Лучшие акварелисты современности и их картины. Часть 1
РЕКЛАМА
Сегодня акварель очень востребованная техника, ею увлечены очень многие именитые живописцы, возведшие ее в ранг высокого искусства. Международные фестивали и выставки, экспозиции в музеях и галереях, — всюду витает дух акварели. В нашей публикации мы представим вам самых лучших современных представителей этой техники, которым удалось овладеть ею в совершенстве и научиться создавать работы невероятной красоты.
И прежде чем начать нашу обзорную экскурсию по галереям прославившихся на весь мир акварелистов, хотелось бы сказать, что эта техника в изобразительном искусстве довольно молода, а также и то, что акварель до сих пор считается самой сложной техникой в живописи.
Несколько любопытных фактов об акварели
Наверняка многие читатели удивятся тому, что техника акварели появилась значительно позднее масляной живописи. Первые упоминания об этой технике, как живописном средстве, относятся к началу 19 века.
Тем не менее, прообраз акварели был известен еще со времен древнего Китая, древнего Египта и стран античного мира. Это были более древние водорастворимые краски – сепия, китайская тушь, славкармин, имевшие более плотную и непрозрачную консистенцию.
Акварель стала похожей на современную по качеству и свойствам лишь в 15 веке, а вот в том виде, в котором ее используют сейчас — она стала использоваться лишь на рубеже 18-19 века.
До того времени акварель применяли в основном для украшения церковных книг, ею выполнялись орнаменты, миниатюры и заглавные буквы. А также эта удивительная краска использовалась художниками в разработке будущих картин в качестве подмалевка, в эскизах и зарисовках.
Прафул Савант (Prafull Sawant). Очарование городских пейзажей
Прафул Савант (Prafull Sawant) считается одним из ведущих реалистов мира. Живописец-акварелист родился и вырос в семье известных индийских художников, и его первыми учителями и наставниками были отец и старший брат.
Впоследствии Prafull Sawant окончил знаменитую школу искусств в Мумбаи. После окончания обучения он посетил Рим, Париж, Флоренцию, много путешествовал по миру, участвовал в конкурсах и выставках художников-акварелистов как в Индии, так и далеко за её пределами.
РЕКЛАМА
Его уникальный стиль критики характеризуют умелым слиянием портрета, пейзажа и современных архитектурных форм. Именно этот стиль помогает художнику рассказать о его родной Индии и местных жителях. Немного «пыльные» пейзажи с легкостью переносят зрителя на далекие улицы Дели и зачаровывают с первого взгляда.
Прафул Савант — лауреат десятков международных и национальных премий в США, Австралии и Индии. На его счету – свыше до 100 выставок по всему миру, более 50 международных профессиональных наград, победы в престижных конкурсах. С секретами своего мастерства художник делится, давая многочисленные мастер классы по многим городам мира.
РЕКЛАМА
Джо Фрэнсис Доуден.
Невероятные пейзажи в акварелиХудожник Джо Фрэнсис Доуден (Joe Francis Dowden) родился в 1958 году в Англии. Профессиональную карьеру художника начал в 1982 году. Доуден широко стал известен в первую очередь за счет акварельных пейзажей, которые настолько гиперреалистичны, что выглядят как фотографии. За годы творческой карьеры художник выпустил ряд обучающих книг и видео, на которых делится профессиональным опытом. Помимо этого, Джо Доуден часто проводит мастер-классы по живописи в различных странах. К слову, в 2014 году подобные мероприятия проводились и в России.
Как опытный акварелист Доуден советует начинающим художникам, стараться не упрощать технику, а наоборот, усложнять как можно больше. Его многослойные акварели вызывают у публики незабываемый восторг.
И еще, проводя мастер классы, он настоятельно рекомендует своим последователям рисовать не сам ландшафт, а свет: «Даже самый невзрачный вид сверкает и искрится полный жизни и энергии в лучах солнца.
Но обернитесь и вы увидите мертвый и скучный пейзаж. Ищите в первую очередь свет, а потом — вид.»
Лю Йи. Магия балета в акварели
Китайский художник-акварелист Лю Йи родился в Шанхае (Китай). Там же окончил Восточно-Китайский педагогический университет (художественный факультет) и занялся преподавательской деятельностью в шанхайском колледже Искусства и Дизайна. Сейчас он широко известный во всем мире мастер акварели, является членом Ассоциации китайских художников и состоит в Обществе Акварелистов.
Акварельные работы этого талантливого китайского живописца часто называют искусством об искусстве. А все потому, что излюбленной тематикой Лю Йи является балет и театр. Герои его акварелей — утончённые образы балерин и классических музыкантов, внутренний мир и настроение которых художник мастерски передал зрителю с помощью нежной полупрозрачной краски. Их образы как будто проступают из темной мглы, эмоциональные и очень характерные. В какой-то степени они перекликаются с образами балерин французского художника Эдгара Дега.
Удивительно изящные акварели китайского художника удостоены множества наград, в том числе высшей награды Седьмой национальной выставки изобразительных искусств и высшей награды Китая на выставке акварельной живописи. Уже немало лет картины Лю Йи продаются на аукционных торгах Sotheby’s и хранятся в Национальном музее Китая как национальное достояние.
Рукие Гарип. Живые акварели турецкой художницы
Рукие Гарип родилась в 1964 году в городе Бартын, Турция. В 1985 году окончив факультет живописи и графического дизайна университета Гази (Gazi Universitesi), жила в Анкаре, трудилась в области графического дизайна. Через пару лет, решив заняться творчеством, основала керамическую мастерскую. Но с керамикой у художницы как-то не сложилось.
С 1990-х Рукие перешла на преподавательскую должность учителя рисования в школу, где проработала 20 лет. Лишь уйдя на пенсию, раскрыла в себе невероятный творческий потенциал и стала профессиональной художницей.
В настоящее время она живёт в родном городе Бартын и пишет потрясающие акварельные работы в собственной мастерской.
«Все, что дает нам природа, я стараюсь перенести в свои работы, сделать их реалистичными и живыми. Каждое прекрасное мгновение, которое дает нам природа, я хочу отразить в своих работах, каждую деталь, пусть даже самую мелкую, передать с помощью акварели на бумаге» ,— так говорит о своем творчестве Рукие Гарип.
Джозеф Збуквич и его акварели
«Акварель нельзя контролировать или приручить. Её надо объезжать, как дикую лошадь», — так высказался однажды о своём взаимоотношении с акварелью выдающийся австралийский художник с хорватскими корнями Джозеф Збуквич. Пожалуй, через 40 лет успешной творческой деятельности можно констатировать, что строптивая «лошадь» ему поддалась. И теперь его имя навсегда вписано в историю современного искусства золотыми буквами.
Его впечатляющие достижения и колоссальный успех обусловлены тем, что он умудряется превращать обыденность в визуальный поэтический язык, покоряющий сердца, как ценителей подобного стиля и направления, так и тех, кто ничего в этом не смыслит.
Ведь зачастую для того, чтобы что-то понять, достаточно чувствовать душой и сердцем, а не обладать безграничными знаниями, которые вряд ли смогут передать все те ощущения, что испытывает простой человек, глядя на безмятежный пейзаж или же на снующие туда-сюда машины по дождливым улицам городов и стран.
Помимо всего этого, он является автором уникальной в своём роде книги «Освоение атмосферы в акварели», где подробно, шаг за шагом рассказывает о том, как правильно писать картины при помощи «капризной барышни», точно знающей как себя стоит вести в той или иной ситуации. Джозеф приводит тонкие сравнительные параллели между краской, чаем, кофе, молоком и кремом. Объясняя это тем, что только так можно понять какую консистенцию стоит выбрать для создания картины. Лёгкую и небрежную с мягкими, плавными без нажимными мазками или же наоборот, густые и сочные, с ярко выраженными линиями и штрихами, слегка липкими и объёмными на вид, которые так хочется потрогать пальцем.
Магия акварели | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»
Третьяковская галерея выражает признательность Анатолию Ивановичу Новикову за финансовую поддержку выставки.
Выставка графики из фондов Третьяковскои галереи, открытая в Лаврушинском переулке до ноября этого года, представляет более 350 произведений русскои акварели XVIII-XX веков, среди которых — и хорошо известные шедевры, и работы, не знакомые широкому кругу зрителей.
Акварель — одна из самых сложных и загадочных художественных техник. Секрет ее, на первый взгляд, достаточно прост: растворенные в воде очень мелко растертые частицы пигмента создают прозрачный красочный слой, проницаемый для световых лучей, которые, отражаясь от белой поверхности бумаги, повышают интенсивность звучания цвета. Но тайна обаяния, неизменной привлекательности акварельной техники, ее вечной молодости и актуальности остается неразгаданной. Свободное перетекание тонов, мягкость переходов и насыщенность колористических созвучий, активная роль бумаги, ее тона и фактуры — все это сообщает акварели ни с чем не сравнимые очарование и изысканность. Почти не допускающая переделок и правок, эта техника требует от художника особой чуткости, верности глаза и руки, виртуозного владения цветом и формой.
Историческая картина развития техники сложна. Она не складывается в единый поступательный эволюционный процесс, хотя общая тенденция, направленная на осознание особенностей пластического языка, формирование эстетики, отличной от других видов живописи, прослеживается достаточно определенно. В работе акварелью предельно раскрывается темперамент художника, обнажается самый нерв его творческой индивидуальности — чувство цвета, степень и характер колористической одаренности. Именно поэтому история акварели демонстрирует обилие направлений, богатство самостоятельных манер, стилей и почерков, будто соревнующихся в своей неповторимости. Наряду с яркими достижениями больших мастеров, обозначающими вершины ее возможностей, чрезвычайно важна и общая культура акварели, создаваемая трудами широкого круга профессионалов, а иногда и просто любителями и отражающая мироощущение поколения.
История акварели в России начинается с XVIII века — ею пользовались при «иллюминировании» гравюр и архитектурных проектов.
На выставке в ГТГ можно увидеть несколько редких, наиболее ранних анонимных образцов подобного прикладного применения этой техники. В конце столетия акварель становится уже самостоятельным видом искусства, обладающим собственными средствами выразительности и художественным языком.
Техника акварели пришла в Россию, как и во многие страны Европы, из Англии. В практике английской акварели сложилась определенная система приемов работы «по-мокрому». Краска наносилась широкой заливкой. Общий тон подчинял себе остальные цвета — художественное впечатление строилось на постепенных, едва уловимых тональных переходах. Наиболее ранними примерами этой «английской манеры» могут послужить акварельные видовые ландшафты М.М. Иванова, а также редкая для своего времени по жанру работа Г.И. Скородумова «Портрет И.И. Скородумова» (1790-е), представляющая особый интерес, поскольку ее автор долгое время жил в Англии и воспринял технику английской акварели в наиболее чистом виде.
Родиной разновидности акварели, получившей распространение чуть позже, была Италия.
В итальянской акварели художник пишет «по-сухому». Тона накладываются один на другой постепенно, после просыхания предыдущего слоя, мазками, градации цвета усиливаются от светлого к темному. Итальянскую акварель отличали звучное многоцветие, пластичность, яркость и напряженность колорита. Проводниками «итальянской манеры» стали члены обширной русской художественной колонии в Риме, пенсионеры Академии художеств, и прежде всего — К.П. Брюллов.
Большую роль в развитии акварели в России играл пейзажный жанр. Здесь наряду с произведениями, исполненными исключительно акварелью, показательны и работы, сочетающие акварель с гуашью — «Вид Царскосельского парка» (1793) Ф. де Мейса, «Мельница и башня Пиль в Павловске» (не ранее 1797) С.Ф. Щедрина, а также гуаши с «эффектом акварели», например «Пруд в парке Царского Села» (начало 1810-х) А.Е. Мартынова. Они демонстрируют происходивший на рубеже веков процесс осмысления различий свойств водорастворимых красок, их взаимодействия с бумагой. Важной линией в формировании акварельного пейзажного жанра стали архитектурные виды и фантазии — ведуты, — исполненные архитекторами.
Акварельный пейзаж получил широкое распространение как в кругу профессиональных художников, так и среди любителей.
Экспозиция впервые представляет малоизученный еще пласт альбомной акварельной культуры — графику К.И. Кольмана, Н.К. Гампельна, Н. Куртейля, Н.И. Тихобразова. Любительское рисование в целом и акварель в частности — существенная составляющая искусства начала XIX века. Из среды художников-любителей выходят такие крупные мастера, как П.А. Федотов и Ф.П. Толстой. Особое обаяние ранним акварелям Федотова (парные портреты супругов Колесниковых, 1837; «Прогулка», 1837; «Переход егерей вброд на маневрах», 1844) сообщают непосредственность, искренность, которые выдают путь «самообразования» их создателя. В его знаменитых сепиях безупречность исполнения выводит бытовую зарисовку из области любительского досуга в один из важных жанров изобразительного искусства.
Работы Толстого — неожиданный поворот в развитии акварели. Они достаточно условно могут быть причислены к этой технике: художник сам растирал и готовил краски, которые представляли собой нечто среднее между гуашью и акварелью. Авторские краски позволяли использовать преимущества обеих техник — работать и корпусными мазками, и тончайшими лессировками.
Интенсивность и плодотворность развития акварели зависела от степени ее востребованности, от того, насколько ее язык соответствовал эстетическим категориям эпохи. В эпоху романтизма акварель впервые по-настоящему обретает самостоятельность. В ранг ведущего жанра того времени был выведен портрет. Порой кажется, что художественные образы, созданные мастерами первой половины XIX века не только воплотили, но и сформировали представления об идеале эпохи — душевный строй модели, сам ее облик, манеру поведения.
Акварельный портрет первой половины XIX столетия составляет самостоятельный раздел экспозиции, в котором это явление рассматривается в динамике. Ранние работы родоначальника жанра П.Ф. Соколова раскрывают свое происхождение от портретной миниатюры — в характерном малом формате, овальной композиции, особой трактовке пространства листа. Со временем эта связь утрачивается, изображение осторожно осваивает всю плоскость бумажного листа, мазок становится широким, свободным и разнообразным, краски — прозрачными, легкими.
Выполненные за один сеанс, работы Соколова 1820-х — начала 1830-х годов полны тонкого обаяния дружеского диалога между художником и моделью. Достижения мастера вдохновляют большой круг последователей, достаточно широко представленный на выставке работами В.И. Гау, А.Д. Надеждина, М.Н. Алексеева, И. Алексеева, А.М. Воробьева, К.С. Осокина. Осваивая и варьируя соколовские приемы, художники создали галерею образов, настолько стилистически родственных, что в совокупности они воспринимаются как портрет прекрасной классической эпохи, в культуре которой искусство акварельного портрета возникло, расцвело и ушло безвозвратно вместе с поколением, чей образ оно так бережно сохранило.
Другая самостоятельная линия акварельного портрета представлена творчеством братьев Александра и Карла Брюлловых. Скромному обаянию моделей Соколова противостоят поза, артистический жест постановочных картинных брюлловских портретов, всегда, даже при камерных задачах, сохраняющих репрезентативность. Характеристика модели у Брюллова поддержана многоголосием аксессуаров: узором переливчатых складок тканей, ажурным рисунком кружева, игрой фактур.
Гордость собрания Третьяковской галереи — шедевры кисти К.П. Брюллова: большие парадные портреты Г.Н. и В.А. Олениных (1827), М.И. Бутеневой с дочерью Марией (1835). Мастер жанровых сцен и пейзажей, Брюллов виртуозно вводит их элементы в портрет. Такая форма и усложняла живописную задачу, и одновременно позволяла в полной мере проявиться мощному колористическому дару художника, раскрепощала его «пылкий художнический темперамент и плодовитое воображение»[1]. Характеристика акварельного творчества К.П. Брюллова была бы неполной без показа столь любимых современниками художника итальянских сценок — «перлов его фантазии и гениальной кисти»[2]. На выставке экспонируется целая «сюита» маленьких веселых и беззаботных итальянских жанров мастера, в которых он чувствовал себя свободным от академических канонов. Художник добился здесь нарядной «средиземноморской» звучности цвета, умело гармонизировал сложные колористические аккорды, достиг предельной интенсивности красок и почти картинной выверенности и завершенности[3].
Уникально акварельное наследие А.А. Иванова. Это непревзойденный еще рубеж мастерства владения техникой и абсолютное выражение ее сути. К акварели художник обратился, обладая уже большим опытом в живописи маслом. Даже первые его графические работы («Жених, выбирающий серьги невесте», 1838; «Октябрьские праздники в Риме», 1842) поражают смелостью и совершенством. Чувствуется восторг художника перед открывшимися возможностями. Для Иванова акварель — это техника живописных исканий, обретения нового цветового и светового решения пространства. Написанные быстро, «на одном дыхании» натурные пейзажи середины 1840-х — 1850-х годов («Море у берегов Неаполя», «Лодки», «Вода и камни»), позволяют зрителю прочувствовать процесс рождения изображения от первого и до последнего движения кисти.
Тема многих акварелей Иванова — солнечный свет. Словно осознавая уникальность художественной задачи, мастер отмечал произведения подобного рода специальным пояснением: «исполненные на солнце». Акварель «Терасса, увитая виноградом» представляет знаменитый «экспериментальный» альбом Иванова, составленный из почти монохромных натурных зарисовок.
В них ослепительный солнечный свет, воплощенный в сияющей белизне листа бумаги, своевольно меняет форму и цвет предметов, обобщает очертания, создает эффект подвижной световоздушной среды, трепещущей, переливающейся материи.
Вершиной творчества Иванова несомненно являются его «библейские эскизы». В условности акварельной техники, в принципиальной незаконченности высказывания, свойственной природе эскиза, художник находит соответствие своему замыслу. В библейских эскизах нет единообразия технических приемов — они варьируются, сочетаются и рождаются заново в связи с той или иной живописной задачей. В одних листах краски почти нематериально прозрачны, в других — акварель становится многослойной и приобретает плотность и весомость звучания. В композициях, исполненных на темных бумагах, эффект завораживающего внутреннего свечения достигается применением белил. Судьба акварельного наследия А. А. Иванова сложилась так, что оно практически не имело никакого воздействия на искусство современников и ближайших потомков.
Известные лишь очень узкому кругу лиц акварели были бережно хранимы братом художника С.А. Ивановым и М.П. Боткиным согласно воле самого автора, осознававшего «преждевременность» своих открытий. Частично опубликованные в 1870-е — 1880-е годы[4] они лишь тогда стали важным фактом художественной жизни, оказавшим огромное влияние на поколение рубежа XIX—ХХ веков.
После почти одновременного ухода с художественной сцены выдающихся мастеров-акварелистов П.Ф. Соколова, К.П. Брюллова и А.А. Иванова акварель переживает очень сложный период, отмеченный серьезными изменениями в понимании задач и предназначения искусства, наметившимися в обществе. Утонченная эстетика и изысканная культура акварели с условностью и артистизмом ее языка в 1860-е годы не вполне соответствовали тем социальным задачам, которые выдвигались новой художественной эпохой. Позиции акварели оставались непоколебимыми лишь в таких традиционных для нее областях применения, как видовой ландшафт, «итальянский жанр», костюмированный портрет.
Здесь заботливо сохранялись традиции, профессионализм исполнения. Тщательно разработанные, «картинные» листы К.Ф. Гуна, Ф.А. Бронникова, Л.О. Премацци, И.П. Раулова, А.А. Риццони, Л.Ф. Лагорио трактуют акварель как техническую разновидность живописи. Произведения воспринявших эту традицию художников демонстрируют очень естественную и неконфликтную смену поколений акварелистов-«консерваторов».
Одновременно большие перемены происходят в иерархии и бытовании основных жанров акварели. Акварельный портрет и интерьер как непременные атрибуты дворянского быта сталкиваются с появлением модного конкурента — даггеротипа, а затем фотографии, которая постепенно замещает их «документальные» функции. Камерный акварельный портрет почти перестает быть заказным, он входит теперь в «рабочий» круг жанров, где происходит поиск иных средств выразительности, исподволь формируется иной язык акварели.
В середине XIX века акварель осваивает новые сферы применения — натурный этюд, иллюстрация, критический бытовой жанр, сатирические зарисовки.
Каждый из этих жанров скромно обогащает технику какими-то особыми чертами. В бытовых сценках П.М. Шмелькова отрабатывается принцип взаимодействия акварели и карандашного рисунка, проложенного поверх еще не просохшего слоя краски, «происходит соединение двух начал — живописного и графического»[5]. В эскизах и этюдах картин художников-передвижников естественный и даже неизбежный эффект незаконченности начинает осознаваться как особое преимущество техники, важный эстетический прием.
В 1870-е годы молодое поколение художников как бы заново раскрывает возможности акварели. Она не публична, это — техника «для себя», дающая абсолютную свободу самовыражения. Так, совершенно непривычного, «неизвестного» Крамского являют нам его пейзажные «Калитка в саду» (1874), «Деревенский дворик во Франции» (1876), «В роще Медон близ Парижа» (1876), «Гапсаль» (1878). Трудно поверить, что жизнерадостные, многоцветные работы, исполненные вдохновенно и артистично, принадлежат кисти художника, которого в живописи отличают рассудительность, эмоциональная сдержанность, скупая, почти аскетичная цветовая гамма.
Поражает не столько даже «несвоевременность» этих маленьких шедеров, их несоответствие живописной манере Крамского-художника и системе взглядов Крамского — теоретика искусства и общественного деятеля, сколько сама мощь его колористической одаренности, не нашедшая выхода в живописной практике.
С 1860-х годов очень интересно выстраивается линия развития пейзажа в сепии, представленная на выставке работами Л.Ф. Лагорио, А.П. Боголюбова, Ф.А. Васильева и И.И. Левитана. Их объединяют благородство и артистизм исполнения, основывающиеся на бесконечном разнообразии приемов владения кистью, характере ее прикосновений к бумаге, на различной степени проработки поверхности и нагруженности красочного слоя.
Для многих мастеров-передвижников обращение к акварели было единичным, эпизодическим. Однако в акварели результаты их художественных поисков проявляются раньше или прочитываются яснее. Так, сопоставление работ И.И. Левитана и В.А. Серова 1890—1900-х годов позволяет уловить тот момент в истории пейзажа, когда в акварели рождается «психологический пейзаж», передающий состояние природы, ее настроение — «нежную, прозрачную прелесть русской природы, ее грустное очарование»[6].
Мощный импульс в постижении особенностей языка акварели и осознании ее эстетических возможностей дает введение изучения этой техники в программу высших художественных учебных заведений. Во многом новый взлет в акварельной живописи на рубеже XIX—XX веков связан с деятельностью П.П. Чистякова, он был осуществлен его учениками — В.И. Суриковым, В.А. Серовым и М.А. Врубелем. Феномен «чистяковской школы» заключается в непохожести вышедших из нее
художников. Чистяков обладал особым даром выявлять и развивать индивидуальные черты, манеру письма каждого из них, «указать путь» (по выражению Сурикова).
В художественной системе Сурикова, а может быть, и в его жизни акварели отведено особое место[7]. В этой технике он постоянно работал на протяжении почти 50 лет. Эволюция его акварельной манеры очевидна. Ее начало обозначено Сибирским циклом, исполненным летом 1873 года до занятий у Чистякова. Эти пейзажи объединяет строгость колористического решения, построенного на синевато-зеленых, «не знающих солнца» оттенках, «словно подсказанных художнику самой суровой сибирской природой»[8].
Серия итальянских акварелей 1883—1884 годов — шедевры акварельной манеры Сурикова. Ему подвластны жемчужное марево утреннего света, играющего на белых стенах соборов, слепящая яркость помпейских фресок, буйство красок карнавала. Он пишет и «воздушной, паутинной кисточкой», прозрачными тонами, едва прикасаясь к бумаге, и слоистыми лессировками, и короткими, «дерзкими» ударами кисти, и широкими переливчатыми затеками. Другая знаменитая серия акварелей — испанская — создана в 1910 году во время совместного европейского турне В.И. Сурикова и П.П. Кончаловского. Естественно возникшее между ними соперничество было не просто соревнованием двух замечательных колористов, представителей разных поколений, но плодотворным для обоих столкновением разных художественных систем. Акварель Сурикова, будучи очень чутким инструментом, впитывает в себя черты искусства Нового времени. Экспрессия цвета, его эмоциональная напряженность, острота диссонирующих сопоставлений, культ незаконченности меняют его акварельную систему: он пишет размашистыми движениями кисти, широкими свободными заливками по влажной бумаге, доводя «красочную звучность акварели почти до парадокса, до перенапряжения»[9].
Таковы «Севилья», «Бой быков в Севилье».
В творчестве младших учеников Чистякова — Врубеля и Серова — акварель обретает значительность, сопоставимую с их живописными произведениями. Работая буквально рядом, «рука об руку», каждый из них прошел собственный путь в акварели. Одаренный одинаково щедро талантом рисовальщика и колориста Серов выработал такую систему письма акварелью, где линия и цвет неразделимы. Он видел предметы обобщенно, воплощая их на листе бумаги как лаконичные пластические формулы, одним движением кисти моделировал форму и сообщал ей цвет. По своей природе акварель Серова тяготеет к графике, подчиняясь законам этого вида искусства в отношении к поверхности листа, принципам построения пространства и формы, степени условности языка. Колористическая гамма работ художника сдержана, построена на множественности тончайших градаций тона, разнообразии нюансировок и оттенков, ее благородный серый цвет способен выразить все цветовое многообразие мира. Удивительны никогда ранее не экспонировавшиеся акварельные наброски «В дороге» (1900-е) и «Греция.
Остров Крит» (1907). Подойдя в них к некой границе предметного мира, к предельной степени условности языка, допустимой в рамках пластической системы того времени, Серов затрагивает задачи будущего художественного поколения, нерв их эксперимента с абстрактной формой.
Врубель обладал редкой предрасположенностью к работе акварелью. Поразительно, что уже его первые акварельные опусы «Голова девочки (1882), «Е.М. Бем, сидящая в кресле» (1882), «За кружкой пива» (1883), исполненные в период обучения в Академии, лишены налета ученичества, выдают руку прирожденного акварелиста. Художник мгновенно осознал огромные перспективы, которые открывала именно его художественным потребностям акварельная техника. Акварельная манера Врубеля очень разнообразна: в «Персидском принце» (1886) он выслаивает пространство листа мельчайшими, тщательно нюансированными по цвету мазками, скрупулезно следующими форме; в «Портрете артистки Т.С. Любатович» (1890-е) создает изображение крупными пятнами, вольными затеками, словно подчиняясь прихотливому течению краски.
В своей знаменитой «Розе» (1904) Врубель вдумчиво конструирует форму, словно стремясь проникнуть в тайны строения натуры, передать энергию тугих лепестков распускающегося цветка. В почти лишенных цвета монохромных иллюстрациях к «Демону» М.Ю. Лермонтова (1891), бесконечно варьируя приемы нанесения краски, сгущая ритмы разнообразных по тону пятен, Врубель создал особую вибрирующую подвижную среду — аналог поэтической материи лермонтовского текста. Выбор «стиля» определился лишь требованиями конкретного замысла, художественного образа.
Особняком в истории акварели стоит творчество В.Э. Борисова-Мусатова. Художник приходит к ней лишь в последние годы жизни — в период полного владения живописной формой. Колористическая насыщенность и осязаемость фактуры его работ маслом и темперой в поздних акварелях «Балкон осенью» (1905), «Реквием» (1905) оборачиваются прозрачностью, «нематериальностью» цвета, игрой полутонов, приглушенных размытых красок, тающих теней, что как нельзя более соответствует поэтическим образам его призрачного мира, балансирующего на тонкой грани реального и сочиненного.
Возрождение всеобщего интереса к акварели произошло в последние десятилетия XIX века. Регулярные акварельные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. На выставке представлены произведения М.Я. Виллие, Э.С. Вилье де Лиль-Адана, П.П. Соколова, Р.Ф. Френца, И.А. Александрова, А.С. Егорнова, Р.А. Берггольца, Альб.Н. Бенуа. Некоторые из этих художников работали исключительно как акварелисты и, может быть, поэтом у остались почти незаметными для «всеобщей» истории искусств. Тем не менее, задачу сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки почвы для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов» несомненно выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства.
Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников. Так, под руководством блестящего мастера акварели Альберта Бенуа осваивали эту технику многие будущие члены художественного объединения «Мир искусства» Л.С. Бакст, А.Н. Бенуа, К.А. Сомов. Интересно, что создатели высочайшей графической культуры — «мирискусники» старшего поколения — в своем творчестве не часто обращались к технике чистой акварели. В «графических картинах», фантазиях на историческую тему они тяготели к более плотному корпусному письму и отдавали предпочтение гуаши и темпере, но приемы работы в этих техниках зачастую оставались акварельными.
Акварельные работы А.Н. Бенуа, М.В. Добужинского, А.П. Остроумовой-Лебедевой почти всегда сдержаны и изысканны по цветовому решению, свободная работа акварельным пятном сочетается в них с активным рисунком, придающим графическую четкость организации поверхности листа.
Особого внимания заслуживают работы К.А. Сомова. В жизни и в искусстве он всегда оставался в тени своих более активных коллег. В истории изобразительного искусства, построенной преимущественно на основе живописных работ, он остался автором нескольких картин и десятка куртуазных гуашевых композиций, составляющих лишь малую толику его художественного наследия. Однако Сомов был превосходным акварелистом и верно служил акварели до последних дней своей жизни. Творчество художника соединяет обе линии развития техники, примиряя традиционалистов и сторонников поиска новых форм. Более того, в его акварелях удивительным образом сходятся все нити, значимые для развития этой техники в России; он «пропустил через себя» все когда-либо существовавшие жанры, исследовал и испробовал все стили.
Самой интересной и недооцененной страницей сомовского творчества являются натурные пейзажи, в которых запечатлено почти невозможное: едва уловимые эффекты смены состояния и настроения природы — ветер, дождь, сумерки, белые ночи. Радуга (излюбленный мотив Сомова) в маленьком этюде 1908 года изображена так, что воспринимается как своеобразная метафора акварели, зримое воплощение рождения цвета и формы в напоенном влагой и светом воздухе.
Экспозиция «Магия акварели» ограничивается 1910-ми годами, когда завершился очередной цикл развития техники, но ее история на этом не заканчивается — новый, не менее интересный период в ХХ веке обозначен именами К.С. Петрова-Водкина, А.В. Лентулова; фантастические, блистательные и пугающие акварельные миры создают В.В. Кандинский, П.Н. Филонов. Но это уже совершенно другая история. Остается только надеяться, что выставка акварели ХХ века в Третьяковской галерее не заставит себя долго ждать. Следующие проекты в залах графики в Лаврушинском переулке будут посвящены рисовальным техникам в искусстве XVIII — начала XX века и составят в итоге цикл, охватывающий все многообразие технических средств и материалов графики.
- Мокрицкий А. Воспоминания о Брюллове. Цит по: К.П. Брюллов в письмах, документах и воспоминаниях современников. М., 1961.С. 148.
- Там же.
- Талант Брюллова-акварелиста раскрылся и в монохромной разновидности этой техники — сепии.
Здесь возникает новое понимание эстетической законченности произведения, художник обретает особую свободу дыхания, в чем-то предугадывая новые возможности техники и пути развития акварели (см.: Плотникова ЕЛ. Выставка русской акварели конца XVIII — начала ХХ века из собрания Государственной Третьяковской галереи. М., 1966. С. 16). - Эскизы из Священной истории Иванова. I-XIV. Берлин, 1879-1887.
- Плотникова ЕЛ. Выставка русской акварели конца XVIII — начала ХХ века из собрания Государственной Третьяковской галереи. М., 1966.С. 20.
- Головин А.Я. Воспоминания. Цит по: Встречи и впечатления. Письма. Воспоминания о Головине. Л.-М., 1960.С. 27.
- Удивительно верно по сути немного шутливое высказывание А.М. Эфроса: «Было два существа: одно — Суриков, другое — Василий Иванович. Суриков был национальным достоянием и создавал «Боярыню Морозову»; Василий Иванович жил для себя и делал акварели. Его мы не знали до самой последней поры и лишь понемногу узнаем теперь» (Эфрос А. М. Рисунки и акварели Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 5).
- Торстенсен Л.А. Акварельная живопись В.А. Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 9.
- Эфрос А.М. Рисунки и акварели Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 6.
Здесь возникает новое понимание эстетической законченности произведения, художник обретает особую свободу дыхания, в чем-то предугадывая новые возможности техники и пути развития акварели (см.: Плотникова ЕЛ. Выставка русской акварели конца XVIII — начала ХХ века из собрания Государственной Третьяковской галереи. М., 1966. С. 16).
М. Рисунки и акварели Сурикова. Цит по: В.И. Суриков. К 150-летию со дня рождения. Акварель : Кат. выст. М., 1998. С. 5).П.Ф. СОКОЛОВ. Цветы и фрукты. 1840-е
Бумага, акварель. 26,5×19,2
И.А. ИВАНОВ. Дом графа А.К. Разумовского со стороны парка. Начало 1800-х
Бумага, акварель, тушь, кисть, перо. 35,2×51,5
И.Н. КРАМСКОЙ. Деревенский дворик во Франции. 1876
Бумага цветная, акварель, белила. 24×31,5
П.А. ФЕДОТОВ. Прогулка. 1837
Бумага, акварель. 26,5×21,4
Ф.А. ВАСИЛЬЕВ. После проливного дождя. 1870
Бумага, акварель, белила. 17,3×36,1
В.
Д. ПОЛЕНОВ. Среди учителей (Христос отрок в синагоге). 1894
Эскиз картины «Среди учителей» (1896, ГТГ). Бумага, акварель, графитный карандаш. 22,4×40,5
В.Е. МАКОВСКИЙ. В казначействе в ожидании пенсии. 1879
Бумага, акварель, графитный карандаш. 17,3×25,7
В.И. СУРИКОВ. Портрет Ольги Васильевны Суриковой (1878–1958), дочери художника. 1883–1884
Бумага, акварель, графитный карандаш. 27×21
В.А. СЕРОВ. Королевский сад в Афинах. 1907
Бумага, графитный карандаш, акварель. 22,6×35,3
И.И. ЛЕВИТАН. Осень. 1890-е
Бумага, акварель, графитный карандаш. 31,5×44
А.П. ОСТРОУМОВА-ЛЕБЕДЕВА. Амстердам. 1913
Бумага на картоне, акварель, уголь. 34,5×50
Е.Д. ПОЛЕНОВА. На дворе зимой. 1890-е
Бумага, акварель. 50×32,1
К.А. СОМОВ. Купальщицы. 1904
Бумага, акварель, черный карандаш. 28,8×38
М.А. ВРУБЕЛЬ.
Роза. 1904
Бумага на картоне акварель, графитный карандаш. 29,8×18,5
К.А. СОМОВ. Радуга. 1908
Этюд. Бумага, акварель. 25,2×26,3
К.Ф. ЮОН. Ночь. Тверской бульвар. 1909
Бумага на картоне, акварель, белила. 60,5×73
8 отмеченных наградами акварелистов | Artists Network
АКВАРЕЛЬ Популярная акварель 5 минут чтения
Художники-победители 12-го ежегодного конкурса Watermedia Showcase демонстрируют способность акварели трогать наши сердца и пробуждать наши чувства.
Песня Надежды, Лица Далласа (акварель на бумаге, 60×48) от Watermedia Showcase Лауреат премии Best of Show Стивен Чжан. Смотрите его победную картину ниже. Выражены ли они в реалистическом или импрессионистском стиле, заимствованы ли сюжеты из природы или человеческого мира — восемь картин-победителей 12-го ежегодного конкурса Watermedia Showcase олицетворяют силу воды, которая затрагивает наши сердца и пробуждает наши чувства.
Прокрутите вниз, чтобы насладиться выдержкой из нашего специального репортажа об этом ежегодном празднике талантов и инноваций. Тогда ознакомьтесь с весенним выпуском журнала «Акварельный художник » за 2021 год; в нем вы узнаете еще больше о творчестве, мировоззрении и процессе каждого художника!
Best of Show: Стивен Чжан
Вместе (акварель на бумаге, 60×48) Вместе (акварель на бумаге, 60×48) Стивен ЧжанПобедивший портрет афганца Стивена Чжана Семья беженцев изображает историю отношений мастерской композицией, которая захватывает фигуры «в данный момент».
«На создание этой картины меня вдохновил кулинарный мастер-класс для корпоративного питания, когда сестры и другие женщины-беженки готовили блюда из своих стран», — говорит он. «Пока взрослые готовили, дети играли».
Картина Чжана отражает радость этих семейных и межпоколенческих отношений. «У картины должна быть душа и история.
Моей целью было запечатлеть чувство близости и связи между этими женщинами. И изобразить уникальную человечность каждого человека».
Узнайте больше о работах Стивена Чжана на сайте stephenzhangart.com и на его странице в Instagram @stephenzhangart.
Второе место:
Алиса Ши Общая нить (акварель на бумаге, 25×16) Общая нить (акварель на бумаге, 25×16) Алиши ШиАлиса Ши выигрышный кадр жизнь вызывает теплые детские воспоминания вместе с чувством спокойствия, которое для художника может быть достигнуто только с помощью фотореалистичной живописи.
«Эталонные фотографии годами хранились в моем телефоне, прежде чем я набралась достаточно смелости, чтобы использовать их», — говорит она. «Я нашел катушки очень пугающими. Но с каждой последующей картиной моя уверенность росла, и в конце концов я решил сделать решительный шаг».
Признавшись, что она одержима сложными деталями, Ши добавляет, что ей нравится спокойствие, которое приходит от фотореалистичных рисунков. «Я вынуждена создавать искусство, потому что этот процесс служит успокаивающим ментальным бальзамом», — говорит она.
Алиша ШиБольше работ Алиши Ши можно увидеть на сайте alisashea.com и на ее странице в Instagram @alisa_shea.
Третье место:
Цзянь Ву Завтра (бумага, акварель, акрил, 21×15) Завтра (акварель и акрил на бумаге, 21×15) Цзянь ВуПобедивший портрет Цзянь Ву сочетает плавность акварели с пониманием формы скульптором в изображении беспокойства, которое находит отклик у многих уровни.
«Обветренное лицо пожилой тибетской женщины рассказывает уникальную историю жизни, которую можно художественно передать с помощью цветов, мазков и царапин мастихином», — говорит Ву.
«Мне показалось, что она пытается вглядеться в то, что ждет впереди, с облаками неуверенности, отражающимися в ее глазах. Я был тронут и хотел запечатлеть ее эмоции в картине, которая исследует ее нерассказанную историю».
Этот портрет дал художнику возможность поэкспериментировать с тем, как цвет работает в этой среде. «Искусство — это безграничная страна чудес», — добавляет он. «Каждый неперевернутый камень, с которым мы сталкиваемся, — это отдельная дверь, ведущая в новый мир. Я на своем пути и буду продолжать двигаться вперед».
Jian WuДругие работы Jian Wu можно найти на jwstudio.net.
Почетное упоминание:
Thomas W Schaller Рядом с домом (акварель на бумаге, 22×15) Рядом с домом (акварель на бумаге, 22×15) Томаса В. Шаллера Томас В. Шаллер тренировался смотреть на повседневный мир по-новому — «находить потенциальные предметы для рисования там, где я не могу видел их раньше», как в Рядом с Домом .
«Поскольку моя жизнь, связанная с путешествиями, была на время приостановлена, я стал лучше приспосабливаться к окружающему миру», — говорит Шаллер о вдохновении этого пейзажа. «Я пытался взглянуть на обыденные и повседневные места новыми глазами. Эта сцена взята из переулка прямо за углом от того места, где я живу. Я гуляю по этой маленькой улочке со своей собакой почти каждый день и до этого года никогда не думал о том, чтобы попробовать ее нарисовать».
«Акварельная живопись всегда полна сюрпризов! Большинство моих картин — это этюды контрастов. Однако в этой конкретной работе я смог провести сопоставление , заявленного , и , подразумевающего ».
Thomas W SchallerУзнайте больше о работах Thomas W Schaller на сайте thomasschaller.com и на его странице в Instagram @thomaswschaller.
Почетное упоминание:
Кристин Мисенчик-Банн Селфи (акварель на бумаге, 28×20) Селфи (акварель на бумаге, 28×20) Кристин Мисенчик-Банн Кристин Мисенчик-Банн говорит, глядя на свою картину Селфи 9001 3, “ Это похоже на меня.
Я могу смотреть на это и знать, кто я и где я был. В этом портрете я вижу всю свою жизнь».
Ее вдохновение? «Я смотрела на себя в зеркало в ванной. Я был уставшим. И подчеркнул. Я ясно видел это по своему лицу. Когда я начала тщательно следить за каждой морщинкой, которую с трудом заработала за свои 75 лет, я начала думать о том, как я буду выглядеть через год или через пять лет. Я хотел запечатлеть «сегодня» — запечатлеть линии моего жизненного пути до сих пор. Итак, я схватила свой телефон и сделала несколько селфи».
«Чем больше я рисую и чем старше я становлюсь, тем больше я просто пытаюсь запечатлеть моменты времени. Записывать истории других людей — это то, что волнует меня больше всего. Возможность выражать эмоции с помощью рисунков, в том числе моих собственных в «Селфи », — бесценный труд всей моей жизни».
Christine Misencik-Bunn Узнайте больше о работах Кристин Misencik-Bunn на сайте chrismisencikbunn.com и на ее странице в Instagram @christinemisencikbunn.
Почетное упоминание: Пэм Венгер
Утренняя рутина (акварель на бумаге, 14×19) Утренняя рутина (акварель на бумаге, 14×19) Пэм ВенгерПэм Венгер любит, когда она встречается ссылка на фото, которая может рассказать история — та, которая действительно может найти отклик у людей. «Я слышал от многих друзей и контактов в социальных сетях, что Утренняя рутина каким-то образом тронула их».
«Фотография была сделана в маленьком городке недалеко от Барселоны в последний день поездки, которую я совершил с несколькими моими друзьями-художниками. Мы завтракали, когда заметили, что этот джентльмен корпеет над газетой, а его собака спокойно отдыхает на полу позади него. Было очевидно, что это была обычная часть их повседневной жизни, и я просто знал, что мы наблюдаем нечто особенное».
«Когда я начинаю планировать фигуративную картину, я всегда думаю о том, что я пытаюсь передать.
Для Утренняя рутина мне было ясно, что мне нужно сообщить об интенсивной работе этого человека с его газетой. Мне понравилось, что он опирался на газету и — именно в этот момент — не интересовался своей выпечкой и кофе».
Узнайте больше о работах Pam Wenger на pamwenger.com и на ее странице в Instagram @pwenger32.
Почетное упоминание:
Francis Marte Чабрец для томатного соуса (акварель на бумаге, 16×16) Чабрец для томатного соуса (акварель на бумаге, 16×1 6) Франсис МартеГоворя о вдохновении за Тимьян для томатного соуса Фрэнсис Марте говорит, что он «тяготеет к сценам с высокой контрастностью, с игрой света и теней и отображением различных текстур. Эта простая и привлекательная сцена на кухонном столе предлагает все это. Я также хотел предмет, который продемонстрирует мои навыки в детализации и наслоении акварели».
«Мне нравится, что на картине описана очень родственная сцена — простая, но драматичная.
Я также счастлив, что смог добиться этого, успешно нарисовав текстуры и цвета».
Тимьян для томатного соуса вдохновил Марте на то, чтобы больше сосредоточиться на натюрмортах, «особенно на натюрмортах с ограниченной палитрой. Благодаря этой картине я понял, что когда я упрощаю и трачу больше времени на редактирование, сообщение становится более четким».
Франсис МартеСмотрите больше работ Фрэнсиса Марте на его странице в Instagram, @francismartewatercolours и на Facebook здесь.
Почетное упоминание:
Ченг Сянь Сие Дневной рынок (акварель на бумаге ) Дневной рынок (акварель на бумаге) Ченг Сянь Сие Ченг Сянь Се посещает рынок, изображенный в Рынок днем часто, наблюдая, как свет меняется с утра на вечер. «Тени танцуют со светом, длинные и короткие, яркие и темные, отражая концепцию инь и ян.
Формы и линии меняются в зависимости от света, который касается меня и заставляет меня хотеть рисовать».
«Сцена изображает людей, занятых покупками и посещением рынка, и небрежных мотоциклистов на дороге. Это хаотичная, но энергичная сцена, беспокойная, но полная энергии. Это все об обычной жизни простых людей на Тайване, моем родном городе, моих соотечественниках — месте, которому принадлежит мое сердце».
Cheng Hsien Hsieh«Глубоко привязанный к теме, я позволил себе впитать вибрации, спокойно наблюдая за всем и создавая картину в своем уме».
Хотите представить свою работу на конкурс акварели, подобный этому? Примите участие в наших круглогодичных художественных конкурсах акварели и других материалов!
Обязательно ознакомьтесь с Весенний выпуск 2021 г. выпуска Акварельный художник , чтобы узнать больше о творчестве, мировоззрении и процессе каждого из этих художников.
10 акварельных рисунков, которые нужно знать
Акварель или акварельная живопись — это древняя техника рисования. Он восходит к доисторическому периоду, но был признан в эпоху Возрождения и со временем модернизировался. Акварельная техника заключается в смешивании цветных пигментов и воды. Чем больше воды, тем светлее цвет. И наоборот, чем меньше воды, тем интенсивнее цвет. Акварельные картины чаще всего используются для пейзажей, морских или городских картин… Точность и детализация являются ключевыми элементами этой техники. Artsper представляет вам 10 акварелей, которые вам нужно знать.
1.
Собор Лландафф , Пол Сэндби Отец водной живописи Пол Сэндби — английский художник-акварелист восемнадцатого века. Он начал с того, что нарисовал серию замков и сделал серию тарелок и карикатур, которые опубликовал анонимно. В 1778 году он нарисовал собор Лландаффа в Уэльсе. Эта акварель размером 129 мм на 182 мм является прекрасным образцом стиля живописца.
2.
Place de Diaghilev , Nadéra BenmansourПрямо из Орана Надера Бенмансур приехала во Францию в 1999 году, где начала рисовать акварелью. Выставляясь во многих городах, она рисует пейзажи Алжира, а также Парижа. В 2016 году Надера нарисовал площадь Дягилева в Париже акварелью 30 на 30 см, которую вы можете найти на Artsper.
Nadéra Benmansour, Place de Diaghilev , 20163.
Brown , Татьяна ИвченковаТатьяна Ивченкова — художница русского происхождения. Как только она приехала во Францию, она начала рисовать, и теперь ее работы выставляются по всей Европе. Она пишет портреты людей и использует яркую гамму цветов, что принесло ей большой успех. В 2020 году она нарисовала эту акварель размером 14 на 20 см, сделанную с использованием вариантов коричневого цвета, которые она называет 9.0012 Маррон .
Акварель Татьяны Ивченковой, Коричневый , 20204.
Пейзаж , Андре Ролан Брюдье Андре Ролан Брюдье, родился в 1921 году, начал свою творческую карьеру с резьбы по дереву, а затем, наконец, обратился к рисунку и живописи.
Он написал Пейзаж в 1960 году, это одна из немногих акварелей, которые он написал за свою карьеру художника. На этой акварели изображен неопознанный пейзаж размером 42 см на 32,5 см.
5.
Купальщица, Уинслоу ГомерУинслоу Гомер — американский художник 19 века. Этот великий художник является одним из пионеров американского реализма. Он начал с рисования женщин, городов и сельских пейзажей. Во время своих первых выставок он столкнулся с многочисленной критикой и, наконец, сосредоточился на масляной живописи и акварели. До конца жизни писал морские пейзажи. Он создал Купальщица , которая является частью его коллекции многочисленных акварелей.
Winslow Homer, The Bather6.
Marie Dieu, удваивающая точку Kerro’ch, Roger Hirsch С самого раннего возраста Роджер Hirsch был увлечен рисованием. Позже он посвятил свое время именно живописи, а точнее акварели.
Он идеально воспроизводит пейзажи, не забывая ни о каких деталях. В 2018 году он нарисовал пейзаж Пемполя, который назвал La Marie Dieu, удвоив вершину Kerro’ch . Обратите особое внимание на прекрасно выполненное отражение лодки в воде.
7.
Rue de l’hôtel Colbert à Paris, Franck Le BoulicautFranck Le Boulicaut – разносторонний художник. С 2007 года он стремился передать эмоции через свои картины. Вдохновленный художницей Бетти Эдвардс, он рисует по-своему и работает наоборот. Он написал акварель Rue de l’hôtel Colbert à Paris , работу размером 50 на 23 см в 2018 году.
Franck Le Boulicaut, Rue de l’hôtel Colbert à Paris , 20188.
Парусники на кикладском острове в Эгейском море , Константинос Софианопулос Константинос — греческий художник 20 века. . В своих работах он вдохновляется морскими пейзажами, чтобы воспроизводить их.
Художник в основном создает акварели, в частности «Парусники на краю острова Киклады в Эгейском море» в 1972 году. Эта акварель светлых тонов, являющаяся частью его флагманских работ, создает впечатление, что он пишет пейзаж, полный тумана.
9.
Женевское озеро , Джозеф Мэллорд Уильям ТернерПод своим полным именем Джозеф Мэллорд Уильям Тернер, лондонский акварелист, родившийся в 1775 году является одним из пионеров импрессионизма. В возрасте 14 лет он начал рисовать акварелью во время реконструкции церкви в городке Ванстед и начал приобретать известность. Известный своими многочисленными картинами маслом, он вскоре обратился к акварели. Он нарисовал Женевское озеро в 1840 году.
Акварель кисти Уильяма Тернера, Женевское озеро, 184010.
Пьяцца Сан-Марко , Антонио Гвидотти Антонио Гвидотти — скульптор и акварелист ХХ века.