрузку, но и выделится красотой исполнения. Для талантливого мастера – это вполне выполнимая задача.
Делаем татуировку: как это происходит?
Первый важный шаг на пути к получению действительно крутой татуировки заключается в выборе рисунка, с опорой на его значение. Например, очень популярна среди девушек бабочка, которая воплощает символ перерождения, нового начинания и попросту является символом свободы и неземной красоты.
Второй шаг – определиться со стилем татуировки, ведь та же бабочка может быть выполненной в разных направлениях.
Третий шаг – подготовка эскиза и выбор профессионального мастера. Лучше заниматься эскизом вместе с мастером, чтобы он имел точное представление о желании клиента.
Какие бывают стили татуировок?
Сейчас татуировка носит, прежде всего, декоративный характер, поэтому и стили тату так часто смешиваются между собой. Тем не менее, принято выделять основные, «чистые» стили рисунков на коже.
Этнический стиль
Этнический стиль татуировок – самый распространенный, поскольку он объединяет несколько направлений. Это всевозможные изображения, собранные с истории разных народов. Так, к этно-татуировкам относится:
кельтский стиль, который ярко узнаваем своей характерной «плетенкой» – орнаментом с выразительными узлами;

индейские мотивы, среди которых особо выделяются тату в стиле майя и ацтеков;

тату в стиле олд-скул вернула популярность, сегодня такие рисунки можно наблюдать на теле представителей всех слоев населения;

восточный стиль идеально подходит для выражения силы, преданности, чувств или своего мировоззрения. Чаще всего клиенты тату-салона хотят китайские, японские или индийские восточные символы на коже. Не теряют актуальности иероглифы – красивые и оригинальные одновременно;

полинезийский – это стиль тату, которому характерны изображения с волнами, лентами, спиральными узорами и линиями, расходящимися лучами;

скифский богат разными приемами оформления, звериными мотивами;

стиль трайбл тоже относится к этно-тату.

Другие стили татуировок, популярные сейчас:
стиль фэнтези;

анималистический;

растительный;

славянский;

кибернетический;

Black & Grey;

дотворк;

Blackwork-tattoo.

Как выбрать «свою» татуировку?
Стилей действительно очень много, и в каждом из них кроются тысячи рисунков, узоров и орнаментов – можно запутаться в своих желаниях. Вот несколько советов, которые помогут с выбором:
Не нужно копировать чью-то татуировку, пусть даже красивую – будьте уникальны!

Изучайте портфолио мастеров – возможно, какая-то из работ покажется вам близкой по духу.

Не думайте о том, какие тату в моде, ориентируйтесь на свои ощущения, ведь с рисунком на коже придется сродниться на всю жизнь.

Помните, что тату – это больше, чем просто тушь под кожей. Мы делаем их с желанием отобразить сокровенную частицу внутреннего мира.

Обязательно выбирайте мастера-профессионала, который воплотит в жизнь любые ваши фантазии.
Делаем обработку фото в Фотошоп
В этом уроке я покажу вам, как сделать фотообработку в стиле рисунка.

Скачать архив с материалом к уроку

Шаг 1. Открываем фотографию

Для стилизации желательно выбирать портретные студийные фотографии с хорошим освещением и однородным фоном.

Шаг 2. Стилизация с Масляной краской

Заходим в Фильтр Масляная краска. Настройки:

стилизация — 4

чистота —2,3

блеск — 0, 2

Объединяем слои, делаем дубликат.

Шаг 3. Используем Галерею фильтров

Заходим в фильтр Очерченные края. Настройки:

Толщина краев —1

Интенсивность — 1

Постеризация —6

Применяем режим наложения слоя Мягкий свет. Если ваше фото темное, то попробуйте режим наложения Экран, если слишком светлое — Умножение. В моем случае хорошо сработал Мягкий свет. Объединяем все слои, делаем дубликат.

Теперь используем Галерея фильтров — Масляная живопись. Настройки:

Размер кисти — 2

Резкость — 0

Кисть — широкая, резкая

Объединяем слои, дублируем слой.

И наконец, Галерея фильтров — Аппликация. Настройки:

Количество уровней — 8

Простота краев — 2

Четкость краев — 3

Режим наложения Мягкий свет, непрозрачность слоя 50%.

Шаг 4. Помещаем в работу текстуру бумаги

Помещаем текстуру бумаги и трансформируем под размеры нашего фото. Желательно подобрать цветовую гамму бумаги, под цвет фона фотографии. Дублируем 3 раза и отключаем 3 слоя.

На первом создаем маску слоя и протираем в центре.

Включаем второй дубликат слоя, ставим режим наложения Цветность и непрозрачность 50%.

Включаем следующий дубликат с текстурой бумаги, режим наложения – Умножение.

Включаем последний слой с текстурой бумаги, режим наложения – Мягкий свет.

Теперь объединяем все слои, дублируем слой.

Шаг 5. Финальная коррекция

Применяем Фильтр — Другое — Цветовой контраст (Краевой контраст). Радиус — 3 пикселя, режим наложения Перекрытие.

Далее Корректирующий слой Кривые.

И в завершение Галерея фильтров — Очерченные края. Настройки:

Толщина краев — 1

Интенсивность — 1

Постеризация — 6

Режим наложения Экран, непрозрачность слоя – 70%

При необходимости кадрируем .

Мы закончили!

Примеры обработки таким способом

Оставляйте комментарии. Загружайте работы по уроку. Мне приятно будет получить от вас обратную связь.
25 различных техник и стилей рисования
Виды картин
Типы картин: Живопись — это искусство разбрызгивания цветов с помощью кистей определенным образом для создания искусства. Рисовать можно практически на любой поверхности, и они могут быть цифровыми (на компьютере) или ручными с использованием красок и кистей. Есть разные виды материалов для рисования, такие как песок, бумага, глина и многие другие. Живопись — это творчество, поэтому художники не ограничиваются только ограниченными средами и материалами, это постоянно развивающийся процесс.Существует типов живописи стилей, но современный стиль живописи является наиболее востребованной техникой, он позволяет художнику воплощать свои идеи на холсте, сочетая модернизм, абстрактные и сюрреалистические приемы. Существуют разные стили живописи, такие как абстрактное искусство, концептуальное искусство, гиперреализм, поп-арт, футуризм, импрессионизм и так далее. Как художники, вы можете сосредоточиться на отдельных стилях или на их комбинации.
Картина маслом
Акварельная живопись
Картина пастелью
Акриловая картина
Цифровая живопись
Тушь для рисования или литературная живопись — китайские черные туши
Картина горячим воском или энкаустическая живопись
Окраска распылением
Картины Fresco secco — техника росписи стен
Гуашь, акварель, непрозрачная, средний
Эмалевые картины
Картины темперой (очень долговечные)
Песочная живопись. . и т. д.
1. Картина маслом
Картина маслом может оказаться сложной задачей для новичков. Картина маслом подходит практически ко всем стилям. Вы можете работать с гладкой текстурой краски, которая имеет чудесный аромат. В масляной краске используется некоторое количество олифы в качестве связующего для пигментов, что придает краске чудесное маслянистое ощущение. Наиболее распространенными олифами, используемыми в качестве связующего, являются масло грецкого ореха, льняное масло, маковое масло и многие другие. Масляная живопись была впервые использована индийскими и китайскими художниками в 5 веке, но стала популярной только в 15 веке.
35 самых красивых картин маслом от ведущих художников мира
2. Акварельная живопись
Акварельная живопись обычно выполняется на бумаге. В этом конкретном типе живописи для смешивания цветов используются растворы на водной основе, отсюда и название «акварельная живопись». По сравнению с масляной живописью, рисование акварелью также является сложной задачей. В настоящее время многие художники пробуют реалистично выглядящие портреты с использованием акварели. Здесь очень важно смешение цветов, так как слишком много всего меняет оттенок цветов.
30 лучших акварельных картин от лучших художников со всего мира
3. Пастель
Пастельные палочки обычно используются для создания пастельных картин. Используя пастельные карандаши, вы можете сразу же начать рисовать и раскрашивать, они используют те же связующие пигменты, за исключением того, что пастельные карандаши представляют собой порошковую форму, которые связаны вместе с помощью связующего, и они уже готовы. Если вы ищете чистые и глубокие цвета, то настоятельно рекомендуется использовать пастельные карандаши.Картины пастелью можно рисовать на холсте, поэтому можно сделать красивое наслоение цветов пастелью.
25 красивых и реалистичных картин пастелью Рубена Беллозо
4. Акриловая краска
Если вы хотите, чтобы картина высыхала быстрее, тогда лучше всего подойдет акриловая краска. Это водорастворимые краски, но по завершении окраски они становятся водостойкими. Интересный факт, не правда ли? Большинство любителей любит работать акриловыми красками. Для скульптур, лепки, черт лица многие художники используют роспись акрилом.Кисти после промывки легче чистить, так как акриловым краскам достаточно воды, чтобы смыть их.
30 гиперреалистичных акриловых картин от JasondeGraaf — Стекло и отражение
5. Цифровая живопись
Цифровая живопись — это искусство создания произведений искусства на компьютере, которые делают их похожими на акварельные картины, картины маслом или даже картины акрилом. Цифровая картина маслом и картина маслом, выполненная вручную, будут иметь множество различий, поскольку у вас есть доступ ко множеству других текстур и инструментов, которые легко доступны в системе.Да, вам не нужно беспокоиться о том, что краска может пролиться долгие часы. Вы можете заниматься тем же искусством в непринужденной обстановке, не выходя из дома.
25 умопомрачительных цифровых картин и иллюстраций Сержа Биро
6. Песок
Рисование на песке может быть довольно грязным, и это временное искусство. Картина из песка может быть снята на видео с помощью скоростного движения, чтобы понять, как художник работает над ними. Обычно это делается с минимальным освещением, но есть фокусный свет под столом, где создается песочная картина.Картина из песка создается с помощью цветного песка, который перемещается по неподвижной поверхности руками. Он практикуется во многих странах и известен под несколькими названиями, в Индии он известен как колам или ранголи.
20 отмеченных наградами произведений искусства из песка и примеров анимации из песка
7. Рисование текстуры — Текстура для рисования
Нам всем нравится видеть мазки кисти на картине, это дает драматический финальный эффект. Текстурные картины в основном используются масляными красками, поскольку при работе с акриловыми красками их эффекты теряются при высыхании акриловых красок. Но масляные краски, как правило, дороги, поэтому в качестве замены можно использовать акриловую пасту, которая отлично работает с текстурами. Помимо обычных малярных кистей, для создания текстурных картин используются плоские ножи, тупые предметы.
25 красивых современных текстурированных картин ножа палатте
8. Матовая окраска
Красивые пейзажи обычно создаются с помощью матовых картин. Матовые картины широко используются в индустрии кино и видеоигр. В киноиндустрии большие декорации создаются после завершения матовой окраски локаций.Иногда создание таких сред, как сказка или научная фантастика, очень дорого, в таких случаях матовые картины используются в качестве фонового экрана и объединяются с другими кадрами.
25 умопомрачительных матовых картин для вашего вдохновения
9. Окраска распылением
Краска обычно наносится из пульверизатора для достижения желаемых результатов. В основном аэрозольные краски используются на улицах (уличное искусство), граффити, холсте, дереве, металле, стекле, керамике и многом другом. Если для большой площади холста требуется тот же пигмент, используется техника окраски распылением, чтобы покрыть эти области для более быстрой явки.
Картина «Скорость распыления» Бена Рабина
10. Искусство граффити
Граффити в основном делают на общественных зданиях с разрешениями или без них. Граффити не предназначено для понимания широкой публикой, это стиль письма или рисования / каракулей, который не имеет абсолютного значения. Первый художник-граффити был учеником средней школы в 1967 году, который писал на стенах, чтобы привлечь внимание своей возлюбленной. . Граффити стало полноценной известной техникой рисования в 1980 году, когда многие художники прибегали к публичным стенам, чтобы продемонстрировать свой талант.

11. Чернила для рисования. Живопись или Литературная живопись — китайские черные чернила.
Чернильная промывка. Живопись также известна как литературная живопись. Для создания этих произведений искусства используются китайские черные туши. Китайские черные чернила довольно популярны в азиатской стране, поскольку в основном используются для каллиграфии. Различные оттенки черного создаются путем смешивания воды с черными чернилами для получения желаемой консистенции.
12. Картина горячим воском или Энкаустика
Картина горячим воском также известна как Энкаустика.В этой технике росписи используется пчелиный воск, который плавится и добавляется к цветным пигментам. В этой технике используются как холодный воск, так и горячий пчелиный воск. Энкаустические картины обычно создаются на деревянном полотне.
13. Картины Fresco secco — Техника настенной росписи
Картины Fresco secco обычно создаются на свежеприготовленной известковой штукатурке. Цветные пигменты смешиваются с водным раствором и наносятся непосредственно на известковую штукатурку, создавая перманентную картину. Картины Fresco Secco существуют с эпохи Возрождения, их можно увидеть на стенах и потолках Ватикана.
14. Гуашь — непрозрачный акварельный материал
Гуашь — это непрозрачный акварельный материал, который используется с другими связующими для создания искусства. В акварельную смесь добавляют белый мел или белый цвет для достижения непрозрачности в технике Гуашь. Гуашь нельзя наносить непосредственно на холст, так как она плохо связывается, если вы хотите использовать ее на холсте, то акриловые пигменты необходимо смешать. Следите за тем, чтобы акриловые краски не разбавлялись, так как картины могут не иметь желаемого вида.
15. Картины темперой — Долговечная живопись
Картины темперой известны как искусство яичной темперы. Они быстро сохнут, а краска держится дольше, чем другие. Яичные желтки используются в качестве связующей среды с красками, и, поскольку они очень глютеновые, они быстрее сохнут. Это одна из старейших известных техник рисования. Вместо яиц иногда в качестве связующего вещества к смеси воды и красителей используют камедь, глицерин, казеин.
16. Эмалевые картины — Искусство с эмалевой краской
Эмалевые краски придают глянцевый или блестящий вид после полного высыхания.
17. Капельная живопись — Капли краски
Как следует из названия, краска капает на холст, чтобы создать капельницу.
18. Underpainting — Layer Painting
На холст добавляется базовая краска, и добавляются дополнительные слои цветов для создания красивых подмалевок.
19. Панельная живопись — Многокомпонентная живопись
Панельная живопись создается на нескольких деревянных панелях и соединяется вместе.
20. Бархатная живопись — Искусство на бархате
Бархатная роспись обычно создается на куске бархатной ткани.
21. Роспись листьев — Искусство на листьях
Рисунок, созданный на листе или создающий формы листьев с помощью рисунков, известен как роспись листами.
22. Обратная окраска стекла — Роспись стекла
Обратная окраска стекла — это нанесение краски на стекло, и изображение становится видимым, когда вы смотрите через стекло.
23. Миниатюрная живопись — Маленькие картины
Миниатюрные картины — это небольшие картины ручной работы.
24. Живопись в движении — Быстрые прямые мазки
Живопись в движении — это быстрое, спонтанное рисование с прямыми мазками на холсте. Капельки краски создают красивый эффект.
25. Anamorphosis — Perspective Painting
Anamorphosis — перспективная живопись.
Существует множество различных типов стилей рисования, вы можете сосредоточиться на конкретном стиле или сделать их сочетание. Самый популярный стиль живописи у большинства художников — это западный стиль.
ЗАПАДНЫЙ СТИЛЬ
Модернизм
Кубизм
Сюрреализм
Экспрессионизм
Абстрактный стиль
Импрессионизм
Фигуративизм / Фигуративное искусство
Ар-деко — изобразительное искусство, архитектура и дизайн
Модерн — вдохновленный природой
ВОСТОЧНЫЙ СТИЛЬ
Китайские картины
Японские картины
Корейская живопись
картин Индии: Танджор, Моголы, Раджастхани и Паттачитра
Возможно, вас впечатлит определенный стиль живописи или даже история. Как бы то ни было, живопись — это возможность позволить вашему внутреннему творчеству на холсте, которое будет полностью освобождать. Также исследуйте
Абстрактное искусство, Пейзажная живопись, Натюрморт, Современное искусство, Концепт-арт, Фотореализм, Гиперреализм, Сюрреализм, Модернизм, Импрессионизм, Экспрессионизм, Раскрашенные картины, Фигурная живопись, Бодиарт, Настенная живопись, Уличное искусство, Китайская живопись, Японская живопись, корейская живопись, исламская живопись, индийская живопись, африканская живопись и ведута.Векторные изображения Стиль рисунков
и Роялти-Фри Изображения векторные иллюстрации Стиль рисунков | Depositphotos®Мода женщинаРетро модаХипстерские каракули мега-наборАрбузные дольки бесшовные моделиРисунки совы на тему 1Музыкальный каракулиЧернила для девочкиПеро наборШкольный бесшовный образец в черно-белом цветеЕда бесшовные модели в черно-беломМне нравится мой стильМультипликационные рисунки детейДевочка с цветком валентинкаЭскиз лайнера енота. Ручной обращается векторные иллюстрации в каракулиКрасивая женщина лицо векторный портретСимволы бесшовные модели в черно-беломКомикс стиль речи пузыриСнова в школу набор больших каракулей.Красивый женский портретПтичникиИдея, мозговой штурм иконкиКрасивый черно-белый цветок, ручной рисунокЦветыШкола бесшовные моделиМилый котСтарый технический фон, шестерни на миллиметровой бумаге Нарисованные вручную универсальные открытки. Набор из десяти милых малышей. Забавные детские рисунки. Стиль эскиза. Бесшовный узор из африканских животных, бесшовный образец с животными и объектами, бесшовный образец для маленьких мальчиков и девочек.Эскизный стиль. Руки старый город и замок на Ибице Птицы набор 1 Шляпа портрет молодой женщиныСилуэт цветкаКлоуны иллюстрацияРождественский бесшовный фонЛондонские символы. Набор рисунков.Детские рисунки бесшовные модели с животнымиАнтикварные викторианские рамкиДама модыЖенщина в черномСимволы бесшовные модели в черном и беломДве модные девушкиКошка черныйКрасивый фон с мальчиком, читающим книгу и получением knoКомплект старинных рисунков ключей Векторная иллюстрация. Рисунки в детском стиле транспорта Набор из десяти милых малышей. Забавные детские рисунки лиц. Эскиз стиля. Две векторных кошки. Набор рисунков с механическим человеческим мозгом. Детский рисунок каракули. Ручной доктор Маленькая девочка Цветочный дизайн Рисование руки пером перо Группа детей с пустой доской. Рисование как детиНабор рисунков с механизмом в позвоночнике человекаЗабавные животныеНабор рисунков с человеческой грудью, костямиНабор рисунков с графикой, анатомией человекаГруппа детей с пустой доской.Рисование как детиНабор рисунков со скелетом фантастического монстра Рисунок как детиВекторная контурная иллюстрация, раскраска, на тему поездки в страны Европы, Франции, символы и достопримечательности, набор рисунков, полиграфический дизайн и веб-дизайн, Doodle style, рисунки животных в австралийском стиле аборигенов в виде карты АвстралияВекторный набор рисунков с сапогами. Изолированные объекты на белом фоне. Векторный набор рисунков с сапогами. Изолированные объекты на белом фоне. Каникулы и горы — фон
10 видов абстрактного искусства, которые нужно знать и использовать в своих проектах
Абстрактное искусство может показаться эксцентричным, но оно гораздо полезнее, чем вы думаете. Вот десять видов абстрактного искусства, которые вы должны знать и использовать в своих проектах.
Читайте дальше, чтобы узнать больше о различных типах абстрактного искусства — от кубизма до сюрреализма, от мрамора до абстрактного органического — и о том, какие стили переосмысляются в современном дизайне, а также о том, как вы можете использовать абстрактные изображения в своих собственных проектах.
Что такое абстрактное искусство?
В то время как реалистическое искусство пытается представить изображение реальной действительности, абстрактное искусство стремится к прямо противоположному. Ранние абстрактные художники, работавшие в конце 19 — начале 20 веков, использовали цвет, форму, форму и линии для создания картин, скульптур и рисунков, которые целенаправленно ощущались независимыми от идентифицируемых объектов, пейзажей и людей. Абстракция дала художникам новый уровень свободы для экспериментов с художественными методами и позволила этим художникам изменить традиционное значение понятия «искусство».
Посетители Музея современного искусства в Нью-Йорке рассматривают картину абстрактного художника Джексона Поллока. Изображение Бамбл Ди.
Абстрактное искусство шло рука об руку с развитием модернизма и постмодернизма, междисциплинарных движений, которые поощряли отход от традиционных подходов, стилей и способов мышления, унаследованных от эпох Возрождения, раннего модерна и викторианской эпохи.
В течение 20 века ряд движений защищал и выдвигал интерпретации абстрактного искусства, включая сюрреализм, дадаизм, кубизм и фовизм.Такие художники, как Пабло Пикассо, Пит Мондриан, Василий Кандинский, Барбара Хепворт и многие другие изобрели и усовершенствовали свои собственные версии абстракции, в результате чего картины и скульптуры сегодня считаются шедеврами.
Для современных дизайнеров абстрактное искусство — это термин, охватывающий огромное количество различных стилей и художественных подходов. Однако, как правило, все стремятся представить творчество, визуальность и художественное выражение нереалистично.
Почему абстрактные изображения полезны в дизайн-проектах?
Многие важные направления графического дизайна, такие как швейцарский стиль 1950-х годов, стиль Мемфиса 1980-х и минимализм 1990-х годов, заимствовали свои реплики из мира абстрактного искусства.Геометрические формы, минималистичные макеты и яркие цвета — все это отличительные черты.
В течение 20-го века графический дизайн последовательно обращался к стилям абстрактного искусства, чтобы использовать коммерческую работу для плакатов, журналов, упаковки и брендинга. Почему абстрактное искусство так привлекает дизайнеров?
Во-первых, абстрактное искусство невероятно многогранно. Поскольку реальные объекты или люди не представлены в абстрактных изображениях, дизайнеры могут применять эти стили изображений к широкому кругу проектов.Абстракция делает акцент на визуальном настроении и индивидуальности изображения, а не на реалистическом содержании. Таким образом, дизайнер может придать дизайну определенный внешний вид, манипулируя цветом, формой и узором, сохраняя при этом нейтральность в дизайне.
Во-вторых, абстрактные изображения психологически сильны. Ряд исследований показал, что абстрактное искусство может оказывать значительное эмоциональное воздействие на зрителя, возможно, отчасти потому, что абстракция освобождает мозг от доминирования над реальностью.Исследование 2012 года установило прямую связь между просмотром абстрактного искусства и чувством удовольствия. Помня об этом, опытные дизайнеры и бренды могут использовать абстрактные изображения, чтобы манипулировать настроением зрителя и даже повысить вероятность покупки продукта.
Зрители смотрят на абстрактную картину на выставке в Болонье, Италия. Изображение от starmaro.
Наконец, абстрактные образы связаны с современностью и авангардом в общественном восприятии. Компании, которые хотели бы быть связаны с чувством современности и новаторским подходом, часто используют абстрактные образы в своем брендинге и маркетинге.
Ниже вы узнаете о десяти стилях абстрактного искусства, на которые постоянно опираются дизайнеры, привнося креативность, красоту и интерес в коммерческие проекты, и о нашем редактировании лучших изображений для экспериментов для упаковки, веб-дизайна и полиграфических проектов.
1. Брызги, капли и брызги краски
Вдохновленный работами американского абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, изображения брызг краски и текстуры капель придают дизайн-проектам эклектичный и энергичный вид.Эти типы изображений особенно красивы в качестве фона для упаковки и крупномасштабных печатных дизайнов, таких как плакаты и баннеры, придают макетам цвет, текстуру и движение, создавая при этом удивительно однородный и универсальный фон для типографики и логотипов.
Изображение Juhku. Изображение Ensuper. Изображение Ксении Мартьяновой. Эти различные фактурные техники придают вашему дизайну энергичность и эклектичность. Изображение им классное.
2.Цвет блока
Искусство вышло на новый уровень абстракции благодаря работам американского художника Марка Ротко, известного своими масштабными картинами «Цветовое поле». Его монументальные полотна раскрывают психологический и драматический потенциал блочного цвета.
Чтобы воплотить блочный цвет в своих проектах, обратите внимание на Ротко, а также на работы голландского художника Пита Мондриана, одного из первых сторонников современного абстрактного искусства, за красочным графическим вдохновением.
Оба этих художника были ключевыми источниками вдохновения для дизайнеров международного, или швейцарского, стиля 1950-х годов.И неудивительно — простые цветные блоки создают простой и потрясающий фон для макетов на основе сетки.
Изображение Харе Кришна. Изображение В.стока. Изображение Рэйчел Брюнетт. Эти простые цветные блоки создают потрясающий фоновый дизайн. Изображение SOMMAI.
3. Мрамор
Суминагаси, древнее искусство японского мрамора, возможно, является одной из самых ранних форм абстрактного искусства, первый известный пример датируется 10 веком.
Художник наносит цветные чернила на воду перед тем, как перенести их на впитывающую поверхность, например бумагу или ткань. Каждый образец мрамора уникален, а результаты получаются невероятно красивыми и абстрактными.
Поскольку бумага под мрамор использовалась в книжном производстве в 18-19 веках, этот художественный стиль прочно ассоциируется с издательским делом и интеллектуализмом. Попробуйте использовать мраморный фон в дизайне книг или канцелярских принадлежностей или используйте на веб-сайтах, чтобы придать цифровому дизайну еще больше тактильности.
Изображение мисс Смайл. Изображение CARACOLLA. Изображение Лейлы Дивайн. Мраморные фоны позволяют создавать красивые оригинальные книжные, канцелярские товары и веб-сайты. Изображение от Prostock-studio.
4. Кубизм
В начале 20 века художники Пабло Пикассо и Жорж Брак стремились представить все возможные точки зрения на предмет или объект одновременно. Результатом эксперимента стал кубизм, стиль абстрактного искусства, в котором слабо идентифицируемые предметы выглядят фрагментированными и геометрическими.
Этот стиль был разработан русским художником Василием Кандинским, который дал дальнейшую абстракцию от кубизма и считается многими искусствоведами пионером нефигуративного искусства.
Сегодня дизайнеры могут обновить кубизм с помощью низкополигональных фонов и архитектурных плоскостей, придавая трехмерное качество иммерсивности фоновым текстурам, векторным иллюстрациям и дизайнам приложений.
Изображение Харе Кришна. Изображение пользователя Unconventional. Эти низкополигональные конструкции и архитектурные плоскости, созданные под влиянием кубизма и нефигуративного искусства, станут отличной отправной точкой для вашего проекта. Изображение Сакэмомо.
5. Штриховая графика
Каталонский художник Жоан Миро сочетал абстрактные линейные рисунки и картины с сюрреалистическим сюжетом. Большая часть его работ использовала или находилась под влиянием процесса печати литографии, что, возможно, способствовало графическому восприятию его искусства.
Абстрактное линейное искусство, в котором простые непрерывные линии использовались для создания форм и форм, является отличительной чертой работ Миро и многих других абстрактных художников, работавших в 1950-х и 1960-х годах.
Line art прекрасна своей простотой и может использоваться дизайнерами для передачи концепций, а также для создания значков и логотипов.
Изображение Dinni91. Изображение предоставлено abstract_art7. Простота абстрактных линий идеально подходит для значков и логотипов. Изображение tutsi.
6. Мемфисский стиль
Эклектичный стиль Мемфис — результат движения, инициированного группой итальянских дизайнеров, архитекторов и художников в начале 1980-х годов. Стиль Мемфис подчеркивает геометрию, смелые цвета и узор и затрагивает целый ряд художественных стилей от ар-деко до китча.
Одни критики считают его безвкусным, другие любят веселую и экспериментальную энергию Мемфиса. Современные дизайнеры заново открыли для себя и возродили стиль Мемфис, и это оптимистичное и радостное настроение стиля, которое бренды сочли эффективным для привлечения и преобразования клиентов.
В этом году возрождение Мемфисского стиля переходит на трехмерную территорию.Созданные с помощью САПР рендеры и потрясающие 3D-фоны придают стилю новое преимущество.
Изображение Bug_Fish. Изображение Ю.О. Чеха. Изображение пользователя local_doctor. Эти плоские и трехмерные модели в стиле Мемфис возродились в мире искусства. Изображение предоставлено Ozz Design.
7. Абстрактная органика
Плавные, изогнутые формы и приглушенные цвета середины века — отличительные черты стиля абстрактного органического искусства. Такие художники, как Чарльз и Рэй Имз, пересмотрели и переосмыслили местные художественные стили в 1950-х годах, что привело к созданию органических форм и акценту на натуральных материалах, текстурах и цветах.
Легкая элегантность абстрактного органического стиля сделала его неизменным фаворитом среди дизайнеров на протяжении десятилетий, многие из которых используют этот стиль для брендинга, рекламы и упаковки.
Наивно нарисованные, органичные формы и иллюстрации могут работать как стильный плоский дизайн. Или попробуйте разместить абстрактные 3D-иллюстрации в качестве фона для макетов веб-сайтов.
Изображение KarolinaCloud. Изображение предоставлено SF Stock. Эти абстрактные, органические художественные стили станут шикарным дополнением к любому дизайну веб-сайта.Изображение предоставлено Media Whalestock.
8. Полутона
Halftone описывает эффект точек, созданный при печати, путем разбиения изображения на серию точек. Эффект был воспроизведен такими поп-артистами, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. В 1960-х и 1970-х годах эти художники часто стремились сделать свои работы похожими на рекламные щиты в газетах.
Дизайнеры могут придать макетам оттенок ретро, используя полутоновые фоны или наложения. Или попробуйте поэкспериментировать с изменяющимся дизайном полутонов, чтобы добавить текстуры и интереса к градиентному дизайну.Яркие привлекательные цвета — естественный партнер для этого эффекта, вдохновленного поп-артом, или выберите монохромный, чтобы подчеркнуть его газетное наследие.
Изображение Спитсена. Изображение Vanzyst. Полутоновые текстуры создают эффект в стиле поп-арт. Изображение от jumpingsack.
9. Сюрреализм
Несмотря на то, что сюрреалистическое искусство не является строго абстрактным, оно направлено на создание искаженной версии реальности путем манипулирования реалистическими образами. Такие художники, как Сальвадор Дали, Рене Магритт и Фрида Кало, испытали влияние психоанализа, растущей области исследования и практики в начале 20 века. Их картины и скульптуры стремились расширить творческий потенциал разума путем сопоставления образов, которые казались иррациональными и нетрадиционными.
Хотя позже он был устаревшим абстрактным модернистским искусством, сюрреализм по-прежнему вдохновляет художников и дизайнеров сегодня, которые ценят этот стиль за его способность удивлять и восхищать зрителя.
Чтобы направить сюрреализм в свои проекты, ищите нестандартные изображения статуй, предметов и людей. Найдите дизайны, в которых используются искажения, склейки или необычные концепции, чтобы предложить что-то уникальное для редакционных дизайнов, плакатов и изображений веб-сайтов.
Изображение от frankie’s. Изображение Zamurovic Photography. Изображение Фриды Мишо. Необычные концепции творят чудеса с плакатами, редакционным дизайном и изображениями веб-сайтов. Изображение предоставлено Тити Луадтонгом.
10. Абстрактный рельеф и скульптура
Живопись часто рассматривается как доминирующее средство абстрактного искусства. Однако многие художники обращались к скульптуре и рельефу, чтобы воплотить абстрактные концепции в трехмерную форму.
Обратитесь к британскому скульптору Барбаре Хепуорт за абсолютным абстрактным вдохновением.Ее монументальные скульптуры, отлитые из металла, камня и дерева, представляют собой вершину модернистских достижений между 1930-ми и 1960-ми годами.
Даже плоский дизайн выиграет от трехмерных текстур и рельефных изображений, вдохновленных Хепуорт и ее современниками. Просмотрите нашу редакцию лучших абстрактных рельефных изображений, идеально подходящую для добавления динамизма и роскоши фону.
Изображение предоставлено pernsanitfoto. Изображение пользователя wacomka. Абстрактные рельефные изображения добавляют динамичной роскоши фону.Изображение предоставлено Evannovostro.
Ищете больше художественного вдохновения? От известных художников, которые решили работать из домашних студий, до художников, определяющих современную дизайнерскую сцену Японии, — откройте для себя что-то творческое, что вдохновит вас сегодня:
Изображение на обложке — KarolinaCloud.
Введение в основы и концепции рисования
Рисование модели в 3D отличается от рисования изображения в 2D. Это введение в основы и концепции рисования объясняет несколько способов создания кромок и граней (основных объектов любой модели SketchUp).Вы также узнаете, как механизм вывода SketchUp помогает разместить эти линии и грани на нужной оси.
Рисование линии
Используйте инструмент «Линия» для рисования кромок (также называемых линейными объектами ). Кромки составляют конструктивную основу всех моделей. Вот как провести линию:
Выберите инструмент Line () на панели инструментов (или нажмите клавишу L ). Курсор изменится на карандаш.
Щелкните, чтобы установить начальную точку вашей линии.Если вы щелкнули не в том месте, нажмите клавишу Esc , чтобы начать заново. При перемещении курсора по области рисования обратите внимание на следующее:
Линия следует за курсором.
Длина линии динамически отображается в поле «Измерения». (В поле «Измерения» используются единицы, указанные в вашем шаблоне.)
Линия, следующая за курсором, становится красной, зеленой или синей, если линия параллельна красной, зеленой или синей оси соответственно.При наведении курсора на мгновение появляется всплывающая подсказка, похожая на подсказку На синей оси, показанную на рисунке. В вашей машине нет привидений; это механизм вывода SketchUp, о котором вы узнаете подробнее далее в этой статье.
Щелкните, чтобы установить конечную точку линии. Эта конечная точка также может быть начальной точкой другой линии. Нажмите Esc или выберите другой инструмент, когда закончите рисовать линии. После установки конечной точки вы можете нажать Ctrl + Z (Microsoft Windows) или Command + Z (macOS), чтобы отменить линию и начать заново.

(Необязательно) Чтобы сделать линию точной длины, введите значение и нажмите , введите (Microsoft Windows) или , верните (macOS). Вы можете повторять этот процесс сколько угодно раз, пока не начнете новую линию или не выберете другой инструмент. Если вы не укажете единицу измерения, SketchUp будет использовать единицу измерения, указанную в вашем шаблоне. Однако вы можете ввести любую британскую или метрическую единицу для своей линии. Например, вы можете ввести 3 мм или 5’2 ”. По мере ввода ваше значение отображается в поле «Измерения».
Примечание: Поле «Измерения» также принимает трехмерные координаты для линий:
Абсолютная координата, , например [3 ‘, 5’, 7 ‘] , помещает конец линии относительно текущих осей. . Квадратные скобки указывают абсолютную координату.
Относительная координата , например <1,5 м, 4 м, 2,75 м> , помещает конец линии относительно начальной точки вашей линии. Угловые скобки указывают относительную координату.
Вы можете редактировать длину линии, если она не ограничивает лицо. Вот как отредактировать строку:
Выберите инструмент «Перемещение» ().
Наведите курсор инструмента «Перемещение» на одну из конечных точек линии.
Щелкните и перетащите конечную точку, чтобы изменить длину линии.
Совет: Вы также можете настроить длину в диалоговом окне «Информация об объекте». Щелкните строку и выберите в появившемся меню «Информация об объекте».В поле Длина введите новую длину строки.
Создание лица
Когда вы соединяете несколько линий в фигуру, они образуют грань.
Ни смешное лицо, ни страшное лицо клоуна, ни даже милое мордашка щенка. По умолчанию грани просты, но очень важны: это вторая половина дуэта, ребер и граней, которые позволяют существовать любой модели SketchUp, когда-либо созданной.
Совет: По умолчанию SketchUp добавляет затенение к некоторым граням, как показано здесь, и эти грани непрозрачны, поэтому вы знаете, что ваша модель имеет настоящую стену, пол или что-то еще, что ваше лицо должно представлять в вашей 3D-модели.(Однако в SketchUp есть представление, которое позволяет видеть сквозь стены, как Супермен. Подробности см. В разделе Просмотр модели.)
Инструменты формы — Прямоугольник, Круг и Многоугольник — также создают грани. (Дополнительные сведения об этих инструментах см. В разделе «Рисование основных фигур».)
Разделительные грани
Когда вы рисуете линию (или кривую) на существующей грани, вы разделяете грань.
Совет: Эта концепция важна, потому что после разделения грани вы можете использовать инструмент Push / Pull, чтобы подтолкнуть или потянуть одну часть лица, в то время как другая часть остается на месте, как показано здесь.Подробнее об инструменте Push / Pull см. В разделе «Выталкивание и вытягивание фигур в 3D».
Открытие трехмерных фигур путем стирания краев и граней
Вы можете стереть край или грань, чтобы создать проем в форме. Чтобы увидеть, как стирание кромки влияет на вашу модель, сначала выберите инструмент Eraser () на панели инструментов или нажмите клавишу E , а затем щелкните кромку:
Щелчок по кромке стирает кромку и любую грань, которая касалась этого края. Как почти пел Билли Айдол, у вас могут быть строчки без лица.Однако грань должна быть полностью связана краями.
Контекстный щелчок по лицу и выбор «Стереть» удаляет только лицо.
На рисунке вы видите исходный куб и то, как стирание ребра или грани изменяет куб.
Совет: Если вы хотите скрыть линию вместо ее стирания, удерживайте нажатой клавишу Shift при щелчке по линии ластиком. Или щелкните строку и выберите Hide .
Исцеление удаленных лиц
Если вы случайно удалили лицо, вот как его восстановить:
Если вы не вносили никаких других изменений, которые хотели бы сохранить, просто выберите Правка> Отменить в строке меню.Или нажмите сочетание клавиш для отмены, Ctrl + Z (Microsoft Windows) или Command + Z (macOS).
Перерисуйте линию, по которой лица исчезли, и SketchUp воссоздает эти грани.
Поиск и блокировка вывода
SketchUp имеет механизм вывода, который помогает вам работать в трехмерном пространстве. Например, когда курсор инструмента «Линия» находится над средней точкой другой линии, механизм вывода сообщает вам, отображая голубую точку и всплывающую подсказку с надписью «Средняя точка», как показано здесь.Каждый вывод имеет свой цвет и всплывающую подсказку. (Полный список см. В разделе «Знание типов вывода».)
Механизм вывода также может помочь вам найти геометрические отношения между линиями. Например, он сообщает вам, когда линия, которую вы рисуете, перпендикулярна другой линии. На следующем рисунке обратите внимание, что цветная точка также появляется в начальной точке линии, предоставляя вам сразу несколько битов информации.
Предупреждение: Обращайте пристальное внимание на механизм вывода и время от времени на орбиту, чтобы проверять свой рисунок с разных точек зрения.На следующем рисунке линии могут казаться лежащими на красной и зеленой плоскости, пока вы не перейдете к другому виду. Чтобы избежать этой распространенной ошибки, SketchUp помогает, поворачивая направление рисования или плоскость рисования в красный, зеленый или синий цвет, когда вы создаете кромки или плоскости, параллельные этим осям (или пурпурный, если вы параллельны / перпендикулярны кромке или грани в ваша модель).
Совет: Иногда необходимый вывод может появиться не сразу, либо SketchUp может выбрать выравнивания с неправильной геометрией.В этих случаях вы можете стимулировать вывод или увеличить шансы на конкретное выравнивание, наведя курсор мыши на место, из которого вы хотите, чтобы SketchUp сделал вывод. Когда появится визуальная подсказка, SketchUp на короткое время установит приоритет этого выравнивания, пока вы продолжаете рисовать.
Переключатель линейного вывода
Новая функция! — SketchUp 2020.2
Создание логических выводов — это фундаментальная функция SketchUp, и большинство инструментов в той или иной степени зависят от этого. Однако логический вывод иногда может мешать вам, особенно при работе в загруженной области модели.С помощью инструмента «Линия» вы можете выключить и снова включить линейный вывод с помощью простого действия-модификатора.
Чтобы включить линейный вывод в инструменте «Линия», вам нужно щелкнуть один раз, чтобы начать рисование линии. После того, как вы начали свою линию, но перед тем, как щелкнуть, чтобы закончить ее, просто нажмите клавишу COMMAND на Mac или клавишу ALT в Windows, которая переключит следующие состояния:
Все выводы на
Все выводы отключены
Только параллельно и перпендикулярно
Все выводы на
Это поведение по умолчанию, которое вы использовали в SketchUp, начиная с версии 1.Инструмент «Линия» будет привязан к красной, зеленой и синей осям, а также к пурпурной оси (параллельно / перпендикулярно указанному краю).
Все выводы отключены
В этом состоянии инструмент «Линия» игнорирует все линейные выводы. Обратите внимание, что ваш курсор будет более свободно перемещаться по экрану по мере завершения сегментов кромки. Обратите внимание, что вы все еще можете найти другие типы вывода, такие как На грани, Направляющие точки, Средние точки и т. Д. Используйте эти другие типы вывода, чтобы убедиться, что ваши линии нарисованы в нужных вам плоскостях.
Только параллельно и перпендикулярно
В этом состоянии отображаются только параллельные и перпендикулярные линейные выводы при использовании инструмента «Линия». Выбор этого параметра позволит вам нарисовать линию, убедившись, что она параллельна или перпендикулярна другой геометрии, не отвлекаясь на другие линейные выводы, которые могут привести к искушению украсть вашу линию.
Блокировка выводов с помощью клавиатуры
Блокируя выводы, вы можете уверенно рисовать в том направлении, в котором собираетесь рисовать.Еще одна причина для блокировки вывода — сохранить одно направление рисования, пока вы ссылаетесь на геометрию из другой части модели. Это более продвинутый прием, но очень полезный. Самый простой способ заблокировать вывод для направлений осей по умолчанию — использовать клавиши со стрелками:
>
Ключ Как это выглядит
↑ Фиксирует направление рисования или плоскость рисования относительно синей оси
← Фиксирует направление рисования или плоскость рисования относительно зеленой оси
→ Фиксирует направление рисования или плоскость рисования по красной оси.Хороший способ запомнить, что слева направо — это сказать: «Право запирает красный».
↓ Переключите, чтобы зафиксировать параллельное / перпендикулярное направление рисования или плоскость рисования с предполагаемой кромкой или плоскостью. В основном все, что становится пурпурным. Направление рисования станет пурпурным, как и край грани, на котором выполняется вывод.
Сдвиг Фиксирует направление рисования или плоскость рисования относительно активного направления рисования / плоскости.Итак, если вы рисуете по синим осям и удерживаете Shift, синий вывод будет заблокирован.
Shift + Alt (Windows) или Shift + Command (MacOS) Удерживание сдвига для фиксации плоскости рисования также фиксирует инструмент на той же плоскости лицевой поверхности, на которую делается вывод. Однако для инструментов «Поворот» и «Транспортир» нажмите клавишу Alt (Microsoft Windows) или Command (madOS), чтобы освободить эти инструменты, чтобы вы могли переместить центр в другое место в модели, сохраняя ту же плоскость рисования
Некоторые инструменты, такие как круг и вращение, могут быть привязаны к плоскости (вместо направления рисования), как показано ниже.Для этих инструментов вы можете заблокировать плоскость рисования, выбрав цветное направление оси инструмента или «нормальное».
Блокировка плоскости чертежа клавишами со стрелками
Обеспечение выравнивания краев по осям
Чтобы ваши ребра были выровнены по осям, вам может быть полезно изменить цвет курсора на цвета осей. Или, если вам нужно проверить выравнивание существующей геометрии, измените края на цвета осей.
Чтобы изменить цвет курсора на цвета осей, выполните следующие действия:
Выберите Window> Preferences (Microsoft Windows) или SketchUp> Preferences (macOS).Откроется диалоговое окно «Настройки SketchUp».
Выберите элемент Drawing слева.
В области «Разное» на панели «Рисование» установите флажок Отображать перекрестие .
Нажмите ОК , чтобы закрыть диалоговое окно настроек SketchUp. Курсор отображает перекрестье цвета осей, как показано здесь.

Чтобы края модели отражали цвет оси, по которой она выровнена, выполните следующие действия:
Выберите Окно> Стили.
В диалоговом окне «Стили» выберите в модели из раскрывающегося списка библиотек стилей.
Щелкните вкладку Edit .
Щелкните значок Edge Settings , показанный на рисунке.
В раскрывающемся списке Цвет выберите По оси . Цвета кромок в вашей модели изменяются, чтобы отразить их выравнивание по осям (если кромка не выровнена по оси, и тогда цвет кромки не изменится).На следующем рисунке показано, какие кромки выровнены (а какие нет) по трем осям.

Типы рисунков — разные виды рисунков
Так же, как слово важно для поэта и писателя, а алгоритмическая формула синонимична математику, так и рисунок — это сердце или, скорее, душа выражения художника и дизайнера. Необходимый инструмент для общения и мышления, рисунок — это творческий замысел, используемый для выражения чувств и мыслей художника.Будучи чрезвычайно эффективным средством демонстрации взглядов, рисунок действует на нескольких уровнях, поэтому для художника и дизайнера важно понимать эти различия и достигать определенного уровня, чтобы стать квалифицированным профессионалом. Таким образом, рисунок может состоять из эскиза, плана, рисунка, графического изображения и т. Д. С помощью ручек, карандашей или мелков, в зависимости от его характера и цели. Здесь представлены различные виды рисунков, которые можно использовать и в которых можно преуспеть. Ознакомьтесь с ними в строках здесь.
Различные виды рисунков
Живой чертеж
Рисунки, полученные в результате прямых или реальных наблюдений, являются рисунками из жизни. Рисование жизни, также известное как рисунок натюрморта или рисунок фигуры, отображает все выражения, которые видит художник и фиксирует на картине. Человеческая фигура составляет одну из самых устойчивых тем в рисовании жизни, которая применяется в портретной живописи, скульптуре, медицинской иллюстрации, карикатуре, иллюстрации комиксов и других областях.
Эмоциональный рисунок
Подобно живописи, эмоциональный рисунок делает упор на исследование и выражение различных эмоций, чувств, настроений, себя, времени и т. Д. Обычно они изображаются в форме личности.
Эскиз
Эскиз — это вид рисунка, который выражает мгновенные мысли художника. Таким образом, это грубый рисунок от руки и свободный рисунок, который не считается законченной работой.Наброски, как правило, являются результатом визуализации и немедленной записи их на бумагу.
Аналитический чертеж
Эскизы, созданные для ясного понимания и представления наблюдений, сделанных художником, называются аналитическими рисунками. Проще говоря, аналитический рисунок проводится для разделения наблюдений на мелкие части для лучшей перспективы.
Рисунок в перспективе
Перспективный рисунок используется художниками для создания трехмерных изображений на двухмерной картинной плоскости, например на бумаге.Он представляет собой пространство, расстояние, объем, свет, плоскости поверхности и масштаб — все это рассматривается с определенного уровня глаз.
Геометрический чертеж
Геометрический рисунок используется, в частности, в областях строительства, требующих определенных размеров. Измеренные масштабы, истинные стороны, разрезы и различные другие наглядные изображения представлены посредством геометрического рисунка.
Схема
Когда концепции и идеи исследуются и исследуются, они документируются на бумаге в виде схематических рисунков.Диаграммы создаются для отображения смежностей и случайностей, которые могут иметь место в ближайшем будущем. Таким образом, схематические рисунки служат активным процессом разработки мгновенных идей, задуманных таким образом.
Рисунок
Рисунки, которые создаются для представления структуры конкретного документа, являются иллюстративными. Они включают в себя все основные детали проекта, о котором идет речь, с четким указанием его цели, стиля, размера, цвета, характера, эффекта и прочего.