Рисунки девушек акварелью в стиле арт: Рисунки девушек карандашом в стиле арт (57 фото) 🔥 Прикольные картинки и юмор

Содержание

Рисунки девушек карандашом в стиле арт (57 фото) 🔥 Прикольные картинки и юмор

Если вы любите рисовать людей, а в частности девушек, эта подборка подарит много новых идей. Далее предлагаем посмотреть рисунки карандашом девушек в стиле арт. Такие рисунки выглядят очень стильно и красиво. Все они разные и подойдут для художников любого уровня, стоит только определиться и повторить картинку.

Рисунок лицо девушки.

Рисунок милая девочка.

Рисунок карандашом девушка.

Картинка девушка аниме.

Рисунок карандашом девушка.

Рисунок ручкой девушка.

Лицо девушки.

Девушка с косичкой.

Картинка девушка.

Девушка в очках.

Девушка аниме.

Рисунок карандашом девушка.

Рисунок девочка.

Девушка кошка.

Девушка в стиле арт.

Девушка аниме.

Лицо девушки.

Милая девочка.

Девушка в стиле арт.

Рисунок в стиле арт.

Рисунок девушка.

Рисунок карандашом девушка.

Рисунок для срисовки девушка.

Девушка в стиле арт.

Девушка аниме.

Лицо девушки.

Рисунок девушка.

С месяцем во лбу

Красивая девушка

С открытыми плечами

С одуванчиками

Яркая блондинка

Голубые глаза

Симпатичная красота

Девушка в татуировках

С коктейлем

Девушка в цветах

Ясноглазая девушка

Стильная красотка

Прикольная прическа

Девушка в узорах

С прекрасным олененком

Красивая картина

Шикарная девушка

Длинноволосая модница

Рисунок карандашом

С совой на плече

Интересная личность

С сигаретой

Тоска

Наглый взгляд

Ариэль

В шляпе

Портрет карандашом

Огромные глаза

Стиляга

Мне нравится21Не нравится2

Будь человеком, проголосуй за пост!

Загрузка...

Рисунки девочек для срисовки (60 картинок)

Девочки 9-12 лет любят рисовать девушек и представлять какими они будут, когда вырастут, какими красивыми хотят вырасти. Далее изображены рисунки девушек для срисовки для девочек.

Портрет в блокноте

Эльза карандашом

Милая девочка в кавайном стиле

Красивое лицо

Рисунок девочки для срисовки

Портрет в профиль

Картинки для срисовки для девочек 10-12 лет

Классный рисунок девочки с большими глазами

Простым карандашом

Девочка в шапке

Портрет в анфас

Клёвый рисунок девушки карандашом

Леди Гага

Срисовка для девочек

Гламурная леди

Грустная девушка, рисунок для срисовывания

Прикольный рисунок девушки

Девочка с котом нарисованная карандашом

Классный арт девочки

Сложный рисунок девушки простым карандашом, как фото

С розовыми волосами

Красивая девочка — демон

Лёгкий рисунок девочки с кепкой

Простая картинка для срисовки

Набросок Эльзы

Рисунки для девочек 10-12 лет для срисовки

Милашка

Караоке

Рисунок девочка в шапке для срисовки 9-11 лет

Легкая картинка для срисовки

Фэнтези

Мне нравится быть странной

Девочка с ушками кошки

Зарисовка девочки в очках

Минимализм

Рапунцель

В красивом платье

Прикольное изображение цветными карандашами

В стиле аниме

В полный рост

Грусть

Рисунки девочек со спины

Картинки девочек в кавайном стиле

Арт

В пижаме

легкие в стиле swag, арт, аниме, грустные

Красивые рисунки карандашом для срисовки различаются по виду и сложности выполнения. Навык создания изображения девушки зависит от количества часов практики. Также важна усидчивость. Рисунок не начинают с деталей.

Художник работает по принципу «от общего к частному», более конкретному: от наброска к деталям. На бумаге намечается схематически место расположения всех предметов композиции. Работая со светотенью, начинать стоит с тени, она намечается в пол силы, после чего начинает вырисовываться объём. Лишь после этого тёмные места углубляются.

Пропорции женского тела

Для начала необходимо представить женское тело как каркас, основу которого составляет позвоночник. Плечи и бедра как 2 перпендикулярные ему линии, от их положения зависит поза и ощущение движения, динамики. Затем по пропорциям выстраивается женское тело.

Основные правила:

  • Длина тела имеет в себе примерно 7-8 высот голов, в зависимости от типа фигуры, а ещё 0,5 – ступни.
  • Низ таза заканчивается ровно на половине, остальное тело составляют ноги.
  • Локти находятся наравне с самой узкой частью талии, где анатомически заканчиваются рёбра.
  • Кончики пальцев рук достают до середины бедра.
  • Расстояния от таза к колену и от колена до стопы равны между собой.
  • Ширина головы соответствует объёму талии.

Чтобы лучше усвоить информацию, можно несколько раз попробовать нарисовать девушку по схеме.

Схема рисования лица

Рисунки карандашом для срисовки (девушки могут украсить личный дневник или альбом) являются той частью изобразительного искусства, которая помогает юным, начинающим художницам выработать свой стиль и направление. Однако для этого следует овладеть основами рисования людей, передачи эмоций и настроения.

В первую очередь следует определить в каком положении будет голова, от чего будет зависеть всё дальнейшее построение. Если наклон осуществляется вниз, значит нижние пропорции уменьшатся вместе с объёмом, если наклон вверх – то наоборот.

Рисунки карандашом (для срисовки девушки нужно следовать пошаговому плану, приведенному ниже) выполняются по своим законам, частью которых является правило: все линии станут округлыми и будут выгибаться в зависимости от поворота.

В составлении образа ключевую роль играют пропорции лица, по ним читаются эмоции, привлекательность персонажа:

  1. Вертикальная ось симметрии находится строго по центру для прямо смотрящего взгляда (другое название – «фас»). Опираясь на неё, измеряются все части лица, которые должны получится максимально симметричными.
  2. Основой выступает круг, который занимает две трети всего лица. Челюсть – оставшаяся треть.
  3. Третья часть делится ещё на 3, и первая треть будет заканчиваться на линии смыкания губ.
  4. Чтобы обнаружить линию глаз, всю высоту головы нужно поделить пополам.
  5. Внешние и внутренние точки глазниц должны располагаться на одном уровне.
  6. Расстояние между глазами должно быть таким, чтобы туда поместился ещё 1 глаз.
  7. Внутренняя часть радужки заканчивается на одной оси с уголком губ.
  8. Уголки глаз во вертикали находятся на одном уровне с окончанием ноздри.
  9. Чтобы добавить волосы, необходимо отступить немного вверх, так они не будут смотреться прилизанными и пропорции головы будут соблюдены.
  10. Уши начинаются по линии верхнего века и заканчиваются на уровне от кончика носа.
  11. Для определения скул ориентиром будет направление от верхней точки уха до края губ.
  12. Загиб брови соответствует направляющей от края ноздри до крайней точки радужной оболочки.

Несущественное изменение этих пропорций приведёт к появлению отличительных черт лица девушки. Например, если поднять внешний уголок глаза, появится «хитрый» взгляд. Когда основание брови поднимается, возникает ощущение открытости и незащищённости, а если опускается – злости или безразличия.

При смехе поднимается нижнее веко, тем самым немного уменьшая область глаз. Чтобы сделать улыбку неискренней или неловкой, достаточно немного опустить уголок губ, а глаза оставить серьёзными.

Одно из самых сложных в рисовании лица девушки – это глаза.

У них есть свои правила построения:

  1. Основа – глазное яблоко. Его огибают веки, которые имеют свою толщину.
  2. Разрез глаз никогда не будет симметричным и не сможет составлять 2 идеальных полукруга. У верхнего века наивысшая точка находится ближе к внутреннему уголку, наинизшая точка нижнего века – ближе к внешнему.
  3. Нижнее веко намечается двумя параллельными изогнутыми линиями, верхнее – ломаными треугольными, максимальная глубина которых находится во внутренней части.
  4. Слезник – отдельная область, веко начинает загибаться отдельно от него.
  5. Блики света делают глаза живыми. Но когда их много, взгляд кажется заплаканным, когда недостаточно – появляется ощущение пустоты и потерянности.
  6. Радужная оболочка не должна быть полностью видна, обычно она прячется немного под веками, особенно верхняя часть, которая всегда немного прикрыта. В противном случае глаза будут казаться чересчур открытыми и появится эмоция удивления или страха.
  7. Главное, чтобы был виден зрачок. Его размеры влияют на восприятие. Например, увеличение его ширины указывает на ощущение удовольствия, сужение – страха.

Если присутствуют сомнения по поводу пропорциональности фигур, есть возможность поискать в интернете похожие картинки или фото. Можно посмотреть в зеркало и соотнести реальную модель с рисунком, найдя возможные ошибки.

Как рисовать волосы

Рисунки карандашом (для срисовки девушки нужно предварительно сделать несколько набросков, чтобы потренировать руку) всегда наполнены женственностью, красотой изгибов и изящных форм.

И даже если в будущей картине она будет присутствовать агрессивная или плачущая, растерянная или высокомерная, все эти эмоции и детали будут восприниматься лишь на контрасте её женственности. Именно поэтому важной частью рисунка являются волосы. Они считаются символом красоты, поэтому правильное их отображение – важнейший аспект.

На некоторых фото или картинках может быть прикрыто лицо, девушка может быть повёрнута спиной, но всегда будут видны её волосы, особенно, если они длинные.

Существует несколько правил, которые помогут упростить процесс создания образа:

  • Необходимо представить будущую причёску, если нужно, найти примеры фото. Для удобства схематично намечается желаемый объём и длина. Чем пышнее нужны волосы, тем выше от корней они будут подниматься, при чём по всей площади головы, даже по бокам. Длинные волосы не смогут быть очень пышными поскольку имеют свой вес: чем длиннее, тем тяжелее. Исключением являются пушистые волосы афроамериканских девушек.
  • У каждого локона есть своё место и направление. Не обязательно рисовать каждый, главное, чтобы была видна общая картина и распознавалась причёска. Очень важно не бояться стереть набросок и перерисовать заново, если результат не устраивает.
  • Локоны у лица выстраивают образ девушки. Прямые – создают впечатление непосредственности и идеальности. Когда они распущены и падают на лицо, появляется ощущение небрежности, искренности и игривости. Вьющиеся волосы ассоциируются с лёгкостью и воздушностью. Короткие – означают энергичность, самостоятельность; собранный хвост – амбициозность и собранность; наличие чёлки – ранимость и незащищённость. От цвета волос зависит общее впечатление. Светлый – создаёт ощущение чистоты и лёгкости; тёмный – опытности и надёжности; рыжий– хитрости и легкомысленности. Все эти оттенки контрастируют с лицом и задают тенденции общим чертам.
  • Во время рисования пряди изображаются не прямыми или параллельными линиями, они постоянно меняют своё направление. Чтобы подчеркнуть структуру, необходимо добавиться светотень, которая в свою очередь добавит блеска и мягкости волосам. Образ будет казаться живым.

Как нарисовать девушку в профиль

Рекомендации касательно основных пропорций соответствуют правилам рисовании лица девушки в фас. Однако есть и отдельные характерные особенности.

  1. Сначала намечается круг, почти идеальный, чуть растянутый по ширине. Это будет основа, череп.
  2. Со стороны будущего лица проводится линия вниз от самой крайней точки окружности (слева или справа). Она должна занимать 1/3 от величины круга.
  3. Чтобы изобразить подбородок, необходимо провести изогнутую к низу направляющую от конца предыдущей линии до нижней точки круга. Затем эту же линию нужно провести вверх, немного наклонив по направлению, чтобы изобразить скулы.
  4. От верхушки круга отступается вниз совсем немного места, отмечается точка (это будет начало роста волос девушки). От неё по центру круга проводится вертикальная направляющая до конца подбородка. Новую линию следует поделить на 3 ровные части (примерно 2/3 будет занимать круг). По отмеченный точкам провести 4 линии перпендикулярно плоскости будущего лица.
  5. Как уже было указано, 1-я отметка – начало лба, 2-я – начало брови, 3-я будет находится под носом, 4-я – кончик подбородка.
  6. Между 2-й и 3-й точками по центру будет располагаться ухо. Оно начинается на 2-й половине окружности головы.
  7. В профиль у девушки надбровный валик и подбородок находятся на одном уровне. Для удобства следует провести направляющую. Переносица будет начинаться немного глубже её, нос – выйдет далеко за пределы, загнётся и закончится, выступая за область ориентировочной линии.
  8. Если провести линию от кончика носа до подбородка, получится направляющая, по которым будет выстраиваться объём будущих губ. Верхняя выступает чуть больше нижней.
  9. На лице молодой девушки не будет острых углов, все линии мягкие и округлые, в том числе кончик носа и выступающий подбородок.

Рисуя девушку в профиль в полный рост, необходимо придерживаться основных параметров тела. В данном случае объём фигуре будет придавать грудь и ягодицы. Для создания грациозности и женственности, следует подчеркнуть выгнутую спину.

Наиболее тонкие части тела – шея и талия, их каркасом служит позвоночник, который выгибается в виде буквы «S».

Как нарисовать девушку в полный рост

Опираясь на правила пропорций женского тела, следует представить позу и наметить направляющие. При необходимости можно взять за пример фотографию.

Туловище будет иметь 2 самые широкие и прочные части – грудная клетка и таз, их соединяет талия, которая может меняться и выгибаться. Бедра имеют форму, приближенную к ромбу. Наиболее тонкие части ног будут в коленях и лодыжках.

Особую сложность всегда представляет рисование кистей рук и лодыжек. Чтобы было легче, достаточно понять их структуру и пропорции.

  • На руке длина ладони и пальцев одинакова. Обычно мужские пальцы кажутся короче за счёт того, что они шире. Женские же – тонкие, и от этого кажутся длиннее.
  • Если соединить все точки сгиба фаланг, получится дуга. Пальцы будут разными по высоте.
  • При образном разделении пальца на 2 части, получится обнаружить основной, первый сгиб. Если вторую часть поделить ещё на 2, это будет место второго сгиба.
  • Когда проводится направляющая от места сгиба кисти до кончика большого пальца, её середина будет находиться на начале самого пальца, где выпирает кость, так наблюдается скульптура руки.

Также следует разобрать анатомию лодыжек ноги:

  • Ступня в профиль имеет треугольную форму, сужается к кончикам пальцев.
  • Пятка имеет круглую форму и выступает назад.
  • Основные точки опоры – это пальцы и пятка, между ними идёт скрепляющая дуга.
  • Если смотреть на ногу прямо, видно, что лодыжку обрамляют 2 боковые кости, причём внутренняя немного выше внешней.
  • У места соединения стопы с ногой самая узкая часть, которая расширяется по направлению к пальцам.
  • Если смотреть в фас, линия пальцев изогнута.

Главное – чтобы мелочи смотрелись органично, не обязательно вырисовывать все детали очень тщательно, иногда достаточно их просто наметить с использованием правильных пропорций.

Картинки девушки аниме для срисовки карандашом

В жанре и стиле «аниме» существуют свои правила и параметры женского тела. Всё направлено на то, чтобы создать образ милой и невинной девушки. Туловище может быть непропорционально маленьким, грудь небольшая, но ноги всегда длинные и часто фигуристые.

Что касается головы, то здесь должно создаваться ощущение, что персонаж ребёнок, даже если у него женственное тело. Форма головы треугольная, лоб увеличен, подбородок маленький и острый.

Глаза всегда большие и выразительные, по ним читается характер и настроение персонажа. Если сузить форму – получится хитрый и надменный взгляд. Наиболее чёткие и толстые линии вырисовывают вернее веко, нижнее – просто намечается схематически. Внешний уголок глаза находится очень высоко, внутренний – вообще не изображается. Брови тонкие и не выразительные.

Рот максимально упрощается, изображается маленьким и тонким, губы не чёткие и не имеют цвета, они просто малозаметны. В противном случае образ станет более взрослым и пошлым, что автоматически выводит его из жанра аниме.

Рисунки карандашом (для срисовки девушки требуется определённая точность) могут предусматривать вольность стиля.

Если фигуры персонажей, их лица и соотношения частей тела будут неестественными, это возьмёт на себя основное внимание, из-за чего основной посыл рисунка не будет передан. Для начала следует использовать карандаш как линейку. Кончик будет началом, а дальше можно определить расстояние, приложив палец к другому концу отрезка.

Следует прикладывать и измерять таким образом все величины и длины, чтобы определить пропорции и отобразить их на своём рисунке. Это, в свою очередь, отнимет много времени, но научит понимать пропорции, и вскоре можно будет обходиться без «линейки».

Если сложно, можно попробовать приложить лист бумаги к экрану монитора или телефона и наметить линии поверх просвечивающегося листа бумаги.

Грустные рисунки

Чтобы нарисовать грустного персонажа, следует воспользоваться следующими советами.

Арты для срисовки карандашом

Примеры создания красивых эскизов девушек:

Рисунки в стиле swag

Рисунки карандашом в стиле swag подразумевают создание образов чёткими черными линиями, детали для срисовки максимально упрощены. Особое внимание уделяется глазам и волосам девушки.

Сам swag — это уличный хип-хоп стиль одежды, где белый считается самым модным после золотого. Девушки на таких рисунках самолюбивы и проявляют сексуальность. Раскрепощённость выражается во всём – положении тела, жестах, эмоциях на лице.

Сравнивая рисунок и фотографию, можно заметить, что если классическое, традиционное изображение девушки может напоминать, скорее, случайное фото или наблюдение художника-фотографа, то здесь, в стиле swag, зачастую, в рисунке уже предусмотрено, что девушка знает, что её рисуют, либо она изображает саму себя.

Девушки на таких рисунках могут изображаться делающими селфи, целующими «объектив», позирующими.

Существует множество различных стилей изображения, выполненных карандашом. Несмотря на их разнообразие, имеются общие правила, позволяющие создавать рисунки для срисовок девушек, парней, людей в целом и вообще живых существ узнаваемыми, реалистичными, эмоциональными и максимально соответствующими задумке автора.

Оформление статьи: Владимир Великий

Видео о рисовании девушки карандашом

Как рисовать волосы девушке карандашом:

44 фото идеи и видео инструкция как нарисовать

Если представить, что лицо — это холст, а косметика — краски, то макияж может превратиться в фейс-арт. Готовы к бьюти-экспериментам? Тогда определяйтесь с жанром, а мы покажем вам референсы и подскажем, как добиться желаемого результата

Если вас не смущает смелый, акцентный макияж, то можно выходить на новый уровень — создавать на лице рисунки. Конечно, фейс-арт не является решением на каждый день, но повод для демонстрации подобных образов всегда можно найти.

© Icon Face

В этой статье мы подробно расскажем о том, какими средствами пользоваться для создания на лице самых разных рисунков, а также поделимся фотопримерами, которые можно повторить самостоятельно.

Легкие рисунки на лице

Не стоит воспринимать фейс-арт исключительно как создание «картин» на лице. Творчески можно подойти даже к созданию смоки-айз или рисованию стрелок.

© Icon Face

Например, сделайте линии необычно широкими. Откажитесь от привычных острых хвостиков. Перенесите акцент на внутренние уголки.

© Makeup.ru

© Makeup.ru

© Makeup.ru

© Makeup.ru

Или, скажем, вместо одной стрелки нарисуйте две или даже три — причем не одинаковые, а разные по форме, ширине и другим параметрам.

© nyxcosmetics

Можно и вовсе выйти за пределы устоявшихся представлений о макияже. Пусть веки украшают яркие кляксы, брызги, акварельные разводы, цветовые пятна, напоминающие работу художника-граффитиста, и другие эффекты, которые не назовешь традиционными для макияжа.

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© Icon Face

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

По такому же принципу можно «поиграть» и с макияжем губ. Попробуйте с помощью карандаша как бы сдвинуть контур губ. Можно оригинальным образом украсить «арку Купидона». Еще одно экспериментальное решение — «стереть» губы с помощью консилера или плотного пигмента телесного оттенка, а поверх нарисовать что-то новое. Например, продолжение рисунка на щеках. Среди других вариантов — голографические разводы, подтеки краски, сверкающие звезды... Выбор ограничен лишь вашей фантазией.

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

Решившись на креативный макияж губ, посмотрите это видео — возможно, вы найдете вполне реальный источник вдохновения.

Примеры с модных показов — еще один ориентир для любителей бьюти-экспериментов. Обратите внимание на необычные стрелки, похожие, скорее, на перо райской птицы, с шоу Prada; неординарную двойную подводку от Sies Marjan; цветную графику в макияже Eudon Choi и «блочный» макияж глаз от Louis Vuitton. Художественный подход к оформлению губ был замечен и на показах Self Portrait и Maison Margiela, где визажисты использовали необычные оттенки помады.

© Icon Face

Вернуться к оглавлению

Красивые рисунки на лице

Художественные рисунки, особенно если они крупные, создают на лице эффект красивой карнавальной маски. В этом смысле такой макияж произведет фурор на тематической вечеринке, но вряд ли будет уместен в повседневной жизни.

© Icon Face

Как нельзя кстати масштабный фейс-арт будет там, где запланировано перевоплощение гостей.

© nyxcosmetics

Берите за основу образа романтические, сказочные мотивы. Судя по работам визажистов и бьюти-блогеров, удачно выглядят на лице цветочные рисунки — витиеватые узоры с бутонами, стеблями, листочками, каплями росы и другими нежными деталями.

© Makeup.ru

В рисунках на лице можно использовать и восточные мотивы. Один из вариантов — узоры мехенди, которыми обычно украшают руки. Если вы любите этнические орнаменты, примерьте варианты в духе африканских или латиноамериканских племен. Еще одна опция — древнеегипетский макияж, в котором используют символы и рисунки с барельефов и памятников времен фараонов.

© nyxcosmetics

Красивыми и необычными будут рисунки в духе одного из последних бьюти-трендов. Мы говорим о космическом макияже — с мерцающими созвездиями, загадочными туманностями, далекими планетами и другими красотами Вселенной.

© Makeup.ru

Еще одна тенденция — макияж русалки: внимание к #MermaidMakeup привлекают имитация рыбьей чешуи, перламутровые и голографические переливы, а также необычная цветовая гамма, включающая синий, фиолетовый, зеленый и многие другие оттенки.

© nyxcosmetics_russia

Среди модных направлений в макияже оказался стиль поп-арт, превращающий девушек в героинь картин Роя Лихтенштейна, вдохновением для которого служили комиксы. Для таких рисунков на лице характерна обводка контуров черным цветом.

© Makeup.ru

Вернуться к оглавлению

Страшные рисунки на лице на Хэллоуин

Хэллоуин — тот самый случай, когда рисунки на лице точно к месту. Это самый бюджетный способ примерить страшный образ, ведь с фейс-артом можно обойтись и без костюма.

© Makeup.ru

Выполняя тематический макияж на Хэллоуин, обычно ограничиваются палитрой из трех цветов — белого, черного и красного. Это может быть кровавый мейкап с порезами, рваными ранами, ссадинами и другими страшными повреждениями.

Можно выбрать образ скелета или его более женственную вариацию — макияж калавера (переводится как «сахарный череп»). В последнем детали рисунка с черепом украшают узорами и цветами.

© nyxcosmetics

© nyxcosmetics

Не менее актуальными в День всех святых будут образы мертвой невесты, монашки, куклы, клоуна, зомби. Все они предполагают создание полноценного грима, над которым интересно работать и результат которого всегда впечатляет.

© nyxcosmetics

Вернуться к оглавлению

Маленькие рисунки на лице

Можно не превращать макияж в полноценный фейс-арт и ограничиться мелкими рисунками, которые интересно дополнят образ.

© Makeup.ru

Это могут быть звездочки, снежинки, сердечки, мелкие изображения сладостей, предметов одежды, косметики и любые другие вещи, способные создавать нужное настроение. Примеры — в этом видео.

Положительно воспринимаются и смешные рисунки на лице — ирония никогда не будет лишней в таком творческом деле, как фейс-арт.

Вернуться к оглавлению

Чем делать рисунки на лице?

Не обязательно пользоваться профессиональным гримом. Главное, чтобы средства были яркими и стойкими, как, например, SFX Créam Colour от NYX Professional Makeup. Это кремовые пигменты, представленные в широкой палитре цветов.

© nyxcosmetic.ru

К тому же их можно смешивать друг с другом и получать оттенки, которых не найти в готовых наборах косметических средств. Пригодиться могут и рассыпчатые пигменты с сияющим шиммером и более крупными частицами глиттера. У того же NYX Professional Makeup они тоже есть.

© nyxcosmetic.ru

Если же под рукой есть только ваша базовая косметичка, то и в ней найдутся средства для фейс-арта.

  1. 1

    Подводка

    Создавать рисунки на лице подводкой очень удобно. Это самое подходящее средство для работы с линиями, узорами, орнаментами и надписями. Выбирайте средства с водостойкой текстурой, чтобы рисунки не смазывались.

    © Makeup.ru

  2. 2

    Карандаш

    Если вы не сторонница графичных четких линий, то рисовать можно и карандашами. В большинстве случаев это позволяет выполнять растушевку, что расширяет простор для творчества.

    © Makeup.ru

  3. 3

    Тени

    И рассыпчатые, и прессованные, и кремовые — пригодятся любые. Это основной рабочий материал для получения ярких, цветных рисунков, создания эффекта градиента или выразительного колор-блокинга.

    © Makeup.ru

  4. 4

    Помада

    Современное разнообразие текстур делает помады универсальным материалом для применения в фейс-арте. Классические кремовые понадобятся тем, кто хочет получить слегка влажный «финиш», а модные жидкие помады с матовым эффектом, помимо красивого и насыщенного цвета, обеспечат рисункам еще и рекордную стойкость.

    © Makeup.ru

  5. 5

    Фиксатор

    Спрей, который наносится поверх макияжа с целью его закрепления, — это must have для мейкапа с любыми рисунками — легкими и посложнее, маленькими и крупными. Без него результат едва ли «проживет» дольше пары часов.

Чтобы набить руку в техниках рисования, смотрите обучающие видео и практикуйтесь, стараясь повторить понравившиеся фотопримеры.

Вернуться к оглавлению

Картины Акварель на холсте, каталог акварельных рисунков.

Картины Акварель - разливы красок в дизайне интерьера

Воздушные и будто живые, слегка размытые, словно мы смотрим сквозь дымку тумана или пелену дождя, поразительно реалистичные, с четко прорисованными деталями - таким живописным разнообразием поражают картины акварелью. Все зависит от техники, стиля и мастерства автора.

Последнее время чрезвычайную популярность завоевали акварельные градиенты и абстракции. Причудливые композиции, которые, кажется, появились абсолютно случайным образом, благодаря небрежному взмаху кисти. Здесь мы видим брызги краски, потеки, штрихи, росчерки, будто художник в эмоциональном порыве просто выражал свои чувства. Тем не менее, такие композиции невольно приковывают взгляд, являя глазам эстетику цвета. Подобные сюжеты "раскрашивают" самые разнообразные помещения: от офисов до спален и творческих студий. Если говорить о стиле, акварельные абстракции зачастую покупают для декорирования таких стилей, как контемп, фьюжн, бохо. Кроме того, с помощью фантазийного сюжета можно запросто освежить множество современных композиций.

Многие, наверняка, замечали разноцветные кляксы и разливы краски на стенах, на холстах, в дизайне текстильных изделий. Такой эффект чаще всего получается с помощью акварельных красок. И мировые дизайнеры уже который год относят акварельный градиент и красочные абстракции в число трендовых. Такие живописные принты мы можем заметить во многих современных интерьерах, что, несомненно, придает им творческих ноток.

Живопись акварелью предполагает набор различных техник, каждая из которых способна создавать восхищающие композиции. При этом подобные рисунки требуют бережного хранения и в качестве декора не во всех случаях способны пройти испытание временем. Современные технологии позволяют перенести и увековечить полюбившееся изображение на холсте.

В нашей студии вы можете купить картину Акварель, выбрав изображение из каталога или загрузить свой рисунок для печати. Красочные пейзажи, портреты, выразительная графика, цветы - вся красота окружающего мира замечательным образом передана акварелью и может преобразить дизайн интерьера.

девушки ✍ 100 фото прикольных шаблонов и образцов картинки девушек для срисовки карандашом

Красивая нарисованная девушка – цель многих людей, занимающихся рисованием. При правильном подходе эта цель вполне достижима. Рисунки для срисовки девушки бывают самые разные: одна или несколько милых девочек подруг, девушка с веснушками, в наушниках, с длинными или короткими волосами – фантазия здесь не знает границ.

Однако, какая бы картинка ни была выбрана, важно, чтобы она соответствовала вашему уровню рисования. Лучше поначалу выбирать простые рисунки девушек для срисовки, переходя к более сложным вариантам. 

Содержание материала

Легкие рисунки

Для начинающих художников рекомендуется выбирать легкие картинки для срисовки девушек. Лучшие варианты – это рисунки, сделанные карандашом и не требующие четкой прорисовки деталей. Например, старайтесь не брать те изображения, где необходимо прорабатывать лицо. Делайте все постепенно и выбирайте рисунки карандашом, девушек на которых вы смогли бы срисовать. 

Рисунки карандашом

Как уже упоминалось, рисунки карандашом для срисовки девушки идеально подходят для тех, кто только начинает рисовать. Вы можете легко исправить все неточности при помощи ластика и понять основные принципы рисования. Однако есть и очень сложные картинки для срисовки карандашом (девушки изображены с различными деталями, с учетом законов перспективы и света). 

Популярные рисунки

Популярные варианты для рисования – картинки для срисовки девушки в стиле арт. Среди них много крутых изображений на любой вкус. Рисованная девушка в этом случае выглядит ярко, красочно и более живо. Однако арт-стиль подходит более опытным художникам. 

Подводим итоги

Не важно, что вы выберите: картинки девушек карандашом, красками, ручками или маркерами – главное, чтобы вы знали все правила рисования и пропорции человека. В этом случае красивые девушки для срисовки будут для вас простой задачей. Идеальная девушка для срисовки – это та, которая вам понравилась. Процесс рисования должен приносить вам радость и удовольствие, только так можно надеяться на хороший результат.

Мастер класс по рисованию в Новосибирске. Интерьерные картины. Живопись акрилом на больших форматах

Стоимость мастер-класса зависит от размера холста:
1950 руб - холст формата 30/40 см
2500 руб - холст форматом 40/60 см
форматы, свыше 40/60 требуют двух дней работы:
3900 руб - холст формата 50/70 см
4130 руб - холст формата 60/80 см

*отдельно дополнительный день дорисовки будет стоить 1300 руб
**так же можно согласовать любой другой размер холста на ваш выбор и даже форму)
***предварительно обязательно нужно согласовать фотографию, на которой может быть один или два человека 

"POP-ART", как стиль в живописи, развивается свободными художниками. Цель “поп-арта” вернуться к реальности, от которой отступили абстракционисты. Для нас же это возможность научиться переносить фотографию, изучать контуры лица, работать с акрилом, сочетать цвета. Главное ощущение своего творения, с добавлением нотки своих ценностей. Ведь мы не пишем портреты актеров, а пишем портреты семьи, себя, друг друга, близких людей) Особенностью стиля являются яркие цвета, но вы подбираете именно те, что по душе вам! Стиль собрал вокруг себя множество противоречий. У него есть не одно течение и  характер выполнения. Предлагаем вам окунуться, придумать идею своей картины, выбрать фото и создать объект современного искусства)

Чтобы реализовать такую смелую идею, нужно немного магии, смешанной со современными технологиями - отправляйте нам фотографию и мы всё подготовим, обработаем изображение определенным образом, чтобы вам было легко перенести портрет на холст. А дальше самое интресное - создаете фон и прорабатываете детали. 

Но помните, что от вашего фото очень много зависит. Поэтому лучше чтобы это был портрет, где четко видны контуры лица и тела) на нем можете быть один, двое или трое человек.
Требования к фотографии:
- максимально качественное, светлое фото
- высокого расрешения (размер фото)
- без наложенных фильтров

23 художника-акварелиста, о которых вы должны знать

Его популярность, возможно, объясняется тем фактом, что начать создавать произведение искусства с помощью этой техники довольно просто, поскольку все, что нужно, - это краски и, как правило, бумага . Есть много художников, которые являются «акварелистами» только по призванию, но гораздо большее их число включает этот вид художественного творчества в качестве дополнения к своему мультимедийному творчеству. По определению акварель - это разновидность живописи Fine Art , в которой цветные пигменты являются частью раствора на водной основе.В отличие от других веществ, которые использовались в прошлом, в основном это гуммиарабик, поэтому эти частицы можно смешивать с такими добавками, как глицерин, мед или бычья желчь, для достижения различных визуальных качеств (например, пластичности и растворимости). Некоторые считают, что другие носители, использующие воду в качестве растворителя, являются частью более обширного семейства акварелей, например кисти, перо, чернила, темпера и гуашь, и даже современные акриловые краски.

В акварельной живописи цветные пигменты обычно наносятся на бумагу, хотя многие художники используют другие основы, такие как пластик, ткань, папирус, холст, дерево, пергамент и камень.Это разнообразие в сочетании со многими способами создания пигмента в зависимости от того, сколько воды или цвета было использовано, предоставляет среде множество возможностей. Эксперименты с яркостью и прозрачностью, а также со спонтанностью всего этого могут принести разные результаты, которые будут одинаково завораживающими, что и делает акварель такой уникальной и вечнозеленой.

История акварельного искусства

Истоки акварельной живописи можно найти еще в каменном веке, когда на наскальных рисунках, сделанных человеком эпохи палеолита, стены были окрашены охрой и углем.Когда в четвертом тысячелетии до нашей эры в Египте был изобретен папирус, акварель приобрела популярность, хотя из-за своей хрупкости многие работы того времени теперь утеряны. Этот медиум также был важной частью истории азиатского искусства на протяжении тысячелетий, начиная с первых примеров в китайском искусстве около 4000 г. до н.э., и был очень популярен в Японии и Корее.

В то время как на этом континенте акварель использовалась в декоративных целях, в западном искусстве акварель использовалась для создания подготовительных эскизов.В эпоху Возрождения года были созданы культовые акварели Альбрехта Дюрера, в том числе всемирно известный «Молодой Заяц» 1502 года. Работы немецкого художника являются одними из самых ранних примеров акварели и охватывают множество тем из флоры и фауны. к пейзажу. После этого периода акварель стала настоящим видом искусства в конце 18 века с так называемой английской школой. Представляем вам то, что мы теперь называем «Золотым веком акварели», пейзажей художников, таких как Томас Гиртин, Пол Сэндби и Джозеф Мэлфорд Уильям Тернер, прославили эту технику, используя ее для печати книг, популяризации картин дикой природы и растений, а также создавать, среди прочего, ручные акварельные оригиналы или копии своих более крупных произведений искусства.Их вклад привел к созданию многих обществ акварельной живописи - например, Королевского общества акварелистов (RWS) и Королевского института художников акварели - и послужил толчком для многих творческих и технических инноваций. Они также достигли другой стороны Атлантического океана, так как акварель стала популярной в Америке.

С приходом авангарда в 20 веке , многие известные художники по всему миру стали рисовать акварелью как часть своей практики, очарованные широким спектром возможностей быть оригинальными.Однако, что разочаровывает в этом виде искусства, несмотря на большой интерес к нему со стороны художников, как и почти все другие аспекты мира искусства, так это то, что благодаря самим своим характеристикам он может быть выставлен в музеях и галереях только на некоторое время. довольно ограниченный период времени. А именно, акварель тускнеет намного быстрее, чем, скажем, масляная краска при воздействии света, а легкость их поддержки ставит под угрозу существование произведения искусства, если с ним неправильно обращаться или слишком часто перемещать.

Возможно, именно поэтому мы не могли придумать знаменитую акварель с головы до ног, но хорошая новость заключается в том, что они определенно существуют, и в этой статье мы продемонстрируем известных художников, которые использовали эту очаровательную технику в качестве обоих первичный или менее важный, чтобы отразить его обширность и яркость.

Известные художники-акварелисты

Альбрехт Дюрер

Художник, гравер и теоретик немецкого Возрождения, Альбрехт Дюрер был пионером акварельной живописи , рано осознав ее потенциал. Его многочисленные темы изображения включают топографию, растения, пейзажи, кавалеров, обнаженных тел и животных, самая известная из которых - вышеупомянутый «Молодой Заяц». Эта работа отмечена впечатляющими деталями и тем, как художник использовал цвета для создания контраста.

Альбрех Дюрер, Заяц, 1502 г. Google Art Project

Уильям Блейк

В основном известный как английский поэт, Уильям Блейк также был гравером и художником-акварелистом. Его эксперименты с этой техникой были нетрадиционными, отличавшимися от традиционных методов, используемых его современниками в 19 веке - он обычно сначала рисовал графитом или пером и тушью, а затем наносил акварели. Возможно, самая известная, но неполная коллекция акварельных работ - это иллюстрации, которые он сделал к «Божественной комедии» Данте 1826 года, за год до его смерти.

JMW Тернер

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер, также известный как Дж. М. В. Тернер, оставил после себя более 2000 акварелей. Многие из них передают «дух» определенного места, а не передают его правдиво, что является лишь одной из причин, почему он является одним из самых любимых художников Великобритании. Свидетельством его большого таланта в этой области является тот факт, что его самая первая акварель под названием «Вид на дворец архиепископа в Ламбете» была принята на летнюю выставку Королевской академии в 1790 году, когда Тернеру было всего 15 лет.

Дж. М. У. Тернер, Клэр-холл и западный конец часовни Королевского колледжа, Кембридж, на берегу реки Кэм, 1793 г. Йельский центр британского искусства

Джон Констебл

После 1829 года знаменитый британский художник Джон Констебл предпочел работать акварелью, а не масляными эскизами, которые он делал до этого. Они следуют его фирменным натуралистическим традициям и, кажется, проявляют особый интерес к тому, как меняется атмосфера в небе.Он часто изображал это, используя непрозрачные пигменты и более толстые кисти, возможно, чтобы передать более темную среду.

Джон Констебл - Стоунхендж, 1835. Музей Виктории и Альберта

Элизабет Мюррей

Элизабет Мюррей, одна из самых выдающихся британских художников-акварелистов, десять лет жила на Канарских островах, поэтому, естественно, многие ее работы вдохновлены пейзажами и людьми Марокко и Андалусии.Обучаясь этому ремеслу у своего отца Томаса Хипи, она разработала узнаваемый стиль и использовала «традиционный английский метод» - она ​​накладывала тонкие слои тщательно смешанных цветов, чтобы создать эффект цвета и глубины. Элизабет Мюррей также является основательницей Общества женщин-художников в Лондоне.

Элизабет Мюррей, Акварель пейзажа Марокко, 1849 г. Wikimedia Commons

Уинслоу Гомер

На волне акварели, охватившей Америку в 19 веке, Уинслоу Гомер начал создавать их в 1873 году, после чего они стали неотъемлемой частью его творчества.Хотя его первые образцы не понравились критикам, их все больше и больше продавалось, будь то оригинальные произведения искусства или подготовительные эскизы к его картинам маслом.

Уинслоу Гомер, Зеленый холм, 1878. Национальная художественная галерея

Поль Сезанн

В стремлении Поля Сезанна исследовать возможности цвета акварель играла важную роль. Это были этюды для его картин и часто были ключом к пониманию этих работ, но они предлагали ему эстетику, которой живопись просто не могла достичь.Зная все это, мы все еще могли рассматривать их как настоящие произведения искусства сами по себе, чем к концу творчества художника они и были. Самыми яркими образцами акварели Сезанна являются акварели Мон-Сент-Виктуар, недалеко от Экс-ан-Прованса.

Поль Сезанн, Автопортрет, около 1895 г. Собрание Файльхенфельдта.

Винсент Ван Гог

Винсент Ван Гог познакомил с акварелью Антон Мауве, его троюродный брат, который взял его на учебу.Эта встреча привела к тому, что голландский художник создал около 150 работ, большинство из которых были этюдами для его крупномасштабных картин. Они помогли ему усовершенствовать свои навыки, хотя Ван Гога они никогда не производили впечатления; в письмах, которые он отправлял своему брату Тео, мы можем ясно видеть, что он не считал их шедеврами, но все же верил, что «в них есть некоторая обоснованность и правда, во всяком случае больше, чем то, что я делал до сих пор . »

Винсент Ван Гог, Цветущее персиковое дерево / Цветущее персиковое дерево, 1888.Музей Ван Гога

Рода Холмс Николлс

Многие акварельные работы Роды Холмс Николлс были награждены, выставлены в известных учреждениях и опубликованы в журналах, что принесло известность обеим ее родным странам, Великобритании и США. Среди них ярко нарисованные пейзажи, морские пейзажи, портреты и натюрморты, многие из которых популярны и сегодня.

Рода Холмс Николлс, лагерь у горы Кока, Кафрария, мыс Доброй Надежды, Южная Африка, около 1881-1884 гг.Wikimedia Commons

Джон Сингер Сарджент

Следуя по стопам другого великого художника, Дж. М. В. Тернера, Джон Сингер Сарджент также написал более 2000 акварелей, хотя при жизни он принял участие только в двух выставках, посвященных этой среде, любезно предоставленных галереей Knoedler. Его приключение с живописью началось, когда ему было 44 года, в 1900 году, во время многочисленных поездок в Северную Африку, на Ближний Восток и, возможно, в первую очередь в Венецию, Италия, где сейчас у нас есть много акварелей, написанных Сарджентом.Художник также применил необычный подход к технике, используя различные средства для достижения световых эффектов, одним из которых было то, что он «растирал друг друга влажными смывками, сохраняя при этом белый цвет бумаги для света».

Джон Сингер Сарджент, Сиеста гондольеров, 1904 год. Частная коллекция, любезно предоставлено галереей Adelson.

Эмиль Нольде

Немецко-датский художник Эмиль Нольде был членом группы Die Brücke, которая в начале 20 века активно занималась исследованиями цвета и абстракции.Помимо картин, написанных маслом, он также создавал выразительные акварели, часто изображая море, используя глубокую насыщенность и интенсивный выбор цвета. Несмотря на то, что он разделял взгляды нацистской партии, его работы считались «дегенеративными» и запрещались в музеях. Ему не разрешали рисовать во время Второй мировой войны, но, тем не менее, за это время он создал сотни акварелей.

Джон Марин

Как и многие американские художники его времени, Джон Марин отправился в Европу, чтобы вдохновиться этим, и, в конечном итоге, эта поездка привела его к очень абстрактному виду акварели.Иногда, основываясь на его неудачных исследованиях архитектуры, эти произведения искусства достигают почти абсолютной абстракции за счет использования цвета и игры с полупрозрачностью и прозрачностью. Марин даже относился к своим маслам как к акварелям, создавая картины, которые были одними из первых примеров абстрактного искусства.

Джон Марин, Обложка 291, № 4, 1915 г. Wikimedia Commons

Пауль Клее

То, что характеризует акварели Пауля Клее, одного из самых значительных художников прошлого века, - это чисто абстрактные формы, которые объединяются, образуя репрезентативные пейзажи.Примитивные, но в то же время очень выразительные, произведения создают впечатление трехмерности, влияя на взгляд зрителей и бросая вызов нашему восприятию. Акварели Клее также иногда украшены настоящими линиями, которые создают границы между окрашенными поверхностями, что еще больше направляет нас к его видению.

Пауль Клее, Föhn im Marc'schen Garten, 1915. Lenbachhaus

Эдвард Хоппер

Эдвард Хоппер, один из самых известных реалистов Америки, отличался акварелью.Он начал делать их в 1920-х годах в Массачусетсе по предложению коллеги-художников Джо Нивисон, которая позже стала женой Хоппера. Действительно, именно акварелью художник впервые получил признание критиков, когда ему было за 40, и они обычно изображают дома, здания и маяки, которые он видел во время своих путешествий.

Чарльз Демут

В отличие от многих своих коллег, Чарльз Демут обратился к маслу только после работы с акварелью.Обладая уникальной чувственностью, он создавал картины фруктов, цветов и овощей, смутно вдохновленных кубизмом. Позже в своей карьере Демут также изобразил свой гомосексуальность и сексуальные подвиги с помощью акварели, прежде чем умер в возрасте 51 года из-за проблем со здоровьем.

Чарльз Демут, Турецкая баня с автопортретом, 1918 год. Wikimedia Commons

Джорджия О’Кифф

Американская художница Джорджия О’Киф в период с 1916 по 1918 годы работала главой художественного факультета в Государственном колледже Западного Техаса.В свободное время она рисовала акварелью как техасский пейзаж, так и обнаженные тела. Многие критики считают эти годы решающими в художественном развитии художницы, поскольку именно тогда она решила посвятить себя абстракции, которая затем была переведена на ее культовые картины. Фирменные абстрактные формы и градиенты цвета О’Кифф можно увидеть с рождения в ее акварельных красках, демонстрируя совершенно безупречную эстетику.

Джорджия О'Киф, Восход солнца, 1916 год.Wikimedia Commons

Эгон Шиле

Австрийский вундеркинд Эгон Шиле прожил всего 28 лет, но ему удалось создать наследие, которое оставит след на многие годы вперед. Несколько сотен картин маслом и около 3000 рисунков и акварелей - вот что можно найти в его творчестве. Большинство из них - портреты и автопортреты художника, чувственные и чувствительные одновременно, сочетающие смелую подкладку с пастельными тонами. Все это собрано в чудесной книге, написанной Джейн Каллир, автором каталога raisonne Шиле.

Эгон Шиле, Liegender weiblicher Akttorso, 1910. Частное собрание, любезно предоставлено Ричардом Надь, Ltd.

Реджинальд Марш

Американский художник, родившийся в Париже, Реджинал Марш известен своими живописными городскими пейзажами. За свою карьеру он написал много акварельных работ, многие из которых связаны, пожалуй, с его самой узнаваемой темой: Нью-Йорком. Помимо зданий и культурных достопримечательностей, Марш также изображал безработных мужчин из Бауэри, многолюдные пляжные сцены Кони-Айленда, а также девушек в стиле бурлеск и водевиль.

Марк Ротко

Для Марка Ротко акварель представляла собой средство перехода между фигурацией и абстракцией. Из соцреализма художник стал очень нефигуративным, и акварель не могла быть лучшей платформой, на которой он мог бы практиковаться в создании своих легендарных цветовых полей. Некоторые из них изображают сцены из естествознания, его этюдов; другие отражают его интерес к учениям Юнга и Фрейда.Некоторые из них также являются намеком на сюрреализм, поскольку Ротко на короткое время был частью этого движения.

Эндрю Уайет

Эндрю Уайет познакомился с акварелью через своего отца, известного иллюстратора Н.С. Уайета. Это оказалось весьма плодотворным для художника, поскольку его первая персональная выставка полностью акварельных работ в галерее Macbeth в Нью-Йорке была распродана в 1937 году, когда Уайету было всего двадцать лет. Будучи отчетливо реалистичными, если следовать его общему стилю, работы изображают жизнь Уайета, то, что он рисовал всю свою жизнь, по его собственному признанию.

Фрэнк Уэбб

Член Американского общества акварелистов, Фрэнк Уэбб - один из немногих художников, посвятивших всю свою карьеру одной среде. Он создает акварели и обучает тому, как это делать, с 1973 года, а также является автором трех учебных пособий по живописи. Искусство Уэбба энергично, мягко говоря, часто изображает дома и здания в ярких цветах, вызывая чувство безмятежности.

Ансельм Кифер

Хотя Ансельм Кифер в основном работает с картинами и скульптурами из необычных материалов, таких как свинец, шеллак и глина, он также является автором гораздо более ярких и открытых работ в форме акварели.К собственному удивлению художника, они пропитаны цветом и обычно изображают женщин. Кифер не всегда создает их, поэтому они довольно редки, 20 из них принадлежат коллекции Метрополитен-музея.

Трейси Эмин

Художница, черпающая вдохновение в собственной жизни, Трейси Эмин - известная фигура YBA, в творчестве которой акварель занимает значительное место. На протяжении своей карьеры она создала множество серий: «Пурпурная девственница», «Берлинские акварели», которые она демонстрировала на своей выставке приза Тернера в 1999 году, и серия «Аборт», написанная в 1990 году и знаменующая болезненный период в ее жизни. жизнь, будучи одним из них.

Следите за обновлениями журнала Kooness, чтобы узнавать больше интересных новостей из мира искусства.

20 лучших женщин-исполнителей всех времен

1 Элизабет Луиза Виже Лебрен (французы, 1755–1842 гг.)

Элизабет Луиза Виже Лебрен, полностью самоучка, стала художницей, несмотря на серьезные препятствия (как и любая другая женщина в Париже конца 18 века), и была активна в самые неспокойные времена в истории Европы.С вмешательством Марии-Антуанетты она была принята во Французскую академию в юном возрасте 28 лет как одна из четырех женщин-членов. Виже Ле Брен особенно хвалили за ее симпатичные портреты аристократических женщин, которые считались более естественными, чем работы ее современников. Вынужденный бежать из Парижа во время революции, художник путешествовал по Европе, получая впечатляющие заказы во Флоренции, Неаполе, Вене, Санкт-Петербурге и Берлине, прежде чем вернуться во Францию ​​после урегулирования конфликта.

На фото: Элизабет Луиза Виже Лебрен, Автопортрет в соломенной шляпе (1782).

2 Мэри Кассат (американка, 1844–1926)

Мэри Кассат, одна из трех женщин-художников и единственная американка, официально связанная с импрессионизмом, также была неоценимым советником, помогая познакомить европейское искусство с основными коллекционерами в Соединенных Штатах. Кассат твердо верила, что живопись должна отражать современную жизнь.Ее современная женщина мастерски передана на картине 1878 года «« В лодже »», первой работе импрессиониста, которую художник выставил в Соединенных Штатах. Многие художники-мужчины изображали женщин в театральных ложах как объекты демонстрации, но главная героиня Кассат играет динамическую роль, участвуя в акте взгляда. Тем не менее мужской взгляд преобладает, так как издали седой театрал смотрит прямо на нее в свой бинокль. Как зритель и наблюдатель, мы замыкаем круг.

На фото: Мэри Кассат, In the Loge (1878), Министерство иностранных дел Бостона.

3 Хильма аф Клинт (шведка, 1862-1944)

Только после того, как в Музее Гуггенхайма был проведен крупный обзор ее работ, Хильма аф Клинт наконец получила широкое признание как выдающийся пионер абстрактного искусства; ее самые ранние абстрактные композиции были выполнены за много лет до произведений Василия Кандинского, Казимира Малевича и Пита Мондриана. Выставка « Hilma af Klint: Paintings for the Future » с октября 2018 по апрель 2019 года представляла собой множество больших, ярких, немного волшебно выглядящих абстрактных работ и остается самой посещаемой выставкой Гуггенхайма за всю историю.

Аф Клинт родилась в Стокгольме и училась в Городской Королевской академии изящных искусств, которую окончила в 1887 году и стала широко известна своими фигуративными работами и служила секретарем Ассоциации шведских женщин-художников. В это время спиритизм и теософия набирали силу, поскольку люди, в том числе Аф Клинт, искали способ примирить религию со многими недавними научными достижениями. Эти системы убеждений вдохновили ее первую большую группу нефигуративных, необъективных работ.Названный Картины для Храма, 193 картин были созданы между 1906 и 1915 годами и исследовали дуалистическое восприятие творения, эволюции и Вселенной. Аф Клинт, который планировалось установить в спиральном храме, потребовал, чтобы произведения не показывались раньше, чем через 20 лет после ее смерти. Эти картины, наряду с некоторыми из ее более ранних работ, составили основную часть выставки в Гуггенхайме - спиральном святилище само по себе.

На фото: Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, No.7, Adulthood (1907).

4 Джорджия О'Киф (американка, 1887-1986)

Известная фигура американского модернизма, в 1915 году Джорджия О'Киф была одним из первых американских художников, создавших чисто абстрактное произведение искусства, в отличие от доминирующего движения американского реализма. В произведении Music, Pink and Blue 1918 года О'Киф абстрагируется от цветочного сюжета с экстремальной обрезкой, создавая арку из разноцветных лепестков, гудящих с музыкальной энергией, предполагаемой названием.Теории русского художника Василия Кандинского частично вдохновили О'Киф на исследование «идеи о том, что музыку можно переводить во что-то для глаз», чтобы достичь чистого выражения, свободного от других внешних ссылок.

На снимке: О'Киф позирует с тазовой серии красный с желтым (1945) в Альбукерке, штат Нью-Мексико, в 1960 году.

5 Августа Сэвидж (американка, 1892-1962)

Новаторский скульптор, связанный с Гарлемским Возрождением, Августа Сэвидж также была влиятельным учителем и активистом, выступавшим за равные права афроамериканцев в искусстве.Сэвидж родилась недалеко от Джексонвилля, Флорида, в 1921 году переехала в Нью-Йорк, чтобы изучать искусство в Cooper Union, опередив 142 человека в очереди на ее место в колледже. В 1923 году Сэвидж подала заявку на участие в летней художественной программе, спонсируемой французским правительством, но в конечном итоге была отклонена из-за ее расы. Так началась ее пожизненная борьба за демократизацию и уравнивание искусств. Один из ее первых заказов, бюст В. Э. Б. Дюбуа для Гарлемской библиотеки, был хорошо принят, и Сэвидж приступила к лепке других афроамериканских лидеров, включая Маркуса Гарви и Уильяма Пикенса-старшего.

В 1929 году ее скульптура ребенка из Гарлема, Гамин, получила широкое признание и помогла ей получить стипендию для обучения в Академии Гранд Шомьер в Париже, где она выставляла свои работы и выиграла множество наград. Сэвидж вернулась в Соединенные Штаты в 1931 году и в 1932 году открыла Savage Studio of Arts and Crafts, которая стала Центром искусств Гарлемского сообщества. Два года спустя она стала первым афроамериканским художником, избранным в Национальную ассоциацию женщин. Художники и скульпторы.Всю оставшуюся жизнь художница продолжала создавать новаторские работы - она ​​была одной из четырех женщин, получивших заказ от Всемирной выставки 1939 года - и посвятила свое время обучению искусству окружающих.

На фото: Августа Сэвидж работает над произведением, Нью-Йорк, Нью-Йорк, 1938.

6 Фрида Кало (мексиканка, 1907-1954)

Яркие автопортреты Фриды Кало с ее культовыми монобровями и усами были однажды описаны Андре Бретоном, основателем сюрреализма, как «ленточки вокруг бомбы».«Действительно, картины Кало одновременно соблазнительны и конфронтационны. В« Две Фриды (Las dos Fridas) »1939 года, завершенной вскоре после развода Кало с мексиканским художником-монументалистом Диего Риверой, Кало изображает две ее личности - одну в традиционном костюме Техуаны со сломанной сердце, а другой - в современной одежде, независимый, с полным сердцем. Постоянное преобразование и создание слоев собственной идентичности Кало было важным предшественником политики идентичности и продолжает вдохновлять художников сегодня.

На фото: Фрида Кало, Две Фриды (Лас-дос-Фридас) (1939), на выставке в 2007 году.

7 Луиза Буржуа (французская, 1911-2010)

Луиза Буржуа родилась в Париже в семье, которая занималась реставрацией гобеленов. В детстве она помогала им в мастерской, заполняя недостающие части рисунков, изображенных на гобеленах. Хотя она изучала математику и геометрию в Сорбонне, в конце концов она вернулась в искусство, занимаясь гравюрой, живописью и крупномасштабной скульптурой на протяжении всей своей долгой и разнообразной карьеры.Хотя формально она не была связана с каким-либо конкретным художественным движением, она выставлялась вместе с абстрактными экспрессионистами и исследовала темы, включая одиночество, ревность, гнев, сексуальность и бессознательное в ее работах.

В 1982 году, в возрасте 70 лет, Буржуа наконец-то получила возможность проявить себя, когда Музей современного искусства представил ретроспективу ее работ, на которой были изображены искаженные человеческие фигуры, подвешенные на проводах; тканевые творения, сделанные из ее старой одежды; и огромные скульптуры пауков, которые ей сейчас больше всего помнят.

На фото: Луиза Буржуа, Maman (1999), снято в Гамбурге, Германия в 2012 году.

8 Агнес Мартин (канадка, 1912-2004)

Агнес Мартин, часто ассоциируемая с движением минимализма, существовала в собственной лиге и не поддается простой классификации. Сугубо личная и духовная, Мартин объяснила, что ее картины пришли к ней полностью сформированными, размером с почтовую марку, которые она переводила на крупномасштабные холсты.Сверкающая золотая икона « Дружба » 1963 года - великолепный образец оригинальной картины художника в виде сетки. Изящно прорезанные линии Мартина, кажущиеся совершенными, но при внимательном рассмотрении проникнутые чувством человеческой руки, создают бесконечное поле с таинственным качеством - воплощение запредельного покоя. Ретроспектива работ Мартина открывается в Гуггенхайме в Нью-Йорке в октябре 2016 года.

На фото: Агнес Мартин, Friendship (1963), экспонируется в галерее Тейт Модерн в Лондоне в 2015 году.

9 Леонора Кэррингтон (англо-мексиканка, 1917-2011)

Художница и писательница, известная своими сюрреалистическими работами, Леонора Каррингтон родилась в Соединенном Королевстве и изучала живопись в Школе искусств Челси, а затем в 1936 году перешла в Академию изящных искусств Озенфант в Лондоне. В том же году она приняла участие в Международной Выставка сюрреалистов была привлечена к работам немецкого живописца Макса Эрнста. В следующем году они встретились на вечеринке и завязали короткий роман, живя вместе в Париже до начала Второй мировой войны, после чего Эрнст был арестован местными властями и вынужден был бежать от преследований.Он сбежал в Соединенные Штаты с помощью Пегги Гуггенхайм, на которой позже женился.

Вскоре после разрыва отношений Кэррингтон был госпитализирован с психическим расстройством и лечился сильнодействующими лекарствами. После освобождения она сбежала в Мексику, где ее глубоко вдохновил местный фольклор, который во многом повлиял на ее творчество. В ее высоко автобиографических картинах есть отсылки к колдовству, метаморфозам и оккультизму, изображены фантастические существа и преследующие сцены. В 70-е годы она присоединилась к Освободительному женскому движению и в 1973 году разработала плакат под названием « Mujeres Conciencia», «».В 1986 году она выиграла Премию за выслугу на съезде женщин-художников в Нью-Йорке за свою приверженность политической работе.

На фото: Леонора Кэррингтон, Испытание Оуэна, (1959).

10 Элейн Стертевант (американка, 1924-2014)

Произведения Элейн Стертевант (известной по фамилии) вызывают двоякий взгляд; то, что на первый взгляд выглядит как картина Энди Уорхола или Джаспера Джонса, на самом деле является ее собственной работой, в которой формы и методы оригинала были применены с пугающей степенью точности.С 1964 года Стертевант использует работы своих современников-мужчин, чтобы поставить под сомнение гендерную иерархию, оригинальность и авторство, а также структуры искусства и культуры. Фактически, Уорхол даже согласился позволить Стертеванту использовать своего создателя экрана для производства того же экрана Мэрилин, который он использовал в своей собственной работе. Как вспоминает Стертевант, когда Уорхола спрашивали о деталях его процесса, он просил людей «спросить Элейн».

На фото: Элейн Стертевант, Диптих Уорхола (1973), проданный Christie's в 2015 году.

11 Бетье Саар (американка, р. 1926)

Бетье Саар, одна из самых знаменитых мастеров ассамбляжа, является настоящей иконой в сфере современного искусства. Она родилась в Лос-Анджелесе, училась в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, который окончил в 1947 году по специальности дизайн, но страстно увлекался гравюрой. В 1967 году она посетила выставку скульптора найденных предметов Джозефа Корнелла, которая коренным образом повлияла на ее творческий путь.Она начала выкладывать сборочные коробки своими собственными гравюрами и рисунками и заполнять их найденными объектами, создавая части, посвященные расам и текущим событиям.

После убийства доктора Мартина Лютера Кинга-младшего в 1968 году ее работа стала более откровенно политической и экстремистской. В 1970-е годы Саар был членом Движения черных искусств, состоящего из поэтов, писателей, исполнителей и художников, которые объединили активизм и искусство, чтобы противостоять структурам власти белых и дать голос опыту черных.В ее самой известной работе, Освобождение тети Джемаймы (1972), изображена мамаша-кукла, вооруженная винтовкой и гранатой, готовая бороться с предрассудками, физическим насилием и пренебрежительными стереотипами, навязанными чернокожим американцам. Как объяснил Саар: «Моя цель как художника - создавать работы, разоблачающие несправедливость и раскрывающие красоту. Радуга - это буквально спектр цветов, в то же время духовный символ надежды и обещания ».

На фото: Бети Саар, Невесты рабства , экспонируется в колледже Сэддлбэк в Мишн-Вьехо, Калифорния, в 1998 году.

12 Хелен Франкенталер (американка, 1928-2011)

Революционная картина «пятна» Хелен Франкенталер, Горы и море, 1952 года сыграла ключевую роль в переходе от грандиозного жеста абстрактного экспрессионизма к плоским, медитативным формам живописи цветового поля. Франкенталер, прежде всего колорист, вылил банки с краской на необработанный холст, позволяя материалу впитаться в основу, образуя аморфные формы.Как женщина абстрактного экспрессионизма, Франкенталер прорвалась через движение, в котором преобладает мужское начало, и позволила услышать свой уникальный художественный голос. В настоящее время ее работы являются частью давно назревшей выставки «Женщины абстрактного экспрессионизма», которая открылась в Денверском художественном музее в июне 2016 года и отправится в Музей монетного двора в Шарлотте и Художественный музей Палм-Спрингс.

На фото: Хелен Франкенталер ок. 1956.

13 Яёи Кусама (яп., Б.1929)

Королева горошек, Яёи Кусама была значительной силой на авангардной арт-сцене 1960-х годов и продолжает раздвигать границы искусства - даже в моде благодаря недавнему сотрудничеству с Louis Vuitton. Ее «хеппенинги» 1960-х годов были новаторскими, в частности, Narcissus Garden 1966 года, которые художница исполнила на мировой арене на Венецианской биеннале. Финансируемый другим художником Лучио Фонтана, Кусама собрал 1500 серебряных шаров - трехмерных точек в горошек - на лужайке и предложил их на продажу посетителям по цене 1200 лир (два доллара) каждый в качестве критики коммерциализма мира искусства.

На фото: Яёи Кусама, Сад нарциссов (1966 г.), на выставке в Chatsworth House в Чатсуорте, Англия, в 2009 году.

14 Джуди Чикаго (американка, Б. 1939)

Отдавая дань уважения выдающимся историческим женщинам, художница-феминистка, писательница и педагог Джуди Чикаго отправилась значительно дальше в прошлое, чем Париж конца 18-го века. В The Dinner Party с 1974 по 1979 год, Чикаго произвел культовую инсталляцию, посвященную 1038 женщинам в истории, с вышитыми знаменами входа, выгравированным полом и массивным треугольным банкетным столом с сервировкой для 39 женщин, с самыми разными гостями из Первородной Богини. Джорджии О'Киф.В настоящее время размещенная в Центре Саклера в Бруклинском музее, инсталляция является центральным элементом феминистского искусства, созданного в поворотный период 1970-х годов, когда художницы-художницы вплотную занялись гендерными проблемами.

На фото: Джуди Чикаго, Ужин (1974–1979), Бруклинский музей.

15 Марина Абрамович (сербка, р. 1946)

Самопровозглашенная бабушка исполнительского искусства, Марина Абрамович развивает свою практику более пяти десятилетий.Она родилась в Белграде, Югославия (ныне Сербия), в семье строгих и тесно связанных с коммунистическим режимом страны. Она изучала живопись в Академии изящных искусств в Белграде, а затем получила степень магистра в Академии изящных искусств в Загребе.

Она начала изучать перформанс в 70-х, отказавшись от холста и вместо этого превратив себя в медиума, чтобы более тесно общаться со своей аудиторией. Включая перформанс, звук, видео, фотографию и скульптуру, ее работа, которая состоит из длинных рутинных процедур, которые часто подвергают ее физической опасности или боли, исследует темы, включая доверие, выносливость, очищение, истощение и уход, и заставляет зрителей смотреть на поскольку она проверяет пределы своего тела.

В 1976 году Абрамович начал сотрудничать с немецким художником Улаем, и они оставались артистическими и романтическими партнерами до 1988 года, когда она обнаружила, что он изменял. В 2010 году Абрамович поставил в Музее современного искусства перформанс, основанный на выносливости, под названием « Художник присутствует ». В течение двух с половиной месяцев она сидела в одном конце стола и приглашала зрителей сесть напротив нее, чтобы ненадолго участвовать в безмолвных встречах. Удивив Абрамович и доведя ее до слез, Улай сел с другой стороны стола, и они разделили волнующий момент после более чем 20 лет молчания.

На фото: Марина Абрамович представляет Марина Абрамович: Художник присутствует в Музее современного искусства 9 марта 2010 года в Нью-Йорке.

16 Адриан Пайпер (американец, Б. 1948)

«Дорогой друг, я черный. Я уверен, что ты не осознавал этого, когда делал / смеялся / соглашался с этим расистским замечанием», - говорится в сообщении Адриана Пайпера « My Calling (Card) № 1 с 1986 по 1990 год». Художник-концептуалист и перформанс, Пайпер - первопроходец в решении актуальных проблем, связанных с полом и расой.В серии Mythic Being Пайпер превратилась в чернокожего мужчину из низшего сословия и гуляла по улицам Кембриджа, обнажая абсурдность стереотипов общества.

Будучи светлокожей темнокожей художницей, ее конфронтационные работы остаются сегодня чрезвычайно дальновидными и значительными, заставляя нас подвергать сомнению социальную иерархию и восприятие идентичности. Недавно Пайпер была награждена премией «Золотой лев» как лучший художник на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году за свою работу The Probable Trust Registry , которая состоит из киосков корпоративного типа, в которых посетители могут подписывать контракты, соглашаясь жить за счет набора. правил, поощряющих личную ответственность.

На фото: Адриан Пайпер получает награду «Золотой лев» на 56-й Венецианской биеннале в 2015 году.

17 Мэрилин Минтер (американка, р. 1948)

Размывая границы между чувственным и гротескным, фотореалистичные работы Мэрилин Минтер обращаются к современным идеалам красоты, сексуальности и человеческому телу в стиле глянцевых модных образов. Известная своими картинами на эмали и металле, у нее есть процесс, который состоит из фотографирования на пленке, обработки их в темной комнате и наложения нескольких избранных изображений для создания совершенно новой композиции, на которой будет основана ее последняя картина.

Получив степень бакалавра в Университете Флориды в 1970 году и степень магистра иностранных дел в Сиракузах в 1972 году, Минтер переехала в Нью-Йорк и начала снимать мягкие сцены, связанные с женской домашней жизнью, такие как пол на кухне и различные продукты питания. В 80-х годах она сфокусировала свой объектив на более чувственных предметах, а именно на женском теле и порнографии. Ее откровенно сексуальные работы вызвали широкую негативную реакцию, что заставило Минтер исследовать, почему страсть, желание и близость были - и остаются - окутанными общественным дискомфортом.Сочетая в себе элементы изящной фотографии моды и красоты, а также яркие рекламные образы, работа Минтера сопоставляет понятия гламура и безупречности (накрашенные губы, ослепленные туфли на шпильке и блестящие веки) с менее желанной реальностью (пот, слюна, волосы и грязь).

На фото: Мэрилин Минтер, Orange Crush (2009 г.), на выставке в ее студии в Нью-Йорке в 2009 г.

18 Синди Шерман (американка, р. 1954)

Известная художница группы Pictures Generation, группы американских художников начала 70-х, известных своим анализом медиакультуры, Синди Шерман создает фотографические автопортреты, критикующие гендер и идентичность.Выступая в качестве режиссера, визажиста, парикмахера, стилиста, модели, сценографа и фотографа, художница превращается в сложных персонажей и снимается в не менее сложных сценах.

После учебы в Государственном университете Нью-Йорка в Буффало, Шерман переехал в Нью-Йорк в 1976 году, чтобы продолжить карьеру фотографа. Вскоре после прибытия она начала работать над кадрами из фильма без названия (1977-80), ставшим культовым сериалом, в котором она появляется во множестве обличий и декораций, изображая женские стереотипы, встречающиеся в фильмах и средствах массовой информации, включая несчастную домохозяйку . , брошенный любовник и уязвимый наивный .С тех пор она продолжала превращаться в самых разных персонажей, заставляя свою аудиторию противостоять другим распространенным стереотипам и их искусственности.

На протяжении своей карьеры Шерман сотрудничала с рядом модных брендов, включая Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga и Marc Jacobs, а также с модными журналами, включая Interview и Harper's BAZAAR . В 2016 году она подрабатывала звездой уличного стиля в сатирическом репортаже в мартовском номере Bazaar .

На фото: Синди Шерман, Untitled # 414 , (2003), экспонируется на Национальной портретной галерее в центре Лондона в 2016 году.

19 Ширин Нешат (иранка, Б. 1957)

Родилась в Казвине, Иран, Ширин Нешат переехала в Соединенные Штаты в 1974 году, чтобы учиться в Калифорнийском университете в Беркли, получив степень бакалавра и магистра в области изящных искусств в 1983 году. Вскоре после окончания учебы она переехала в Нью-Йорк, где она 10 лет проработал в Витрине искусства и архитектуры.Лишь после возвращения в Иран в 1993 году, через 14 лет после Исламской революции, она снова начала заниматься искусством.

Известная своими работами в области фотографии, видео и кино, проекты Нешат часто исследуют различные оппозиции, от ислама и Запада до мужчин и женщин. Как она объяснила на выставке, организованной инициативой по сбору средств Art 19: «Я всегда считала, что художники должны быть политически сознательными, и в моем личном случае родиться из Ирана, страны, которая подрывает основные права человека, особенно со времен ислама. революции, я бесконтрольно тяготел к созданию искусства, занимающегося проблемами тирании, диктатуры, угнетения и политической несправедливости.Хотя я не считаю себя активистом, я считаю, что мое искусство, независимо от его природы, является выражением протеста и призывом к человечеству ».

Ее первые видеоинсталляции - Turbulent (1998), Rapture (1999) и Fervor (2000) - исследовали гендер и общество, в частности ограниченность исламских законов в отношении женщин; ее первый полнометражный фильм, Mahdokht (2004), снят по роману Шахрнуш Парсипур « Женщины без мужчин, », тоже по теме.Нешат была удостоена впечатляющего количества наград за свои работы, в том числе Международной премии Венецианской биеннале 1999 года и Серебряного льва за лучшую режиссуру на Венецианском кинофестивале 2009 года.

На фото: Ширин Нешат позирует в своей студии в Сохо, Нью-Йорк, 2011 год.

20 Микален Томас (американец, Б. 1971)

Наиболее известная своими картинами, похожими на коллаж, Микален Томас создает яркие портреты и детализированные интерьеры, которые затрагивают такие темы, как сексуальность, расу, красоту и пол, и исследуют, как представление женщин в популярной культуре влияет на наше определение женственности.Используя стразы, которые служат аналогом женственности, Томас привлекает внимание к отдельным компонентам своих вещей (волосы, обувь и т. Д.) И просит зрителей подумать о том, что обычно характеризует женственность.

Вдохновленная множеством движений, в том числе импрессионизмом, кубизмом и дадаизмом, художница часто ссылается на образные работы ранних модернистов, таких как Пабло Пикассо, Анри Матисс и Эдуард Мане, в своих портретах, изображая своих женских персонажей в позах, популяризированных ею. предшественников-мужчин в попытке ниспровергнуть представление женщин как объектов.

Член Движения пост-черного искусства, категории современного афроамериканского искусства, Томас имеет степень бакалавра искусств Института Пратта и степень магистра искусств Йельской школы искусств, а также работает в области фотографии, видео, скульптуры и инсталляций.

На фото: Микален Томас позирует в Artists 'Studios в Нью-Йорке в 2008 году.

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты.Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

известных художников-акварелистов, которые до сих пор влияют на среду

Известные художники-акварелисты, которых вы должны знать

Джон Джеймс Одюбон (1785 - 1851)

«Птицы Америки» с изображением рябчика. (Фото: Public Domain)

Около 90 лет назад Джон Джеймс Одюбон закончил книгу «Птицы Америки» , но она до сих пор считается одной из лучших когда-либо изданных книг по орнитологии.Стремление Одюбона задокументировать наших пернатых друзей также помогло начать художественную традицию натуралистических изображений, дополняемых акварелью.

«Северный бобуайт (Colinus virginianus) и красноплечий ястреб (Buteo lineatus)», около 1825 г. (Фото: Public Domain)

Элизабет Мюррей (1815 - 1882)

«Vista de la Orotava y del Pico Teide», около 1851 г. (Фото: Public Domain)

Британская художница Элизабет Мюррей научилась акварельной живописи у своего отца Томаса Хифи, который также был акварелистом.Они путешествовали вместе, и Мюррей провел много времени в Риме, Марокко и Канарских островах. В течение 10 лет она писала пейзаж, а также портреты из своих путешествий. Ее работы известны своим выбором цветов: коричневого, фиолетового, синего, черного, красного и золотого, а также оливкового и коричневого цветов, чтобы придать им теплый оттенок.

«Церковное покровительство», 1860 г. (Фото: Public Domain)

Томас Моран (1837 - 1926)

«В горах Бигхорн», 1889 г.(Фото: Public Domain)

Томас Моран известен своими пейзажными акварельными красками, особенно из Йеллоустонского национального парка. Фактически, именно его неземные изображения гейзеров и горячих источников помогли убедить Конгресс США официально обозначить его как Йеллоустонский национальный парк в 1892 году. Практика Морана была основана на школах реки Гудзон и Скалистых гор - художественных школ и движений, которые сформировали эстетика и образность американской пейзажной живописи XIX века.

«Йеллоустон, Горячий источник», 1892 г.(Фото: Public Domain)

Уинслоу Гомер (1836-1910)

«Глостер-Харбор», 1873 г. (Фото: Public Domain)

Художник-самоучка Уинслоу Гомер основывал свою художественную практику на настоящем моменте. Один из его современников, художник Юджин Бенсон, был очень закрытым человеком, но писал, что Гомер считает, что художники «никогда не должны смотреть на картины». Скорее они должны «заикаться на своем языке» и рисовать (или рисовать) прямо с натуры.Для Гомера это означало идиллические, тихие сцены повседневной жизни, которые он завершал дома в Массачусетсе, а также поездки за границу.

«Три девушки-рыбаки», 1881 г. (Фото: Public Domain)

Джон Сингер Сарджент (1856-1925)

«Сиеста гондольеров», около 1904 г. (Фото: Public Domain)

Джон Сингер Сарджент известен своими портретами, но его акварельные работы отмечают отход от них. По аналогии с традициями других художников, его акварели часто изображали пейзажи, запечатлевшие его путешествия.В этих композициях Сарджент изменил свой стиль, чтобы отразить игривую плавность среды; в то время как его масляные портреты были тщательно прорисованы, акварельные изображения кораблей и берега были выполнены в стиле жестов.

«Грязные аллигаторы», 1917 г. (Фото: Public Domain)

Джорджия О’Кифф (1887–1986)

Джорджия О'Киф начала экспериментировать с акварелью, когда ей было чуть за 20, чтобы поиграть с цветом и композицией. Это было до того, как она написала культовые картины цветов маслом, а абстрактные акварели рассказывают о ее творческом пути к тому, чтобы чувствовать себя комфортно, работая в менее репрезентативном стиле.

«Восход», 1916 г. (Фото: Public Domain)

Пауль Клее (1879-1940)

В 1911 году Пауль Клее присоединился к группе художников под названием Blaue Reiter , организации, которая использовала их работу как способ выражения «духовных истин». Интересующийся нефигуративным искусством и примитивизмом, цвет был важной частью эстетики группы. Акварельные картины Клее были средством экспериментирования, чтобы понять его отношение к «царству цвета».”

Чарльз Демут (1883-1935)

«Деревья и амбары: Бермуды», 1917 г. (Фото: Public Domain)

Чарльз Демут художественно достиг совершеннолетия в период модернизма, и его встречи с кубизмом оказали большое влияние на его акварельные работы. Эта любовь к резким линиям и геометрическим формам сделала его одним из основателей Движения прецизионистов; его структурированные элементы сочетались с размытыми размытиями, сплавлением порядка и хаоса.

«Бермудские острова №2, «Шхуна», 1917 г. (Фото: CC0 1.0)

Реджинальд Марш (1898 - 1954)

«Локомотив», 1932 г. (Фото: Public Domain)

Работы Реджинальда Марша стали синонимом Нью-Йорка. В 1930-40-е годы он вел хронику повседневной жизни шумного мегаполиса; это включало такие периферийные области, как салоны бурлеска и Кони-Айленд. Обладая такими наблюдательными навыками, его работа идеально подходила для журналистики, и он работал в The Daily News .Что касается акварели, он сказал: «Акварель я взял и хорошо освоил, без каких-либо предисловий».

«Буксиры, Нью-Йорк», 1938 г. (Фото: Public Domain)

Эндрю Уайет (1917 - 2009)

Американский художник Эндрю Уайет - сын известного иллюстратора Н.К. Уайета. Благодаря наставничеству отца Андрей рано освоил акварель. К 20 годам у него была первая персональная выставка, на которой были представлены все акварельные картины. (Все билеты на шоу распроданы.По мере того, как его карьера продолжала расти, Эндрю расширил свои избранные материалы до яичной темперы, но он продолжал создавать акварели, вдохновленные его уединенными прогулками в своем родном городе Чаддс Форд, штат Пенсильвания, а также в Кушинге, штат Мэн.

Эдвард Хоппер (1882-1967)

Эдвард Хоппер известен своими картинами маслом, такими как культовый Nighthawks , но художник также был знатоком акварели. В обоих средствах массовой информации внимание Хоппера было одинаковым; американский опыт, увиденный сквозь пейзажи.«Моей целью в живописи, - цитирует его слова, - всегда была самая точная из возможных транскрипций моих самых сокровенных впечатлений от природы».

Статьи по теме:

Гуггенхайм публикует более 1700 шедевров современного искусства в Интернете

9 художников-абстракционистов, изменивших наш взгляд на живопись

Великолепные акварельные картины с разнообразными пейзажами, которые предлагает природа

Музей Метрополитен теперь предлагает более 1600 бесплатных онлайн-книг по искусству

Раскрывая эмоциональную глубину современного шедевра Эдварда Хоппера «Ночные ястребы»

Как рисовать женские лица в причудливом стиле: Учебник для начинающих |

Видите ли вы, как другие художники рисуют лица с такой легкостью, что вы сразу же им завидуете?

Хотите заполнить свой арт-журнал красивыми причудливыми лицами, но не знаете как ?!

Сегодня я покажу вам, как рисовать женские лица - причудливый стиль.

Под причудливым я имею в виду, пожалуйста, без реалистичного рисунка. Давай просто повеселимся поиграться.

С помощью этого пошагового руководства я постараюсь помочь вам начать рисовать женские лица уже сегодня.

Если вы только новичок, я обещаю вам, что вы продвинетесь дальше в рисовании лиц, которые вам нравятся.

Как поэтапно рисовать женские лица

Сначала я покажу вам, как рисовать каждую черту лица по отдельности, а затем мы увидим, как установить пропорции лица и где разместить черты лица.

Это действительно простое руководство, которому, я знаю, вы легко сможете следовать.

Но учтите, сначала эти лица будут выглядеть шаткими, даже странными. И вы можете спросить себя, почему вы вообще меня слушаете.

Однако каждый раз, когда я рисую лица, они выглядят как странные инопланетяне, пока я их не закончу. Итак, я просто хотел сказать: потерпите меня, они будут красивыми в конце концов.

РУКОВОДСТВО ПО ПРОПОРЦИЯМ ЖЕНСКОГО ЛИЦА БЕСПЛАТНО

Расходные материалы, которые вам понадобятся

Мне нравится рисовать механическим карандашом , а позже обводить его водостойкой черной ручкой .

Однако для рисования можно использовать и цветной карандаш . Я получил этот совет много лет назад, и это тоже очень весело.

Что касается бумаги, не пробуйте свои первые рисунки на фактурной бумаге. Вы просто расстроитесь, потому что карандаш на этой бумаге трудно стереть. Выберите более гладкую бумагу .

Как рисовать глаза

Как нарисовать женское лицо в причудливом стиле? Просто нарисуйте большие выразительные глаза!

Вот как нарисовать простые глаза.

Эти пунктирные линии на изображениях ниже являются частью рекомендаций по пропорциям лица, которые мы будем использовать позже.

Сначала нарисуйте две дуги над направляющей. Расстояние между глазами должно быть таким же, как длина глаз.

Однако, если вы хотите поэкспериментировать, вы можете увеличить это расстояние, и тогда вы действительно получите самое причудливое лицо .

После того, как вы нарисуете арки, также нарисуйте две линии, как на фотографии ниже, чтобы придать глазам некоторую форму.

Затем добавьте полукруг для радужной оболочки.

Нарисуйте еще один полукруг поменьше для зрачка и оставьте небольшой прямоугольник для бликов. Это то, что придает глазу сияние и глубину.

В конце добавьте всего две линии для век. Это придает глазам больше объема.

Как нарисовать простой нос

Все, что вам нужно, это три круга!

Нарисуйте один большой круг и два поменьше с каждой стороны.

Теперь давайте сделаем ноздри, добавим форму и удалим несколько лишних линий.

Нарисуйте две ноздри в маленьких кружочках и закрасьте их.

Добавьте изогнутые линии на ноздрях и оставьте небольшую дугу на верхней части носа.

Нос обычно широкий, как расстояние между глазами.

Как нарисовать губы

Чтобы нарисовать губы, вам понадобится всего несколько линий.

Просто помните, чем пышнее линии, тем естественнее и мягче выглядят губы.Я давно получил этот совет от Джейн Дэвенпорт, и он меня никогда не подводит.

Сначала нарисуйте две горы , как на изображении ниже.

Затем добавьте извилистую линию для долины под горами .

Наконец, нарисуйте третью линию чашеобразной формы на ниже линии впадины.

Соединять линии не нужно. Я нахожу их действительно интересными, когда они вот так нарисованы. Они больше похожи на наброски.

Как нарисовать брови

Вы можете экспериментировать с бровями и получать от этого массу удовольствия.

Они могут быть прямыми или пышными, толстыми или просто тонкими.

Для меня самый простой способ их нарисовать - вот так.

Нарисуйте одну изогнутую линию и просто добавьте другую и соедините их на концах, как на фотографии ниже.

Как нарисовать волосы

Это одна из моих любимых частей причудливых лиц.

Я не готовил учебник по рисованию волос, я просто покажу вам несколько своих рисунков, чтобы вы увидели, как можно экспериментировать с волосами.

Просто небольшое примечание. Если вы хотите, чтобы волосы двигались, добавьте длинные изогнутые линии вверх или по бокам.

Я сделал эту страницу с марками лица Джейн Дэвенпорт

Как нарисовать ресницы

Их бывает сложно нарисовать.

Но я добавляю прихоти, просто рисуя несколько кривых линий там, где закрываются глаза.

Вы видите на фото ниже? Да, я люблю делать их длинными и пышными.

С ними тоже можно экспериментировать. Сделайте их такими длинными, чтобы они стали центром внимания на лице, если хотите.

Нарисуй щеки!

Не знаю почему, но рисовать щеки так приятно, и они получаются милыми, независимо от цвета и формы.

Если вы действительно хотите добавить причудливой искры, сделайте щеки заметными, нарисовав круги вместо щек.

Также поэкспериментируйте с размером. Я люблю, чтобы мои щеки были за пределами морщин.

Пропорции лица

Когда дело касается пропорций лица, подумайте о симметрии и линиях. Мы собираемся использовать их, чтобы нарисовать лицо.

Я всегда начинаю с рисования овальной формы. Это всего лишь набросок, и не беспокойтесь, чтобы быть точным.

Эта овальная форма представляет собой всю голову, а не только лицо.

Симметрия лица

Вы беспокоитесь о симметрии лица? Ну не надо.

Совершенно симметричное лицо неестественно и выглядит очень странно.

Так что не беспокойтесь, если ваши глаза по какой-то причине не будут точно такого же размера или точно такой же формы.

Ваши рисунки будут более интересными и привлекательными, если вы не будете искать эту идеальную симметрию.

На моих рисунках ниже вы увидите, что меня это не волнует. Рисование такого лица на самом деле является наброском, мы просто устанавливаем некоторые ориентиры и обрамляем лицо.

Позже, когда вы закончите рисовать, вы можете растушевать и раскрасить лицо так, как вам нравится, и сделать его более интересным и объемным.

Нарисуйте направляющие

Когда вы рисуете овал, разделите его пополам горизонтальной линией, а затем снова вертикальной линией.

Эти линии помогут вам разместить глаза, нос, уши и рот.

Затем разделите нижнюю половину еще раз пополам с новой горизонтальной линией.

Глаза будут опираться на центральную горизонтальную линию, поэтому отметьте, где вы их разместите. Вам нужно, чтобы расстояние между глазами было такой же, как длина глаза.

Нарисуйте черты лица

Носик будет на пересечении нижней горизонтальной линии и вертикальной линии. Губы уходят прямо под нос.

Для глаз нарисуйте две дуги над направляющей и добавьте радужную оболочку для каждого глаза.

Когда вы нарисовали все черты лица, начинайте рисовать линию лица.

В правилах пропорций лица начните лицо от глаз, проводя прямые линии вниз до линии носа.

Оттуда начните изгибать его по направлению к губам и закончите подбородком под губами.

Обычно я добавляю уши последними, и делаю их очень простыми. Нарисуйте их между глазами и нижней частью носа. Пусть вам помогут рекомендации.

Меня не волнует точная форма или симметрия. Нет радости в том, чтобы переживать по этому поводу.

Позвольте мне показать вам, как эти рекомендации выглядят на законченном причудливом лице.

Это одна из моих причудливых девочек, которых я рисовала в прошлом году.Вы видите, как я разместил все черты лица в соответствии с этими рекомендациями по пропорциям лица?

Должен сказать, что мои причудливые лица в основном были вдохновлены замечательной художницей Джейн Дэвенпорт, ее книгами и художественными принадлежностями.

Вы можете посмотреть ее канал на YouTube здесь.

Экспериментируйте с разными формами лица

Обычно я начинаю лицо с овала.

Но вы можете поэкспериментировать с формами и добавить к ним свой штрих.

Например, вы можете нарисовать круг или даже какой-нибудь прямоугольник.

Иногда мне нравится делать лица своих девочек более сильными, чем делать их мягкими.

Эксперимент с размером и расстоянием

Это еще один способ добавить интереса и сделать ваши лица уникальными.

Чем шире расстояние между глазами, тем причудливее выглядит лицо.

Кроме того, чем больше глаза, тем больше прихоти вы добавляете к ним. Здесь вы можете поиграть с деталями радужной оболочки, такими как блики и цвет.

Еще одна крутая идея - сделать губы слишком маленькими или слишком большими для лица.У вас будут интересные лица, и маааан, как вам будет весело.

Заключительные детали того, как нарисовать женское лицо в причудливом стиле

Прежде всего, я хочу, чтобы вы забыли о перфекционизме .

На наших лицах нет идеальной симметрии, и вы будете рисовать более симпатичные лица, если просто отпустите ожидание лица идеальной пластической хирургии.

Во-вторых, использует изогнутые линии для губ и волос.Тогда вы получите мягкий женственный вид.

В-третьих, экспериментируют с размером черт лица и расстоянием между глазами. Кроме того, сделайте сумасшедшие развевающиеся волосы, чтобы немного оживить ситуацию.

Затем добавьте щеки : большие щеки, маленькие щеки, круглые, квадратные - возможности безграничны.

И, наконец, повеселимся . Если вы задумали рисовать причудливые женские лица, то не стоит давить на себя реалистичными результатами.Дайте волю своему воображению и посмотрите, куда это вас приведет.

РУКОВОДСТВО ПО ПРОПОРЦИЯМ ЖЕНСКОГО ЛИЦА БЕСПЛАТНО

СВЯЗАННЫЕ СТАТЬИ НА ЧЕРТЕЖАХ

Легкие вещи, которые можно нарисовать в своем художественном журнале за 3 минуты или меньше

Простые цветочные дудлы для начинающих вести дневник искусства

Как начать художественный журнал: полное руководство для начинающих

Вам нравится этот урок рисования женского лица? Сохраните его на своей любимой доске Pinterest!

9 отличных онлайн-уроков по искусству для детей: рисование, рисование, рукоделие и многое другое

Приближается лето, и по мере того, как лагеря выясняют, открываются ли они в самые жаркие дни года, вы можете искать онлайн-классы для детей, чтобы заполнить пробел.К счастью, найти хорошую серию детских художественных классов не так уж и сложно, и вы попали в нужное место, чтобы провести отличные детские уроки рисования за компьютером.

Не смотрите дальше! Этот список онлайн-классов рисования для детей включает уроки рисования для детей, уроки рисования для детей и многое другое. Эти классы доступны везде онлайн, по низкой цене или бесплатно. И хотя онлайн-уроки рисования или онлайн-уроки рисования для детей не могут быть идеальной заменой очным урокам рисования, это действительно лучше, чем ничего - и хороший способ снова развить у вашего ребенка творческие способности.

Эти в основном бесплатные онлайн-классы рисования для детей предназначены для детей разного возраста и предоставляют инструкции по всему, от простых поделок и рисунков для начинающих до промежуточных занятий, таких как рисование акварелью и портреты, использование видео для рисования и создание классов, включающих искусство дети, которые им действительно понравятся. Вот восемь лучших онлайн-уроков рисования для детей, которые либо бесплатны, либо чрезвычайно доступны.

Skillshare онлайн-классы рисования для детей

Skillshare предлагает 13 бесплатных онлайн-классов для детей, которые варьируются от уроков рисования до часовых уроков из 25 шагов или курсов, которые охватывают рисование жирафа или рисование кошки примерно через 15 минут.Они также уделяют внимание различным темам и материалам, например, как рисовать акрилом и акварелью. Запаситесь принадлежностями для рисования и поставьте своего ребенка перед компьютером.

Детские классы Sparketh

Дети в возрасте от 6 до 18 лет могут посещать до 1000 бесплатных онлайн-уроков по искусству в течение 30 дней на Sparketh. Дети могут посещать уроки рисования природы или животных, учиться рисовать портреты и загружать свои работы в центральное портфолио на Sparketh и даже создавать профиль студента-художника.На Sparketh есть десятки курсов, поэтому любой ребенок может найти практически все, что он хочет создать.

Дудлы на обед с Мо Виллемсом

Каждый день в 13:00. ET, бруклинский художник Мо Виллемс, иллюстратор Knuffle Bunny и телесериала «Овцы в большом городе» Cartoon Network, проводит живую лекцию, на которой Виллемс создает новый рисунок. Детей (и, разумеется, взрослых) приглашают присоединиться к нему и рисовать вместе с ним. Курс менее «учебный» и больше ориентирован на открытую творческую игру.Это не столько урок, сколько отличный перерыв после обеда, чем урок владения основными принципами искусства. Есть 21 классный класс на выбор.

Детская неделя Карлы Сонхейм

Карла Сонхейм, автор книги Drawing Lab , проводит серию уроков рисования, которые включают шесть уроков, которые проводят не только Сонхейм, но и другие художники и учителя Линн Уиппл и Дайан Калхейн. Уроки, которые длятся менее часа, требуют лишь немного времени и базовых принадлежностей для рисования.Урок первый? Рисование собак Пикассо. Урок третий? Листовая печать. Урок шестой? Модильяни Портреты. Классы классные, потому что они сочетают в себе настоящий артистизм и художественный стиль с простыми, веселыми задачами, которые могут выполнить дети любого возраста.

Kitchen Table Classroom

The Kitchen Table Classroom, бесплатный веб-сайт по искусству, управляемый 20-летним ветераном рисования, предлагает множество совершенно бесплатных онлайн-уроков. Существуют поделки для печати (родители могут распечатать маски лесных животных для сборки или набор для повязки на голову с единорогом своими руками), а также уроки рисования, учебные пособия и курсы рисования.Регулярно добавляются новые курсы, поделки и материалы, поэтому родители могут и дальше проверять, какие виды искусств, ремесел и уроки публикуются в Интернете.

Nature’s Art Club

Nature’s Art Club - это не бесплатная услуга, но за 10 долларов в месяц это воровство. Услуга включает ежемесячный учебник по рисованию, который предоставляется либо в формате PDF, либо в онлайн-пошаговом видеоуроке для детей, серию акварельных набросков для рисования, раскраски и рабочие листы, чтобы немного усложнить все дело. более образовательный.Поскольку курсы основаны на природе, также предоставляются учебные материалы, которые помогают детям узнать факты о том, что они рисуют.

Thrive Art School

Thrive Art School - это настоящая художественная школа, которая работает в Сиэтле, штат Вашингтон, но на YouTube есть различные уроки рисования для детей всех возрастов и способностей. Уроки делятся на художников для начинающих и художников среднего уровня. Видео для начинающих помогают детям младшего возраста научиться рисовать тропических рыбок, творческих замков, щенков и собак; на промежуточных уроках даются инструкции по рисованию осьминогов, водяных лилий и львов.

Онлайн-школа видео

«Онлайн-видео школа» с расплывчатым названием «Онлайн-видео школа» предлагает множество различных типов уроков для учеников всех возрастов - от фотографии до 3D-печати. Но для тех, кто просто хочет немного повеселиться творчески, родители могут записать своего ребенка в художественный класс Лори Ли Эбинер для начинающих и детей. Курс за 10 долларов включает восемь различных художественных проектов, охватывающих разные навыки от рисования, рисования до работы в смешанной технике. Что касается расходных материалов, детям понадобится только карандаш, ластик, набор акварельных красок, цветные карандаши, масляная пастель, бумага, ножницы и клей, и они будут работать над проектами под названием «Развлекательные слоны» и «Петух Брюстер». 'среди других.Каждый класс содержит введение в проект, список материалов и инструкцию для печати, чтобы учащиеся могли следить за видео Лори и при необходимости приостанавливать их.

Udemy

Для детей, серьезно относящихся к рисованию и живописи, Udemy предлагает уроки рисования, ориентированные на взрослых, но с учетом различных уровней навыков. Приблизительно за 15-20 долларов за курс дети могут изучить такие особенности, как основы акварели, рисование аниме, изготовление мыла и даже рисование на iPad.Каждый курс состоит из серии коротких лекций (некоторые из них включают 11 лекций, другие - более 100), которые дети могут прочитать в любое время, а также статьи и загружаемые ресурсы.

Каждый продукт на сайте Fatherly выбирается нашими редакторами, писателями и экспертами независимо друг от друга. Если вы перейдете по ссылке на нашем сайте и что-то купите, мы можем заработать партнерскую комиссию.

Ой! Пожалуйста, попробуйте еще раз.

Спасибо за подписку!

25 водных картин, которые вам понравятся

От водяных картин известных художников и любимых преподавателей до работ художников, которые на момент публикации были на пике своей карьеры, вот 25 водяных картин от 25 талантливых художников.Будьте готовы к тому, чтобы взять кисть и начать рисовать.

1.

Bideford Фрэнк Уэбб Bideford , Фрэнк Уэбб, бумага, акварель, 22 x 30

Когда Фрэнк Уэбб работает на натуре, он переделывает пейзаж, привнося в то, что он видит, качества, которые, по его мнению, важны в картине.

«В общем, я использую интенсивные цвета, которые абсолютно произвольны и не имеют отношения к местному цвету», - отмечает Уэбб. «Но для меня формы - самый важный элемент.Должны быть созданы хорошие формы. Их нельзя скопировать ».


2.

Октябрьский руссет Тони Коуч October Russet , Тони Коуч, бумага, акварель, 20 x 30

Для рисования осенней листвы, как в October Russet , Тони Коуч использует теплые тона - от красного до желто-зеленого. Чтобы цвета оставались яркими, он размещает на бумаге дополнительные цвета рядом друг с другом. Но Couch не смешивает дополнения, которые могут создать тускло-серый цвет.


3.

Koi 98, No. 1 by Cheng-Kee Chee Koi 98, No. 1 , Cheng-Khee Chee, бумага, акварель, 30 x 40

Водяные картины, такие как Koi 98 Ченг-Кхи Чи, № 1 , оживают как выразительная, интуитивная абстракция. Они полны сюрпризов и случайностей, характерных для рисования мокрым по мокрому.

Цвета смешиваются и подчиняются своим законам, и краска может работать сама по себе. После этого процесс рисования переходит в более осознанную и структурированную фазу.


4.

Спящая лилия Мэри Уайт Спящая лилия Мэри Уайт, бумага, акварель, 26 x 21

Для картины Lily Sleeping целью Мэри Уайт было не только воссоздать качество света на лице ее объекта, но также ощущение тепла и безопасности, а также передать вид и ощущение детской мечты.

«Чтобы придать рисунку лоскутного одеяла, я нанесла стирку, а затем промокнула местами гофрированную полиэтиленовую пленку», - объясняет Уайт.«Чтобы создать потусторонний сказочный эффект, я бросила на фон кусочки пряжи, а также кусочки бумажного полотенца, которые я вырезал в форме листьев».


5.

The Wash Милфорд Зорнес The Wash Милфорд Зорнес, бумага, акварель, 22 x 30

По словам Милфорда Зорнеса (1908-2008), линия - самый важный графический элемент в картине, за которым следует значение, а затем цвет. Рисуя, он мысленно прослеживал движение линии четырьмя способами: горизонтальным, вертикальным, угловым и изогнутым.

«Когда я рисую дерево», - сказал Зорнес. «Я думаю про себя:« Хорошо, идите вертикально от земли для первого ствола ». Стоп. Загляните в ветви. Стоп. Для более мелких веток вытягивайте их под углом. Стоп. »


6.

Слабость Хосе Апаза Тонкость Хосе Апаза, бумага, акварель, 22 x 30

Смутные значения в картине Tenuousness мексиканского художника перуанского происхождения Хосе Апаза отражают медитативное состояние фигуры.«Каждый человек - это краткое изложение универсальной мудрости», - утверждает он. «Смиренные люди - мои величайшие учителя, они оказали на меня огромное влияние».


7.

Камара-де-Лобос, Мадейра, Португалия Автор: Евгений Чисничан Камара де Лобос, Мадейра, Португалия , Эжен Чисничан, бумага, акварель, 17 3/4 x 25 1/2

Молдавский художник Eugen Chisnicean написал Камара де Лобос, Мадейра, Португалия на острове Мадейра в Атлантическом океане.

«Это был совершенно другой мир, не похожий ни на одно место, в котором я когда-либо был», - вспоминает Чисничан. «В этой сцене было все, что мне нужно для создания картины: горы, дома, лодки, люди. Я попыталась объединить все элементы естественным образом и создать гармонию между формами ».


8.

Гобелен Пол Джексон Гобелен Пола Джексона, бумага, акварель, 27 x 56

Стоя на смотровой площадке Эмпайр-стейт-билдинг, Пол Джексон сделал эталонные фотографии для своей большой картины Гобелен .

«Фотографии были сделаны в сумерках, но они позволили мне отслеживать все здания», - говорит Джексон. «Это не фотографический реализм. На этой картине есть все - все мои чувства и воспоминания о Нью-Йорке ».


9.

Песня ветра Джозеф Рафаэль Песня ветра Джозеф Рафаэль, бумага, акварель, 66 x 45

Сюжет «Песня ветра » художника Джозефа Рафаэля - его сад. Для художника этот сад - постоянный источник вдохновения.


10.

Foxy Lady II Фредерик К. Графф Foxy Lady II , Фредерик Графф, акварель на ЮПО, 23 x 32

Художник Фредерик Графф считает, что для его искусства очень важно выходить за рамки простого фиксирования фактов и передавать то, что он видит, «неограниченным, но частично контролируемым» способом.

«В Foxy Lady II , например, сложный массив самолетов на переднем плане предлагает атрибутику верфи, фактически не описывая ее подробно», - отмечает Графф.«Точно так же голубовато-зеленые массы на заднем плане создают впечатление соснового леса».


11.

Кувшин в зеленый горошек с подсолнухами / Мэн от Кэролайн Брэди Green Dot Jug With Sunflowers / Maine Кэролайн Брэди, бумага, акварель, 30 x 20

Яркий натюрморт « Кувшин в зеленую точку с подсолнухами / Мэн » Кэролайн Брэди демонстрирует, почему виртуозный колорист считается мастером современного американского реализма.


12.

Равновесие Денни Бонда Равновесие Денни Бонда, бумага, акварель, 30 x 22

Денни Бонд создал Equilibrium во время обеда в Джеймстауне, Род-Айленд. «Изначально меня привлекал свет, падающий на голубые стены», - объясняет Бонд. «Поэтому я посоветовал жене выйти на свет, но все же оставить мне место, чтобы я мог увидеть изображение всадника, нарисованное на стене».

Он продолжает: «История создала сама себя.Все элементы были там. Их просто нужно было собрать вместе ».


13.

Звезды и полосы Джуди Беттс Звезды и полосы Джуди Беттс, бумага, акварель, 15 x 22

В этом мягком поэтическом рендеринге Джуди Беттс использует основные цвета и их дополнения. Она использует разнообразие форм, размеров и ценностей, создавая прекрасные нейтральные тона на фоне своей цветочной картины Stars and Stripes .

«Цвета могут быть колыбельными или симфоническими, но то, что заставляет их петь в любом случае, - это расположение дополнительных цветов», - говорит Беттс.«Цвета, окруженные их дополнениями, вызывают взрыв. Он может быть тонким или монументальным ».


14.

Сырое утро Дин Митчелл Влажное утро Дин Митчелл, бумага, акварель, 10 x 15

Дину Митчеллу удается найти тихую поэзию в сюжетах своих водяных картин, которые в противном случае можно было бы упустить из виду, например, в убогих домиках, представленных в Damp Morning . Открытое пространство в центре композиции - это место для отдыха и размышлений.


15.

Торговый центр Джона Салминена Торговый центр Джона Салминена, бумага, акварель, 29 1/2 x 35

Для этой заснеженной композиции Джон Салминен использовал группу прохожих, чтобы добавить ощущение масштаба. «Холодный зимний солнечный свет просачивался через лабиринт покрытых инеем конечностей, - говорит он, - придавая сцене The Mall холодное сияние».


16.

Девочки на свидании by Dongfeng Li Девушки на свидании Дунфэн Ли, акварель, ЮПО, 30 x 22

Дунфэн Ли, профессор искусства в Государственном университете Морхеда, рисует разные предметы, в том числе людей разного возраста и происхождения, например девушек, изображенных в фильме « Девочки на свидании» .В каждом случае художнику удается передать человечность, изящество и достоинство своего предмета.

«Их разный опыт может создавать интересные контексты», - утверждает Ли. «Мне любопытны эти различия; так что это одна из моих основных мотиваций в создании моей работы ».


17.

Winter Road , Ян Рэмси Winter Road , Ян Рэмси, бумага, акварель, 18 x 24

Белая бумага, или снег, стала платформой на картине Яна Рэмси, Winter Road , сцена в Южном Вайоминге.

Зимние композиции в значительной степени полагаются на отрицательное пространство, обеспечиваемое снегом. Более темные элементы травы, выбоин и холмов на заднем плане направляют взгляд на хозяйственные постройки.


18.

Район Миссии, Риверсайд Фрэнк Франсезе ​​ Mission District, Riverside , Фрэнк Франсезе, бумага, акварель, 21 x 29

«В районе Mission District, Riverside есть немного волшебства, - говорит Фрэнк Франсезе. «Со мной такое случается не все время.Это произойдет чаще, если я просто позволю себе уйти и доверять своему суждению и своему сердцу ».

Художник выбирает цвет, основываясь на эмоциональной реакции, а не на том, что он на самом деле видит. «На самом деле, - отмечает Франсез, - я обычно работаю с быстрого черно-белого наброска из фломастера. Затем я просто придумываю свои собственные цвета, когда рисую ».


19.

In Shine Mirror Джордж Джеймс In Shine Mirror Джордж Джеймс, акварель на ЮПО, 28 x 37

После смерти отца Джордж Джеймс (1932-2016) написал In Shine Mirror , чтобы увековечить его портрет.«Вместо того, чтобы создать точное подобие, я попытался уловить его сущность, не обращая внимания на лицо», - объяснил Джеймс. «Я использовал зеркала, чтобы показать духовность и размышления».


20.

Мишель Скотт Бердик Мишель Скотт Бердик, бумага, акварель, 27 x 20

Идея картины Скотта Бёрдика « Мишель » возникла еще до того, как он сел за предмет.

«Это видение этой картины было таким ясным, - вспоминает Бердик.«Я даже сделал набросок этого перед фотосессией, чтобы помочь Мишель понять, какое настроение у меня было - ту долю секунды ожидания, когда кто-то входит в комнату. Остальное остается на усмотрение зрителя ».


21.

Рыбаки, Миртл-Бич, Южная Каролина Серж Холленбах Fishermen, Myrtle Beach, S.C. , Серж Холленбах, бумага, акварель, 8 x 10

На акварельной живописи Сержа Холленбаха, Fishermen, Myrtle Beach, S.C. , пять рыбаков привязаны по стоимости к планкам забора пирса, уравновешивая вертикали и строго горизонтальный формат.


22.

Завораживающие ветви, глуши V Кристин Козик Очаровательные ветви, глуши V Кристин Козич, бумага, акварель, 29 1/2 x 41 1/2

Эта акварельная живопись, входящая в серию из восьми, стала отправной точкой для Кристин Козич, когда она начала работу над картиной в 2006 году. «Я работала над растениями, но это были скорее тропические цветы», - отмечает Козич.

Ежедневная 45-минутная поездка до школы ее дочери в Северной Луизиане знакомила художницу со «всеми этими великолепными цветами на деревьях».


23.

Fjord Dal Станислав Золадз Fjord Dal , Станислав Золадзь, бумага, акварель, 22 x 30

Заснеженные горные вершины и белые пятна выпавшего снега на переднем плане создают баланс форм на картине шведского художника польского происхождения Станислава Золадза « Fjord Dal ».

«В апреле и мае, после долгой зимы, свет с силой возвращается в Норвегию», - говорит Золадзь.


24.

Urchfront Flowers Чарльз Рид Urchfront Flowers - Чарльз Рид, бумага, акварель, 22 х 24

Художник Чарльз Рид считает, что начало создания водяных картин важнее, чем отделка. «Иногда вы так хотите аккуратно нарисовать цветок, что становитесь плотным и буквальным», - объясняет он. «Хитрость заключается в том, чтобы позволить краске и небольшому количеству воды рисовать за вас.”


25.

Красный свитер Жан Педерсон Красный свитер Жан Педерсон, бумага, акварель, 14 x 11

Умелое использование теней и светов в картине Джин Педерсон Красный свитер не только помогает создать сильную картину, но и создает ощущение силы внутри объекта.

«Начав новую жизнь в Канаде, этот молодой человек не отказался от своей угандийской идентичности, - говорит Педерсон. «Для многих иммигрантов меланхолия сопровождает надежду - чувство, которое я пытался передать в The Red Sweater .”


Версия этой статьи, написанная Энн Хевенер, впервые была опубликована в 25-летнем выпуске журнала Акварельный художник .

Обязательно расскажите нам, какая из этих 25 водяных картин вам больше всего нравится в комментариях. Счастливой живописи, художники!

Другой связанный контент:

Art House - арт-студии для всех возрастов

Art House предлагает уроки рисования, лагеря, мастер-классы и вечеринки для всех возрастов.Учитесь искусству, любите искусство и получайте удовольствие. Студенты Art House изучают самые разные художественные среды: от акварели, акриловых красок, угля и карандаша до пастели, масла, лепки из глины и т. Д. Различные художественные стили, техники и художники на протяжении всей истории составляют основу каждого класса, открывая мир истории искусства каждому ученику.

Дошкольное искусство - Эти получасовые занятия по искусству, разработанные специально для детей в возрасте 3 и 4 лет, направлены на развитие и совершенствование мелкой моторики по мере того, как дети изучают различные материалы и техники для создания искусства.

Искусство для возрастов 5-7 - Эти часовые уроки рисования предназначены для детей в возрасте от 5 до 7 лет и направлены на развитие и совершенствование мелкой моторики, когда дети изучают различные материалы и техники для создания искусства.

Искусство, 8–11 лет - Эти часовые занятия, предназначенные для детей от 8 до 11 лет, направлены на совершенствование мелкой моторики, когда ваш ребенок рисует, раскрашивает и лепит, работая с различными художественными материалами и стилями.

Homeschool Art - Учащиеся младшего возраста сосредотачиваются на совершенствовании мелкой моторики, в то время как старшие ученики и подростки развивают техники и технические навыки посредством рисования, рисования и лепки. В течение семестра студенты получают раздаточные материалы по техникам, художникам или художественным направлениям, которые они изучали на этой неделе.

Tween Art - Эти полуторачасовые занятия по искусству, предназначенные для детей от 11 до 14 лет, побуждают учащихся развивать свой собственный стиль и идеи, исследуя различные среды, стили и художников.

Подростковое искусство - Эти двухчасовые занятия по искусству, предназначенные для детей от 14 до 18 лет под руководством профессионального инструктора-художника, посвящены разработке портфолио колледжей и проектов по собственному выбору учащихся.

Искусство для взрослых - Для взрослых, которые хотят научиться рисованию фигур, рисованию акрилом, рисованию акварелью или просто изучению основ искусства.

Оставить комментарий

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *

© 2019 Штирлиц Сеть печатных салонов в Перми

Цифровая печать, цветное и черно-белое копирование документов, сканирование документов, ризография в Перми.